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Prensa
malba.cine | Comunicado de prensa
25 de agosto de 2006


PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE 2006

1. Sexo, droga y rock‘n roll
Durante todo el mes

2. Estreno internacional I
La pesadilla de Darwin (Austria–Bélgica-Francia-Canadá-Finlandia-Suecia, 2004), de Hubert Sauper
Viernes a las 22:00 y domingos a las 21:30

3. Continúa - Estreno internacional II
Mondovino (Francia–EUA-Argentina, 2004), de Jonathan Nossiter
Jueves a las 22:00

4. Film del mes XXIII
Porno (Argentina, 2004), de Homero Cirelli
Sábados a las 24:00

5. Continúa - Film del mes XXII
Samoa (Argentina, 2005), de Ernesto Baca
Sábados a las 22:30 y domingos a las 20:00

6. Continúa
Pacto de silencio (Argentina, 2005), de Carlos Echeverría
Sábados a las 20:00

7. Continúa
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Sábados y domingos a las 18:30

8. Continúa
Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005), de Tetsuo Lumière
Viernes 8, 15 y 29 a las 20:00

9. La cosa y Cinecolor presentan
¡Bichos!
Jueves 14 y 21 a las 20:00. Viernes 15 y 22 a las 24:00.

10. Ciclo Petrobras
Tan de repente (Argentina, 2002), de Diego Lerman
Viernes 22 a las 20:00. Entrada libre y gratuita

11. Espacio ADF – Directores de Fotografía argentinos
Racconto (Argentina, 1963), de Ricardo Becher
Domingo 24 a las 16:00.

12. malba.cortos
Fractales (Argentina, 2005), de Carola Gliksberg
Sábados y domingos a las 18:00


13. Grilla de programación


1. Sexo, droga y rock‘n roll
Durante todo el mes

En septiembre, malba.cine presenta veinte films que contienen sexo, droga y rock’n roll, aunque no es imprescindible que aparezcan juntos en la misma película. Ello permite que en el ciclo convivan personajes de muy diversos hábitos, como por ejemplo Melody y Christiane F.


A. Sexo
Acompañando el estreno del documental Porno, ofrecemos algunos hitos de ese género, en exhibiciones rigurosamente prohibidas para menores de 18 años.

El Diablo en la señorita Jones (Devil in Miss Jones, EUA-1973) de Gerard Damiano, c/Georgina Spelvin, Harry Reems, Judith Hamilton, Gerard Damiano. 68’.
Una mujer se suicida y eso la condena al infierno, pero un mediador del más allá se apiada de ella al saberla virgen: “Si hay que ir al Infierno, que sea por un buen motivo”. A lo largo de una hora, Spelvin acumula méritos suficientes para merecer la condenación eterna, hasta llegar a un final que algunos críticos han comparado (seriamente) con Huis Clos de Sartre. Se la considera un hito del género y fue realizada por el mismo responsable de Garganta profunda.

Calígula (EUA, 1980) de Tinto Brass, c/Malcolm McDowell, Peter O’Toole, Teresa Ann Savoy, Helen Mirren, John Gielgud. 156’.
Un imperio en decadencia aparece sintetizado en la locura de Calígula, y aunque esa alegoría está presente en el film, es evidente que para los realizadores el estado mental del emperador era mucho más importante como excusa para poner en escena toda clase de vicios, desde orgías con sexo explícito hasta una curiosa máquina para decapitar. Es considerado el primer film pornográfico que tuvo un elenco respetable, el costo de una superproducción y una distribución mainstream, aunque en Argentina hubo que esperar algunos años, hasta que la censura fuera abolida, para poder verlo.

Exhibition (Francia, 1975) de Jean-François Davy, c/Claudine Beccarie, Benoit Archenoil, Noelle Louvet, Beatrice Harnois. 85’.
Con alguna influencia del cinéma-verite, este film se propone como un retrato documental de la actriz porno Claudine Beccarie y, por extensión, de la industria del cine pornográfico europeo de los ’70. Fue uno de los primeros documentales sobre el tema (si no el primero) y en tal carácter tuvo el raro privilegio de ser programado en el New York Film Festival en 1975, pese a sus muchas escenas de sexo explícito. En Argentina tuvo un oscuro estreno en salas tras la abolición de la censura en 1984.

Los que ofenden al sexo (Sittlichkeitsverbrecher, Suiza-1963) de Franz Schnyder, c/Freddy Karsten, Peter Arens, Barnara Bietenholz, Eva Gaugler. 100’.
Parte falso documental y parte supuesta reconstrucción “basada en hechos reales”, el film es uno de los productos exploitation más descarados (y menos vistos) de su tiempo. Su publicidad es elocuente: “¡Verá a los MIRONES, que buscan emociones fáciles! ¡Verá a los VICIOSOS, que desafían la manera normal de vivir! ¡Verán a las AMORALES, muchachas sometidas a deseos diabólicos! ¡Verá a los RAROS, que nacieron diferentes pero viven una vida propia con los suyos! ¡Verá a los SÁDICOS, para quienes el ansia de emociones es más fuerte que la vida misma!”

Pink Flamingos (EUA, 1972) de John Waters, c/Divine, Mink Stole, 106’.
Divine y Mink Stole compiten para merecer el puesto de “La Más Repugnante Persona Viva”. El resultado de ese esfuerzo fue un hito del underground norteamericano que en su reciente reestreno mereció la calificación Sólo para mayores de 17 años, a causa de “un amplio espectro de perversiones mostradas con detalles explícitos” (sic). Ese espectro es realmente amplio e incluye sexo con sacrificio de gallinas, venta de niños, ejercicios anales y degustación de excrementos. Sin embargo, se trata de una comedia.




Historia de O (Histoire d’O, Francia / Alemania-1975) de Just Jaeckin, con Corinne Clery. 105’.
Se basa con fidelidad en una célebre novela de Dominique Aury (firmada con el seudónimo Pauline Réage) y resultó un film lo suficientemente inquietante como para permanecer totalmente prohibido en Inglaterra hasta 1999. Parte de su delirante imaginería erótica reaparece, curiosamente, en la secuencia de la orgía aristocrática que filmó Kubrick para Ojos bien cerrados. El francés Just Jaeckin inventó, a partir de Emmanuelle (1974), todos los lugares comunes del softcore de los ’70. Su estética de hotel-alojamiento quedó fijada en el tiempo pero conserva cierta gracia, en parte por algunas audacias ciertas y en parte por una evidente voluntad de no tomarse del todo en serio.

Las vírgenes guerreras (Gwendoline, Francia-1984) de Just Jaeckin, con Tawny Kitaen. 105’.
Es, hasta ahora, el último film de Jaeckin y también el más divertido, por su arbitraria combinación de sexo y aventuras. La base la proporcionó una historieta inglesa de John Willie, publicada durante los ’50 y protagonizada por una bella muchacha con gran predisposición para perder la ropa. Jaeckin respeta el original, pero además logra algunas escenas genuinamente eróticas reemplazando imágenes por palabras.

Porno mudo + música en vivo
Antes de los 60, antes de la industria del porno, el sexo explicito circulaba en el cine en forma de cortometrajes clandestinos, siempre mudos y en blanco y negro, conocidos como stag-movies. La palabra stag designaba a las reuniones exclusivamente masculinas donde estos films se exhibían.
En las stag-movies no hay bellezas neumáticas, artefactos sofisticados ni proezas sobrehumanas. Sus intérpretes tienen aspecto de gente común y representan con entusiasmo fantasías cotidianas, ausentes de la representación convencional. Los elementos narrativos pensados para que el espectador se identifique están dispuestos en estos films con el mismo rigor que en el cine clásico, con la ventaja de que el porno, libre de toda restricción, puede apelar a situaciones ausentes del cine comercial normal.
La muestra consiste en una selección de seis cortometrajes, con un total de 65 minutos de duración. El evento contará con acompañamiento de música compuesta e interpretada en vivo por la National Film Chamber Orchestra, coordinada por Fernando Kabusacki.

