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Prensa


malba.cine | Comunicado de prensa
24 de julio de 2006


PROGRAMACIÓN AGOSTO 2006


1. ¡Espías!
Durante todo el mes


2. Estreno internacional I – Continúa
The World (China / Japón / Francia, 2004), de Jai Zangh Ke
Viernes y sábados a las 22:00


3. Estreno internacional II
Mondovino (Francia–EUA-Argentina, 2004), de Jonathan Nossiter
Jueves a las 22:00


4. Film del mes XXII
Samoa (Argentina, 2005), de Ernesto Baca
Viernes a las 00:30 y domingos a las 20:00


5. Estreno
Pacto de silencio (Argentina, 2005), de Carlos Echeverría
Sábados a las 19:30


6. malba.cortos
Entrada libre y gratuita

Cortos de Horacio Coppola
Jueves a domingos a las 18:00
Duración total: 12 minutos. Proyección digital.


7. Continúa
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Sábados a las 18:15 y domingos a las 18:30


8. Continúa
Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005), de Tetsuo Lumière
Sábados a las 00:30


9. Clásico bizarro
The Rocky Horror Picture Show (Inglaterra, 1975), de Jim Sharman
Jueves a las 00:30





10. Presentación del libro
Cine documental y archivo personal. Conversación en Princeton, de Andrés Di Tella. (Siglo XXI)
Viernes 18 de agosto a las 20:00


11. Espacio ADF – Directores de Fotografía argentinos
Arizona Sur (Argentina, 2004), de Daniel Pensa y Miguel Ángel Rocca
Domingo 20 a las 16:00


12. Ciclo Petrobras
La cifra impar (Argentina, 1962), de Manuel Antín, basado en el cuento Cartas de mamá, de Julio Cortázar
Viernes 25 a las 20:20. Entrada libre y gratuita.


13. Grilla de programación




















malba.cine cuenta con el apoyo de Rolling Stone | Petrobrás | Bodega Navarro Correas| I-Sat | Revista Ñ



Las entradas se pueden retirar con anticipación en Malba – Colección Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6500 | F +54 (11) 4808 6598/99 | info@malba.org.ar | www.malba.org.ar


Gracias por su difusión. Contacto de prensa: Elizabeth Imas / Guadalupe Requena. T +54 (11) 4808 6520/6507| F +54 (11) 4808 6599 