B. Droga
Tres aproximaciones muy distintas –pero igualmente sensacionalistas- sobre el tema de las sustancias adictivas.

Marihuana (Ídem., EUA-1936) de Dwain Esper, c/Harley Wood, Hugh McArthur, Pat Carlyle, Paul Ellis. 58’.
El porro es un camino de ida. El primero te lo regalan y con el segundo se termina desnudo en la casa de unos facinerosos, víctima de una sobredosis de heroína o vendiendo drogas duras a jóvenes incautos. Para demostrar que en todas partes hay un argentino, nótese que uno de los dos mafiosos protagonistas es el porteño Paul Ellis, que trabajaba en Hollywood desde fines de la década del 20. El productor, director y distribuidor Dwain Esper fue un pionero del cine exploitation y entre sus méritos se cuenta el haber salvado Freaks de Tod Browning, que compró a la productora MGM cuando ésta no quería saber nada con ese film maldito. En sus últimos años se destacó por realizar imaginativas películas de montaje antes de que se legitimara el uso del “found footage” y así inauguró el género Mondo reciclando material documental filmado en el África (La maldición Ubangi) o en la Alemania nazi (el documental paranoico ¿Sucederá de nuevo?).

Fumadores de opio (Confessions of an Opium Eater, EUA-1962) de Albert Zugsmith, c/Vincent Price, Linda Ho, Richard Loo, June Kim. 85’. Doblada al castellano.
Este film rarísimo ha sido definido, adecuadamente, como una cruza entre los seriales de aventuras de los ’30 y las películas lisérgicas de los ’60. Está ligeramente basado en un libro célebre de Thomas de Quincey y en su homenaje el protagonista que interpreta Vincnt Price lleva ese apellido. Sin embargo, la mayor parte de la imaginería más o menos simbólica del film y sus abundantes reflexiones filosóficas fueron responsabilidad del productor-director Albert Zugsmith, personaje pintoresco capaz de producir obras maestras como Escrito en el viento (Sirk) o Sombras del mal (Welles) y también films exploitation como Fanny Hill (Russ Meyer).

Yo, Christiane F., drogada y prostituida (Christiane F., Alemania-1981) de Uli Edel, c/Nadja Brunkorst, Thomas Haustein, Jens Kuphal, Reiner Volk, David Bowie. 124’.
Tras administrarse una tremenda dosis de heroína en un automóvil, la adolescente protagonista de este film se desvanece y el realizador tiene la gentileza de fundir a negro. Ese es el único momento elíptico que se permite este film descarnado, basado en hechos reales, sobre un grupo de adolescentes que se prostituyen en las cercanías de la Banhof de Berlín para sostener su adicción a las drogas duras. Pese a su título sensacionalista, el film llega más lejos que las experiencias de Dwain Esper gracias a una puesta en escena sin concesiones y a un par de pertinentes citas cinéfilas (a La noche de los muertos vivientes y a Nosferatu), a través de las cuales el director indica el peso de una brecha generacional que es parte sustancial del problema.

El ansia perversa (A Hatful of Rain, EUA-1957) de Fred Zinnemann, c/Eve Marie Saint, Don Murray, Tony Franciosa, Lloyd Nolan, Michael Ansara. 109’.
Fue la primera aproximación de un estudio major de Hollywood (Fox) al tema de la drogadicción y aunque es probable que la obra original de Michael V. Gazzo sufriera alguna modificación en la adaptación, el resultado fue de todas formas poderoso. Un ex soldado, que ha adquirido su adicción tras ser tratado con morfina en el frente, logra llevar una doble vida gracias a la ayuda económica de su hermano. Ni su esposa ni su padre saben la verdad de su condición, aunque ésta comienza a volverse insostenible. Zinnemann utiliza de manera atípica la pantalla ancha para narrar esta historia básicamente intimista, y obtiene excelentes trabajos de todo su elenco. Las escenas en que el protagonista es presionado por su dealer son especialmente fuertes y ayudan a que el film, en comparación con otros del mismo período, no parezca haber envejecido demasiado.

Ellos contra el mundo (The Glory Stompers, EUA-1967) de Anthony Lanza, c/Dennis Hopper, Jody McCrea, Chris Noel, Jock Mahoney. 85’.
En la época en que los Hell’s Angels estaban a cargo de la seguridad en los conciertos de los Rolling Stones, se hicieron varios films sobre motoqueros desquiciados y su entorno, lleno de sexo, droga y rock’n’roll. Ellos contra el mundo describe el enfrentamiento entre dos bandas rivales, los Glory Stompers y los Black Souls. Dos años antes de realizar el hito contracultural Busco mi destino, Dennis Hopper interpreta aquí al líder de los Black Souls, un villano de temer que lleva insignias nazis y se entrega a toda clase de impulsos primitivos, como el de secuestrar a la novia del jefe de los Glory Stompers.

Rebelión en las calles (Riot on Sunset Strip, EUA-1967) de Arthur Dreifuss, c/Aldo Ray, Mimsy Farmer, Michael Evans, Laurie Mock, Tim Rooney. 87’.
La hija de un policía sigue el camino de la perdición en compañía de una banda de jóvenes alcohólicos y drogadictos. Realizado y estrenado poco después de una serie de tumultos juveniles en Los Angeles, este fue uno de los varios films que produjo la empresa AIP para explotar la atención generada por la contracultura. Por detrás de un débil mensaje moralista sobreviven varios momentos antológicos, como la aparición de las bandas de culto The Standells y The Chocolate Watchband, y la curiosa danza de una muchacha tras tomar LSD sin saberlo.

C. Rock’n roll
Varios clásicos y algunas rarezas en un recorrido que se inicia en The Beatles y termina en Sonic Youth.

Anochecer de un día agitado (A Hard Day’s Night, Gran Bretaña-1964) de Richard Lester, c/John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Wilfrid Bramwell, Norman Rossiter, Victor Spinetti. 87’.
El lado más alegre del Swinging London surgió aquí en toda su plenitud y Lester demostró que hacer algo original con una banda de rock & roll era posible. Imágenes de apariencia documental se combinan con otras decididamente experimentales que anticipan el concepto de los modernos videoclips. El film fue además un óptimo vehículo para el sentido del humor de los Beatles, a quienes la crítica comparó entonces con el de los Hermanos Marx. Aunque parezca difícil de creer, en Argentina se estrenó con el título Yeah, yeah, yeah.




Gira mágica y misteriosa (Magical Mystery Tour, Gran Bretaña-1967) de The Beatles, c/John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Jan Carson, Jessie Robins, Victor Spinetti. 55’.
Ideado y realizado en forma independiente por los Beatles para ser emitido por la TV, este film fue visto en su momento como un fracaso incomprensible. Los años transcurridos le han dado un valor documental imprevisto, ya que muestra al grupo con una honestidad que sus films previos no se habían permitido. También se ha vuelto más evidente su carácter de obra experimental y pionera de la psicodelia, más próxima al cine de Andy Warhol que al de Richard Lester.

Stones en el parque (Stones in the Park, Gran Bretaña-1969) de Leslie Woodhead, c/Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor, Charlie Watts, Bill Wyman. 53’.
Registro del concierto que los Stones ofrecieron gratis en el Hyde Park de Londres, el 5 de julio de 1969, dos días después de la muerte de Brian Jones. Además de la música, es memorable la explicación que ofrece Jagger sobre la conveniencia económica de realizar recitales de este tipo.

Submarino amarillo (Yellow Submarine, Gran Bretaña-1968) de George Dunning. 85’. Largometraje de dibujos animados.
Los Beatles parten al rescate de Pepperland, lejana tierra arrasada por la invasión antimusical de los perversos Blue Meanies. Inspirado en música y letras del cuarteto de Liverpool, el film contó con diseños originales de Heinz Edelmann, de enorme influencia posterior en la gráfica y la publicidad.

Melody (Ídem., Gran Bretaña-1971) de Waris Hussein, c/Tracy Hyde, Mark Lester, Jack Wilde, Roy Kinnear. 107’.
Dos niños se enamoran por primera vez, pese a las diferencias de clase, a la disciplina represiva del colegio y a las convenciones sociales. El film, escrito por Alan Parker, tiene una legendaria banda sonora con temas de los Bee Gees, Richard Hewson y Crosby, Still, Nash & Young.

The Rocky Horror Picture Show (Inglaterra, 1975) de Jim Sharman, c/Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O’Brien, Jonathan Adams. 100’.
La obra musical de Richard O’Brien, potenciada en el film, tomaba reconocibles lugares comunes del cine de terror para hacer saltar por los aires los arquetípicos de género. Buena parte del éxito de la obra y del film se debieron a la actuación antológica de Tim Curry como el científico bisexual Frank-N-Furter. El tiempo y el público lo transformaron, espontáneamente, en el film de culto más importante de la historia del cine. En Argentina quedó prohibida por la censura y se estrenó sin éxito a fines de los ’80 con el título Orgía de horror y locura.

Los chicos están bien (The Kids Are Alright, EUA-1979) de Jeff Stein, c/The Who. 108’.
Sumando material de archivo con entrevistas, backstage y conciertos contemporáneos, el realizador Jeff Stein compuso uno de los mejores y más entretenidos documentales jamás realizados sobre una banda de rock. El film supuso además un involuntario homenaje al baterista Keith Moon, que murió de una sobredosis poco antes del estreno.

Quadrophenia (Ídem., Gran Bretaña-1979) de Franc Roddam, c/Phil Daniels, Mark Wingett, Philip Davis, Leslie Ash, Sting. 115’.
Corre 1964: mods y rockers, grupos opuestos de adolescentes enardecidos, perturban con su entusiasta violencia las tranquilas costas de la ciudad de Brighton, Inglaterra. En ese contexto, con ayuda de su motocicleta y diversos tipos de pastillas, el joven Jimmy (Phil Daniels) enfrenta a sus padres, trabaja lo mínimo posible y procura acercarse a una muchacha que no le corresponde. A diferencia de Tommy (Ken Russell, 1975), basada también en un disco de The Who, Quadrophenia incorpora las canciones al argumento sin perder de vista el hilo narrativo, que aspira a evocar, a través de la suma de detalles y costumbres, el estado de ánimo de la juventud inglesa que, por extracción social, se quedó afuera del elegante swinging London.

The Blues Brothers (EUA-1880) de John Landis, c/ John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles. 133´.

Los hermanos Jake y Elwood procuran volver a reunir su banda para recaudar un dinero necesario para salvar el asilo en que se criaron. Una interminable sucesión de destrozos a gran
escala se alterna con memorables números musicales interpretados por artistas como Aretha Franklin, Ray Charles, John Lee Hooker, Cab Calloway y James Brown en este clásico de culto, tristemente estrenado en Argentina con el título Los hermanos Caradura.

La ley de la calle (Rumble Fish, EUA-1983) de Francis Ford Coppola, c/Mickey Rourke, Diane Lane, Matt Dillon, Dennis Hopper, Diana Scarwid. 94’.
Pese a encontrarse en el punto más comprometido de toda su carrera, Coppola supo realizar, a partir de un libro de Susan Hinton, una de las pocas películas de los ’80 que puede considerarse ya un clásico. Derrochando carisma como nunca antes o después en su carrera, Mickey Rourke encarnó al simbólico objeto del deseo de toda una generación.

U2: Rattle and Hum (EUA, 1988) de Phil Joanou, c/Bono, The Edge, Adam Clayton, Larry Muller, Jr., B. B. King, Phil Joanou. 99’.
Documental realizado durante el tour homónimo de U2 por Estados Unidos, a fin de 1987. La banda se encontraba en lo que muchos consideran su mejor momento, tras grabar el disco Joshua Tree.

1991: The Year that Punk Broke (EUA-1991) de Dave Markey, c/Mark Arm, Kat Bjelland, Kurt Cobain, Don Fleming, Kim Gordon, Thurston Moore. 99’.
Invitado a una gira por Europa de Sonic Youth, Markey filmó durante diez días los diferentes shows y el backstage con una cámara de súper 8mm. Su amistad con el cantante Thurston Moore –que aquí oficia de maestro de ceremonias- le permitió moverse en un clima relajado. El grupo suena como una topadora en su primera gira importante y es obvio que los músicos eligieron tomar con sarcasmo la atención desmedida que reciben en cada lugar. Lo mismo ocurre con sus teloneros Nirvana, que parecen una banda enérgica y feliz, lejos del aire trágico con que hoy se la recuerda. Lejos de MTV y cerca del espíritu festivo de una home movie, este film es el testimonio definitivo del movimiento grunge. Texto de Fernando Chiappussi.


Destacado
malba.cortos
Entrada libre y gratuita.
De jueves a domingos a las 18:00 |Consultar grilla de programación

El misterio del pescado saltarín (The Mystery of the Leaping Fish, EUA, 1916), de Christy Cabanne y John Emerson


2. Estreno internacional I
La pesadilla de Darwin (Darwin's Nightmare, Austria–Bélgica-Francia-Canadá-Finlandia-Suecia, 2004), de Hubert Sauper
Viernes a las 22:00 y domingos a las 21:30
Precio especial: $9 / Estudiantes y jubilados: $4,5


Este documental narra la vida alrededor del Lago Victoria. En los años 60, un experimento introdujo en el lago un nuevo pez gigantesco, la Perca del Nilo. Esta especie exótica se reprodujo rápidamente y hoy su carne es exportada a todo el mundo, lo que generó una nueva industria millonaria a orillas del lago tropical más grande del mundo. Hay una razón extra en este comercio, de la que nadie quiere hablar: el tráfico del pescado se hace a través de aviones de carga rusos que no llegan vacíos al continente africano: traen armas y municiones. Darwin's Nightmare muestra todos los aspectos de esta industria que combina pescados y armas, y que tiene como telón de fondo la cruel paradoja de Tanzania, un país que lucha contra el hambre disecando los espinazos de los pescados, mientras desde su territorio se exportan miles y miles de toneladas hacia Europa.

Hubert Saupert deja hablar a los protagonistas del film. A través de miradas tuertas de impotencia de secadores de cabezas de perca, canciones de jóvenes tanzanesas prostitutas de pilotos comerciales y gritos de peleas entre niños de la calle por algo de arroz o de cola, Saupert explica la desgarradora situación de 25 millones de personas que viven en los alrededores del lago, de los cuales más de la mitad se encuentra en situación de desnutrición. Mientras en un bar de pescadores la televisión recuenta los sacos de harina y arroz de donaciones de ayuda internacional que aterrizan para combatir las hambrunas que azotan el país, la exportación anual de perca entre los tres países que se reparten el lago Victoria (Uganda, 43%; Tanzania, 51% y Kenya, 6%) asciende a los 72 millones de kg. (datos de 2002). La comunidad local no se pueden permitir ni tan siquiera comprar el pescado que ellos mismos han pescado o que han ayudado procesar; se limitan a consumir los desperdicios de la industria procesadora y las espinas.


Ficha técnica
La pesadilla de Darwin (Darwin’s Nightmare, Austria–Bélgica-Francia-Canadá-Finlandia-Suecia, 2004). Guión y dirección: Hubert Sauper / Edición: Denise Vindevogel / Producción: Barbara Albert, Martin Gschlacht, Edouard Mauriat / Jefe de producción: Farès Ladjimi / Sonido: Cosmas Antoniadis / Duración: 111’. 35mm. Color.








3. Continúa - Estreno internacional II
Mondovino (Francia–EUA-Argentina, 2004), de Jonathan Nossiter
Jueves a las 22:00
Precio especial: $9.- / Estudiantes y jubilados: $4,5


Desde la selva brasileña hasta las callejuelas de Brooklyn, desde los Pirineos hasta los aristocráticos palacios florentinos... ricos y pobres, nativos y emigrantes siempre compartieron un mismo sueño: el de convertir, como por arte de magia, la uva en vino.
Mondovino es un documental en el que el norteamericano Jonathan Nossiter nos ofrece un recorrido por la historia del vino a lo largo de tres continentes.
La película retrata el enfrentamiento entre las grandes empresas de Francia, Italia y Argentina, y los pequeños viñedos de cada país, construyendo un diálogo entre los fascinantes personajes del mundo del vino.
Asistimos a los pleitos de sucesión que dividen a las familias, desde los magnates Mondavis de Napa, California, hasta las tres generaciones de los Montille en Borgoña, quienes libran una cruel batalla por defender las pocas hectáreas de tierra de sus ancestros.
Vemos las prácticas de diferentes corporaciones por convertir el vino en dinero antes que respetarlo como producto tradicional, como fruto de la tierra: la lucha entre los viticultores amantes de su labor, frente a las macroempresas que persiguen objetivos menos románticos y que están acabando con la autenticidad, la creatividad y la diversidad de los vinos.
Así, filmando el mundo del vino desde su vertiente de negocio familiar, generacional e industrial, y reflejando todos los procesos de producción, distribución y consumo de este producto universal y milenario, Nossiter termina elaborando un profundo discurso anti globalización.
Mondovino reúne de esta forma sus dos pasiones, el cine y el vino, en un filme que ha causado un terremoto en el mercado vitivinícola mundial. Rodado en locaciones de EEUU, Argentina, Brasil, Francia e Italia durante cuatro años con sólo una cámara portátil y un equipo de no mas de tres personas, la película es un alegato contra la globalización y homogeneización del vino y de la destrucción del "terroir", un término francés que se traduce como "terruño" pero que para Nossiter tiene significados mas amplios, que abarcan, por ejemplo, a la identidad cultural.


Ficha técnica
Mondovino (Francia-EUA-Argentina, 2004) Dirección: Jonathan Nossiter / Producción: Jonathan Nossiter, Emmanuel Giraud, Catherine Hannoun / Co-Producción: Ricardo Preve / Dirección de fotografía: Jonathan Nossiter / Edición: Jonathan Nossiter / Sonido: Nostradine Benguezzou / Asistente de dirección: Laurent Gorse / Asistente de cámara y co-operador: Stephane Pómez / Una producción de Goatwork Films y Films De La Croisade. Duración:136’.


Biofilmografía
Jonathan Nossiter (Washington, USA, 1961) es hijo de Bernard Nossiter, un conocido corresponsal de The New York Times. Criado en Francia, Gran Bretaña, Italia y Grecia, Jonathan aprendió cinco idiomas y estudió pintura en la Ecole des Beaux Arts de París y cinematografía en la Universidad de Dartmouth. Sus inicios cinematográficos fueron como asistente del director Adrian Lyne en Atracción Fatal (1987). En 1990 realizó su primer filme, el documental Resident Alien. Por su segunda película, Sunday (1997), ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance, y en el año 2000 dirigió a Charlotte Rampling en Signs and Wonders.
Su pasión por el vino lo llevó a diplomarse también como sommelier. En este sentido, su carrera como director de cine ha sido interrumpida durante varios años debido a su trabajo en varios de los mejores restaurantes de Nueva York, experiencia que lo puso en contacto con los más importantes especialistas vinícolas.






4. Film del mes XXIII
Porno (Argentina, 2004), de Homero Ciccari
Sábados a las 24:00


“Que nadie se confunda: Porno, el cuarto largometraje de Homero Cirelli es mucho más y mucho menos que pornografía.
Se trata de una película que, como es habitual en el cine de Homero, juega con el formato del documental para llevarlo a sus límites (a su extenuación: allí donde el documento se transforma en monumento). Porno es mucho más (y mucho menos) que documentalismo y es más bien un raro ensayo cuyo mérito principal radica en haberse propuesto separar obscenidad y pornografía. Lo porno de Porno es apenas su pretexto: un grupo de personas (de personas corrientes, habría que agregar) se reúne en una casa quinta para realizar una película pornográfica y la cámara de Cirelli (como si se tratara de un mero making off) registra el proceso de registro de esas hipotéticas algarabías de la carne.
Cine dentro del cine: la película porno a cuyo rodaje asistimos no puede ser más precaria y patética aún cuando sea la clave de todo lo demás. Los actores son bastante malos en su performance erótica, el director lleva anotadas las pocas ideas que tiene en un cuaderno espiralado, la iluminadora considera pertinente mover el foco de luz según los movimientos de cámara, con lo que uno puede sospechar el resultado más parecido a un ejercicio expresionista a la Murnau que a cualquiera de las delicias a las que la industria del porno tiene acostumbrados a sus clientes. ¿Por qué el porno interesa en Porno? Porque es el índice de una cierta excedencia y, por lo tanto, una descripción del estado de la cultura.
Hay industria porno, en principio, porque hay industria cinematográfica y hay industria cinematográfica porque hay excedentes económicos que permiten patrocinar una cierta cultura. Argentina, uno de los principales países productores de cinematografía en el mundo, tiene también una consolidada industria pornográfica (que incluye incluso producciones del complicado subgénero gay), varias de cuyas películas han sido exhibidas en los canales de cable destinados a calmar la fiebre carnal de los varones.
De modo que Porno lleva el razonamiento hasta el colmo e imagina un making off de una película pornográfica. Y, todavía más, imagina una obra de arte (un monumento) con los restos de ese making off: las distracciones del camarógrafo, los errores de todo tipo, los intervalos entre secuencia y secuencia, la vida cotidiana del equipo de rodaje, el “fuera de cuadro” (un perro que juega con un envase de leche, los autos que pasan, las laboriosas hormigas, el espectáculo del campo bonaerense debidamente domesticado y convertido en casa quinta con pileta).
Lo obsceno de Porno no radica en el modo en que exhibe la mecánica sexual (en lo que la película, porque le interesa otra cosa, es muy medida). Lo obsceno de la mirada de Cirelli tiene que ver con la exhibición de la cultura argentina como un conjunto de rasgos de carácter y una serie de comportamientos: el asadito, el mate, la voracidad (hay tantas secuencias de gente comiendo como de gente fornicando), la charla (desde "la familia" hasta las mejores maneras de copular con una oveja), la improvisación y la precariedad de todo lo que se realiza.
Así, parece decir Porno, funciona la industria del entretenimiento. Pero mucho más allá de ese argumento que haría del cuarto largometraje de Cirelli apenas un atinado cuadro de costumbres, se deja leer una hipótesis sobre la cultura: si se trata de algo que sólo existe en relación con los excedentes económicos (lo que se llama, una cierta riqueza), los caracteres y comportamientos que arquetípicamente asociamos con la cultura argentina (esa pesadilla de la que no atinamos a despertar) corresponden en realidad a una cultura argentina, la que tiene excedentes económicos para financiar caprichos culturales porque el rendimiento de la soja lo permite. Partida en dos o completamente fracturada la patria, sin embargo se reconoce como "cultura argentina" lo que se corresponde con la pampa húmeda (el campo) y su cultura metropolitana.
Habiendo perdido su potencia integradora, la cultura argentina operaría hoy como un gigantesco dispositivo de exclusión y diferenciación social. La distancia que hábilmente coloca Cirelli entre Porno y la película pornográfica cuyo rodaje registra no puede ser más elocuente en ese punto. La cultura ya no sirve como mapa y por eso no es casual que la primera larga secuencia de la película encuentre a sus protagonistas perdidos entre rutas, autopistas y extravagantes nombres de country clubs.




Que nadie se confunda: Porno sólo es obscena porque exhibe obscenamente ciertos rasgos culturales y transforma los sueños argentinos en una pesadilla: la fiesta carnal en comparsa de mucamos impúdicos.
Porno es el cuarto largometraje de Homero, después de Unos viajeros se mueren (2002, con textos de Daniel Veronese), Berlín (2004, presentado en el BAFICI) y Los Buenos Aires.”

Daniel Link


Ficha técnica
Porno (Argentina, 2004) Dirección y realización: Homero Cirelli / Producción: Alejandro Fella, Norberto Arbía y Homero Cirelli / Productora asociada: Ruda / Elenco: Natalia Miró, Celeste del Río, Beatriz Yorio, Alejandro Fella / Duración: 82’.


Biofilmografía
Homero Cirelli (Buenos Aires, 1961) estudió Licenciatura en Música en la Universidad de La Plata y Dirección de Cine en la Escuela de Arte de Avellaneda. Su primer largometraje, Berlín (2004), fue presentado en la sexta edición del BAFICI y en el cine Arsenal, de la ciudad de Berlín, como cierre de una muestra de cine argentino. El siguiente film fue Los Buenos Aires (2005). También ha realizado trabajos de videoarte entre los que se destacan Todos los días problemas y Mental.



5. Continúa - Film del mes XXII
Samoa (Argentina, 2005), de Ernesto Baca
Sábados a las 22:30 y domingos a las 20:00

Samoa no propone una situación concreta, personajes ni diálogos. No hay en Samoa una historia en el sentido tradicional, la intención de imponer al espectador una interpretación mas o menos determinada de su sentido.
Samoa tiene su origen en una serie de imágenes fugaces, instantáneas de la realidad capturadas a lo largo de un solitario recorrido por distintos rincones de la Argentina. Sobre ese registro de lo inmediato, el director intervino de forma artesanal dibujando y pintando a mano formas abstractas sobre el negativo, sumergiéndolo en tinturas, quemándolo con ácidos e imprimiendo en él por contacto directo los objetos mas diversos. La organización poética de las imágenes, sus texturas únicas, combinadas con la sugestiva música devocional hindú hacen de Samoa una experiencia hipnótica, espiritual, de una originalidad absolutamente inusual en nuestro cine.


Ficha técnica
Samoa (Argentina, 2005). Guión y Dirección: Ernesto Baca / Producción General: Lorena Baibiene / Cámara y Fotografía: Ernesto Baca. Montaje: Pablo Ester, Ho. Sonido: Carolina Sandoval, Gaspar Scheuer / Música: Rasikananda Das, Marcelo Ismael Rodríguez. Voz Devocional: Mathura Hari Das / Productores asociados: Compañía General del la Imagen SRL, Anthony Niccole, Pablo Dellamea. Elenco: Gadea Quintana, Laura Amor, Graciana Urbani, María Isabel Chiapetti, Ricardo Holcer. Duración: 70’. Formato: 35mm. ByN + Color.


Biofilmografía
Ernesto Baca (Argentina, 1969) terminó en 1996 sus estudios de realización cinematográfica en el Instituto de investigación y Experimentación en Video y Cine (CIEVYC), los cuales complementó con estudios de Mitología en el Centro Cultural General San Martín y de Fotografía con Carlos Villareal. Samoa es su segundo largometraje.


Los domingos a las 21:20 también se proyectará Cabeza de palo (Argentina, 2002), ópera prima del director.

Cabeza de palo (Argentina, 2002), de Ernesto Baca
Él es chofer de colectivo y todos los días transporta pasajeros por las periferias de la ciudad. Vive con su mujer y su pequeña hija en un barrio pobre de los suburbios. La relación entre ellos es superficial, se tratan casi como extraños. Su trabajo entra en contacto con una serie de exóticos personajes en los márgenes de la ley, un ámbito hasta el momento ajeno a él, que lo atrapa con fuerza. Con cada exceso que el cometa, el vínculo con su hogar será puesto a prueba, hasta la elección final.

Realizada con un subsidio de la Fundación Antorchas (2002); Festivales Internacionales: Buenos Aires Festival de Independiente (2002); 55 Festivale Internazionale del Film Locarno (2002); Mostra di Cinema Latinoamericana di Trieste (2002); 15èmes Rencontres Cinémas d’Amérique Latine de Toulouse (2003); Festival de Cine Independient de Barcelona (2003); 13º Semana del Cine Experimental de Madrid (2003); 2º Indie Lisboa (2003).



6. Continúa
Pacto de silencio (Argentina, 2005), de Carlos Echeverría
Sábados a las 20:00


En la última película de Carlos Echeverría confluyen dos ejes: uno reconstruye la historia de Erch Priebke, criminal de guerra nazi. El otro analiza el rol de la comunidad alemana en Bariloche, que lo encubrió y lo incorporó a su proyecto político- cultura. Los recuerdos personales del director son el hilo conductor.
Carlos Echeverría: “Traté de comprender la sociedad en la que crecí; una sociedad que no solo le brindó amparo a personas como Priebke y a otros criminales nazis, sino que también les ofreció un lugar preponderante en esa misma sociedad. Los efectos del proyecto que quise desentrañar siguen vigentes. Durante los festejos y recordatorios por los 100 años de la ciudad de Bariloche, celebrados en Mayo de 2002, se obvió mencionar el capítulo traumático de su historia como refugio de nazis y sus lamentables celebridades”.
Un proyecto que incluyó una escuela de la que el propio Priebke fue director hasta su detención. Los alumnos de esa escuela fueron los únicos de la ciudad a los que se les prohibió ver el filme La lista de Schindler. En esa sociedad no se hablaba del holocausto, las SS o los campos de concentración. Había un pacto de silencio.
El documental fue filmado en Alemania, Italia, Chile y Argentina, con testimonios y material jamás divulgado acerca de los nazis que se escondieron en Sudamérica. Como los filmes familiares de Priebke compartiendo un asado al borde del lago Nahuel Huapi. O imágenes escolares en las que el oficial SS entrega los diplomas a los egresados de la escuela.

Ficha técnica
Pacto de silencio (Argentina, 2005). Dirección y guión: Carlos Echeverría / Fotografía: Ramiro Civita y Carlos Echeverría / Música: Leandro Drago / Asistente de Dirección: Inés Gómez / Sonido: Cristian Reyes, Nerina Valido y Fernanda Álvarez / Montaje: Carlos Echeverría / Producción: Carlos Echeverría / Producida por Maitén Cine con apoyo del INCAA / Elenco: Edgardo Mesa, Carolina Petrone, Pedro Echeverría, Marcos Woinski / Duración: 134’.

Biofilmografía
Carlos Echeverría concurrió a la Escuela de Cine y Televisión de Munich, Alemania. Participó en la realización de películas documentales para la HFF; trabajo como realizador en co-producción con las televisoras alemanas ZDF, BR y WDR. Fue corresponsal en la Argentina de Spiegel TV- de la editorial Der Spiegel, de Hamburgo R.F.A., así como también de Canal 9 en Bariloche. Realizó varios informes para el programa Edición Plus que se emitió por Telefé. Entre sus largometrajes como guionista y director se destacan Cuarentena (1983), que tiene como protagonista a Osvaldo Bayer durante su exilio en Berlín; Juan, como si nada hubiera sucedido (1987), que investiga el caso de Juan Herman, el único desaparecido de Bariloche durante la dictadura militar, y Los chicos y la calle (2001), que realiza un seguimiento de varios niños que viven en las calles porteñas y que concurren a un centro de día estatal.




7. Continúa
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Sábados y domingos a las 18:30


Rodada en escenarios naturales de la cordillera y editada al ritmo de la música original del maestro humahuaqueño Ricardo Vilca, vuelve a presentarse en Malba esta película que muestra las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya, Salta.
El documental cruza dos historias: la inmigración europea de principios del siglo XX y la desculturización de las naciones Kolla – Aymará en la región de Iruya, provincia de Salta. La visión del film, dirigido por Ulises de la Orden, surge de la mirada del protagonista, descendiente de aquellos inmigrantes; y el punto de vista de los actuales descendientes de los Kollas en Iruya. Este conflicto entre las dos culturas refleja una problemática humana, donde se pone en juego la tolerancia, el egoísmo y la libertad.
Un viaje en tren, a dedo, a pie y en lomo de burro desde la ciudad hasta lo más profundo de los Andes. Un viaje interior del director del film, que explora, desde su historia familiar -con un antepasado que explotó un ingenio azucarero- las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya.


Ficha técnica
Río arriba (Argentina, 2004). Director: Ulises de la Orden / Guión: Paz Encina, Germán Cantore, Miguel Perez y Ulises de la Orden / Productores: INCAA, Universidad del Cine, Polo Sur Cine / Producción ejecutiva: Ulises de la Orden, Juan de la Orden y Kato Lajos / Director de fotografía: Lucio Bonelli / Montaje: Germán Cantore / Estructura: Miguel Perez / Música: Ricardo Vilca / Sonido: Mark Dickinson, Rufino Basavilbaso / Formato de proyección: Beta Cam / DV Cam / Duración: 72’.


Premios en festivales internacionales
- VI Festival Nacional de Cine Documental - Premio del público a la Mejor película y Premio del jurado al Mejor documental regional
- II Festival de Cine y video Latinoamericano de Buenos Aires - Premio al Mejor documental
- Festival de Toronto, Canadá “Planet in Focus” - Mención del jurado


Biofilmografía
Ulises de la Orden (Buenos Aires, 1970) es Licenciado en Cinematografía por la Universidad del Cine. Entre sus trabajos se destacan Río arriba, documental. Guionista, productor y director (2002 – 2004); Khankxa, guión para largometraje de ficción. Guionista (2004); En el silencio, documental. Guionista (2003), y en preproducción, Orillas en el tiempo, documentales para TV. Guionista y director (2001).



8. Continúa
Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005), de Tetsuo Lumière
Viernes 8, 15 y 29 a las 20:00

Sinopsis
El joven Lumi nace en un pueblo donde no existe el cine. Aún así se enamora de las películas a través de la televisión. Su obra favorita es una de marcianos destruyendo la Tierra: La Guerra de los Mundos. Impactado decide que de grande hará un film de platillos voladores que atacan la ciudad de Buenos Aires.
En su adolescencia se muda a la ciudad. Vive en la calle, en casas tomadas, haciendo películas muy baratas con actores encontrados por ahí, esperando ser rico y famoso para hacer su película de platillos voladores.
Durante un rodaje sufre un desmayo. En el hospital le informan que tiene un tumor cerebral y le quedan pocos meses de vida. Lumi no se desanima: utilizará sus últimos meses para hacer su gran película, sea como sea.


“Tetsuo Lumiére –ex Rubens Miserikordia, ex Ruben$ Lumiére– es uno de esos casos cuya existencia desafía, a la vez que amplía, la idea y la posibilidad de un cine independiente. A comienzos de los noventa, armado de cámaras y videocaseteras VHS prestadas, unas cuantas ideas y una amplia cultura televisivo-cinematográfica –la misma que acaso poseemos todos, pero llevada al extremo en clave artística, creativa– TL comenzó a desarrollar una filmografía de reducidísimo paso y amplios alcances (el cortometraje Luna de miel, de 1995, por ejemplo, le valió un premio en un festival de Japón).
TL-1: Mi reino por un platillo volador condensa de manera retrospectiva parte de esa experiencia, que se juega entre el slapstick de dos bobinas, las viejas cintas Gaumont, los extraterrestres de la Guerra Fría, el cine de terror, la comedia romántica, el humor negro, las películas de artes marciales, la estética dark y el absurdo. Y lo hace en clave autobiográfica, pero no respondiendo a los hechos, sino a las pasiones y a la imaginación, convirtiéndose menos en una ficción sobre tiempos pasados que en un alocado paseo genealógico por el interior de su cabeza.
La narración de la vida de TL hilvana historias como El enajenado social (1992), en la que la rutina de un oficinista acaba por desintegrarlo; Ama de casa (1994) y otros trabajos breves –que alguna vez formaron un compilado llamado Oh!– construidos siguiendo el estilo de los gags sennetianos; Amor infiel (1994), donde una pareja comete un pasional suicidio utilizando broches para la ropa en la nariz; la citada Luna de miel, en la que un joven matrimonio desencadena una epidemia planetaria de hombres (y mujeres)-lobo; la inconclusa El convento, en donde una rebeldísima novicia y una mucama dieciochesca persiguen a un amante (el mismo TL), quien es más inocente de lo que cree; y, finalmente, Visit from Outer Space (1995): en ella los espectadores asistirán a una batalla aérea interplanetaria entre tazas de café, que como corresponde disparan medialunas de manteca, y aviones de papel que contestan la agresión con misiles-bolígrafo.
Aunque es difícil asegurarlo, es posible que existan otras películas técnicamente tan precarias como las de TL. Varios realizadores como él han logrado, por prepotencia de trabajo, un cine en el que el bajo presupuesto acaba convirtiéndose en un rasgo de estilo. Más allá de su condición material, caracteriza al trabajo de TL –que con este largometraje alcanza su “mayoría de edad”– un plus de humor y de creatividad que lo hace único.


Máximo Eseverri


"Un falso documental, falso biopic, basado en hechos estrictamente reales... combina las comedia de Chaplin y Buster Keaton con una ciencia ficción clase Z un poco a la Ed Wood."
Diario Página/12

“Flamante y gracioso largo del director independiente Tetsuo Lumière, a cargo del papel protagónico...Nace una estrella." Diario La Nación



“Lumière posee el don de transformar en ideas brillantes la falta de recursos económicos… maneja un estilo sumamente lúdico y visual.” Agencia Télam

"Un nostálgico y a la vez actual homenaje al cine, atravesado por oportunas dosis de humor absurdo y estética de film de los años '20." Zona Freak


Ficha técnica
Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005). Dirección, guión y producción: Tetsuo Lumière / Productores Asociados: Victoria Edison, Paul Meli, Sergio Palma / Fotografía: Sergio Nemirovsky. Montaje: Tetsuo Lumière / Elenco: Tetsuo Lumière, Florencia Smayenka, Olga Nani, Anna Carina, Jorgelna Aruzzi, Natalia Kim, Claudia Schijman, Anna Carina, Ana María Castel / Formato: Video digital. Color - Blanco y Negro / Duración: 111’.


Biofilmografía
Tetsuo Lumière comenzó a filmar sus primeros cortometrajes en 1995, luego de participar en numerosas obras teatrales del circuito alternativo, como actor, escritor y director. Siempre experimentó con el humor de las comedias físicas de los años 20. Sus películas obtuvieron varios premios en Argentina, su país de origen. Entre ellos, se destacan los de la Bienal de Video Humorístico y los de la muestra anual de la Sociedad de Videastas Independientes Argentinos. Mi Reino por un platillo volador es su primer largometraje.




9. La cosa y Cinecolor presentan
¡Bichos!
Jueves 14 y 21 a las 20:00. Viernes 15 y 22 a las 24:00.


En el cine de ciencia ficción es común la aparición de monstruos gigantes que surgen de pronto para destruir el mundo civilizado. Una variante frecuente de este tipo de cine es la del animalito inofensivo que, misteriosamente, alcanza proporciones amenazantes. Los cuatro films de este mes se inscriben esta línea, protagonizados –respectivamente- por hormigas, langostas, escorpiones y gusanos.


El mundo en peligro (Them!, EUA-1954) de Gordon Douglas, c/James Whitmore, Edmund Gwenn, John Weldon, James Arness, Leonard Nimoy. 94’.
La aparición de varias hormigas gigantes en el desierto provoca un estado de alerta general. La dinámica puesta en escena de Douglas, que aborda el tema con la misma voluntad de verosimilitud de un documental, es el principal mérito de este clásico de la ciencia-ficción. Hace décadas que no se lo ve en fílmico en Argentina. Se exhibirá en copia nueva, adquirida en el extranjero por el coleccionista Fabio Manes.

La invasión de las langostas asesinas (The Beginning of the End, EUA-1957) de Bert I. Gordon, c/Peggie Castle, Peter Graves, Morris Ankrum. 73’.
Buena parte de la filmografía de Gordon trata sobre seres que se agrandan o se achican. Claramente inspirado en El mundo en peligro, el cineasta imaginó aquí un Apocalipsis causado por la mutación de langostas, que, como todo el mundo sabe, son una plaga bíblica. Peter Graves, años antes de Misión Imposible, es el responsable de idear un método para evitar el desastre.

El escorpión negro (The Black Scorpion, EUA-1957) de Edward Ludwig, c/Richard Denning, Carlos Rivas, Mara Corday, Mario Navarro. 88’. Doblada al castellano.
Una serie de movimientos sísmicos libera a una familia de escorpiones descomunales, uno de los cuales, enojadísimo, llega hasta la ciudad. Fue uno de los últimos y mejores trabajos del especialista en efectos especiales Willis O’Brien, quien –según se dice- logró el extremo realismo del resultado animando cuadro a cuadro cadáveres de escorpiones verdaderos.

Squirm (EUA, 1976) de Jeff Lieberman, c/Don Scardino, Patricia Pearcy, R. A. Dow, Jean Sullivan, Peter MacLean. 92’.
En este film con gusanos el problema no es tanto el tamaño –aunque son bastante grandes- como la cantidad y el hecho novedoso de que sean carnívoros. Luego de un comienzo de apariencia inofensivo, el film se transforma rápidamente en uno de los más repugnantes del cine de terror de los ’70.



10. Ciclo Petrobras
Tan de repente (Argentina, 2002), de Diego Lerman, basado en el relato La prueba, de César Aira (1992)
Viernes 22 a las 20:00. Entrada libre y gratuita.


“Esta ópera primera, que se estrenó en Argentina después de una muy exitosa carrera internacional, prolonga el curioso universo de un corto en súper 8mm. que el realizador hizo hace cuatro años, con las mismas actrices principales. El corto se llamó La prueba, se basaba en el texto homónimo de César Aira, y ahora aparece reproducido casi textualmente en la primera parte de Tan de repente. El tono de ese cortometraje hacía un recorrido curioso, que se iniciaba en la crudeza y terminaba con la rara poesía de un largo plano de las protagonistas frente al mar. Lo mismo sucede ahora con este largometraje, que se inicia frío y casi despiadado pero termina cálido y esperanzado, aunque llega allí por caminos imprevistos.
Marcia, una vendedora de lencería que se siente sola, es abordada en la calle por dos chicas llamadas Mao y Lenin, que poco antes han robado una motocicleta. Ese primer encuentro es poco sutil: “¿Querés coger?”, le pregunta Mao a Marcia, y a partir de ahí todo lo que sigue está marcado por el signo de lo imprevisible. Las tres emprenden un viaje que, en la lógica de Mao, equivale a una prueba de amor, y el film adopta el aspecto de una road-movie: tras visitar el mar, que Marcia nunca ha visto, las tres consiguen que las lleven primero por la ruta de San Clemente y finalmente recalan en Rosario, donde Lenin dice tener una tía, llamada Blanca.
Lerman concede a su espectador los tiempos necesarios para que imagine lo que puede ocurrir pero luego, de manera sistemática, hace otra cosa. Y lo hace con recursos transparentes: las sorpresas que reserva el desarrollo argumental no traicionan la personalidad de las tres protagonistas, sino que se apoyan en información sobre las mismas que el realizador va proporcionando gradualmente. La personalidad de Mao es la única que se revela de entrada: ella se mueve por impulsos tan repentinos como caprichosos y así se comporta a lo largo de todo el film. En cambio, Lerman se reserva datos biográficos significativos de Marcia y Lenin, y los revela en momentos oportunos, para sostener el interés, mantener la sorpresa y proporcionar una imprevista densidad a esos dos personajes.
Con algunas excepciones notorias, como La ciénaga, el cine argentino no suele conceder tanta importancia a lo no dicho, a lo que permanece fuera de campo. Y lo más interesante del film de Lerman es, precisamente, la pudorosa discreción con que sugiere, por ejemplo, un modelo de transgresión en el personaje de Blanca, una simpatía imprevista entre Marcia y una muchacha pintora, un pasado latente que condiciona de maneras diversas el presente de los personajes, un universo –en fin- que reconoce la existencia de arquetipos pero que se niega a someterse a ellos.”

Fernando Martín Peña


Ficha técnica:
Tan de repente (Argentina, 2003). Dirección: Diego Lerman / Fotografía: Luciano Zito y Diego del Piano. Dirección de arte: Mauro Doporto y Luciana Kohn. Producción: Sebastián Ariel y Nicolás Martínez Zemborain / Sonido: Leandro de Loredo / Elenco: Carla Crespo, Verónica Hassan, Tatiana Saphir, Marcos Ferrante, María Merlino, Beatriz Thibaudin / Duración: 90’.


César Aira (Coronel Pringles, Pcia. de Buenos Aires, 1949) es traductor, novelista, dramaturgo y ensayista. Ha dictado cursos en la Universidad de Buenos Aires (sobre Copi y Rimbaud) y en la Universidad de Rosario (Constructivismo, Mallarmé, etc.). Es uno de los escritores más prolíficos de las letras argentinas, con más de treinta libros publicados. Sus textos han sido traducidos y editados en Francia, Inglaterra, Italia, Brasil, España, México y Venezuela. La novela "Cómo me hice monja", publicada en España en 1998, fue elegida una de los diez mejores publicados en aquel país. También escribió









11 Espacio ADF – Directores de Fotografía argentinos
Racconto (Argentina, 1963), de Ricardo Becher
Domingo 24 a las 16:00.

La historia de Racconto, el encuentro y desencuentro romántico entre una modelo aristocrática y un actor, es narrada de manera complementaria por tres personajes distintos y por ella misma. Esa multiplicidad de puntos de vista enriquece la historia con varias capas sucesivas compuestas por detalles de cotidianeidad y caracterización. El resultado es una estructura similar a la de una telaraña (aunque sin las connotaciones ominosas): en el centrom el lugar más definido y mejor cercado, está Ana, y a su alrededor, los personajes más cercanos a ella, que son los tres narradores. Más afuera quedan los otros, imprecisos pero lo suficientemente presentes como para parecer vivos. No dan la impresión de estar desdibujados, sino de conservar misterios. Un prólogo doblemente engañoso parece puesto ahí para subrayar que, pese a las apariencias, el relato no pretende, no puede ser más que una ficción.


Ficha técnica
Racconto (Argentina, 1963). Dirección: Ricardo Becher / Guión: Dalmiro Sáenz, Ricardo Becher / Montaje: Jorge López Ruiz / Jefa de Producción: José León Aldao / Director de Fotografía y cámara: Alberto Etchebehere / Directora de Arte: Oscar Lagomarisino / Elenco: Jardel Filho, Anita Larronde, Beatriz Mátar, Mario Morandi, Marta Bianchi, Sergio Mulet, Ada Argüello, Susana Villafañe, Rafael Cubas, Carlos Luzietti / Duración: 100’.


12. malba.cortos
Fractales (Argentina, 2005), de Carola Gliksberg
Sábados y domingos a las 18:00

Sinopsis
Un árabe entabla relación con una señora mayor, de nacionalidad alemana. Se conocen en un bar, luego ella lo lleva a su casa y lo presenta a una amiga. El sentimiento de angustia que rodea la relación es mayor al de afecto, determinará un final trágico.


Comentario
Gliksberg toma tres escenas del film La angustia corroe el alma de R. W. Fassbinder para transformarlas en otra cosa. Es una investigación acerca de la apropiación como única posibilidad de creación artística. Todo esto en una puesta en escena que actualiza los métodos del distanciamiento brechtiano.


Ficha técnica
Fractales Guión y dirección: Carola Gliksberg / Producción: Pablo Chernov / Asistente de Producción: Carolina Krasñansky / Asistente de dirección: Pablo Di Luozzo. 2do de dirección: Soledad Soria / Dirección de fotografía: Nicolás Abuaf / Cámara: Ignacio de Andrés / Asistente de cámara: Elena Fernández / Sonido: Diego Chamy. Larva Peruzzotti / Texto y voz: Diego Chamy / Arte: Carola Gliksberg. Dana Elfenbaum, Lucero Margulis / Actores: Guillermo Massé. Maru Susini / Duración: 10´



13. Grilla de programación

Jueves 7
14:00 El ansia perversa, de Fred Zinnemann
16:00 Los que ofenden al sexo, de Franz Schnyder
18:00 malba.cortos: El misterio del pescado saltarín, de Christy Cabanne
John Emerson *
18:30 Marihuana, de Dwain Esper
20:00 Pink Flamingos, de John Waters
22:00 Mondovino, de Jonathan Nossiter **
00:30 Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman

Viernes 8
14:00 Ellos contra el mundo, de Anthony Lanza
16:00 Rebelión en las calles, de Arthur Dreifuss
18:00 malba.cortos: El misterio del pescado saltarín, de Christy Cabanne
John Emerson *
18:30 Fumadores de opio, de Albert Zugsmith
20:00 Mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumiére
22:00 La pesadilla de Darwin, de Hubert Sauper **
00:00 Calígula, de Tino Brass

Sábado 9
14:00 Las vírgenes guerreras, de Just Jaeckin
16:00 Historia de O, de Just Jaeckin
18:00 malba.cortos: Fractales, de Carola Gliksberg *
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría
22:30 Samoa, de Ernesto Bacca
00:00 Porno, de Homero Cirelli

Domingo 10
15:00 The Blues Brothers, de John Landis
18:00 malba.cortos: Fractales, de Carola Gliksberg *
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Samoa, de Ernesto Baca
21:30 La pesadilla de Darwin, de Hubert Sauper **


Jueves 14
16:00 Melody, de Waris Hussein
18:00 malba.cortos: El misterio del pescado saltarín, de Christy Cabanne
John Emerson *
18:30 Yo Cristina F, drogada y prostituida, de Uli Edel
20:30 La invasión de las langostas asesinas, de Bert I. Gordon
22:00 Mondovino, de Jonathan Nossiter **
00:30 El diablo en la señorita Jones, de Gerard Damiano

Viernes 15
14:00 La ley de la calle, de Francis Ford Coppola
20:00 Mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumiére
22:00 La pesadilla de Darwin, de Hubert Sauper **
00:00 El mundo en peligro, de Gordon Douglas

Sábado 16
14:00 Stones en el parque, de Leslie Woodhead + Gira mágica y misteriosa, de The Beatles
16:00 U2: Rattle and Hum, de Phil Joanou
18:00 malba.cortos: Fractales, de Carola Gliksberg *
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría
22:30 Samoa, de Ernesto Bacca
00:00 Porno, de Homero Cirelli

Domingo 17
14:00 Melody, de Waris Hussein
16:00 Yo, Cristina F., drogada y prostituida, de Uli Edel
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Samoa, de Ernesto Baca
21:30 La pesadilla de Darwin, de Hubert Sauper **


Jueves 21
16:00 Stones en el parque, de Leslie Woodhead + Gira mágica y misteriosa , de The Beatles
18:00 malba.cortos: El misterio del pescado saltarín, de Christy Cabanne
John Emerson *
18:30 Fumadores de opio, de Albert Zugsmith
20:00 El escorpión negro, de Edgard Ludwig
22:00 Mondovino, de Jonathan Nossiter **
00:30 Exhibition, de Jean-François Davy

Viernes 22
14:00 Melody, de Waris Hussein
16:00 Los chicos están bien, de Jeff Stein
18:00 malba.cortos: El misterio del pescado saltarín, de Christy Cabanne
John Emerson *
18:30 Submarino amarillo, de George Dunning
20:00 Petrobras: Tan de repente, de Diego Lerman
22:00 La pesadilla de Darwin, de Hubert Sauper **
00:00 Squirm, de Jeff Lieberman

Sábado 23
14:00 Anochecer de un día agitado, de Richard Lester
16:00 Submarino amarillo, de George Dunning
18:00 malba.cortos: Fractales, de Carola Gliksberg *
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría
22:30 Samoa, de Ernesto Bacca
00:00 Porno, de Homero Cirelli

Domingo 24
14:00 Stones en el parque, de Leslie Woodhead + Gira mágica y misteriosa, de The Beatles
16:00 ADF: Racconto, de Ricardo Becher
18:00 malba.cortos: Fractales, de Carola Gliksberg *
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Samoa, de Ernesto Baca
21:30 La pesadilla de Darwin, de Hubert Sauper **


Jueves 28
15:00 The Blues Brothers, de John Landis
18:00 malba.cortos: El misterio del pescado saltarín, de Christy Cabanne
John Emerson *
18:30 Anochecer de un día agitado, de Richard Lester
22:00 Mondovino, de Jonathan Nossiter **
00:30 1991: The Year that Punk Broke, de Dave Markey

Viernes 29
14:00 Fumadores de opio, de Albert Zugsmith
16:00 1991: The Year that Punk Broke, de Dave Markey
18:00 malba.cortos: El misterio del pescado saltarín, de Christy Cabanne
John Emerson *
18:30 Marihuana, de Dwain Esper
20:00 Mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumiére
22:00 La pesadilla de Darwin, de Hubert Sauper **
00:00 Porno mudo + Música en vivo

Sábado 30
14:00 Quadrophenia, de Franc Roddam
16:00 Los chicos están bien, de Jeff Stein
18:00 malba.cortos: Fractales, de Carola Gliksberg *
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría
22:30 Samoa, de Ernesto Bacca
00:00 Porno, de Homero Cirelli

Domingo 1
14:00 La ley de la calle, de Francis Ford Coppola
16:00 Los que ofenden la al sexo, de Franz Schnyder
18:00 malba.cortos: Fractales, de Carola Gliksberg *
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Samoa, de Ernesto Baca
21:30 La pesadilla de Darwin, de Hubert Sauper **


Entrada General: $7.- Estudiantes y jubilados: $3.5
* Entrada libre y gratuita hasta completar la capacidad de la sala.
** Entrada especial: $9.- Estudiantes y jubilados: $4.5












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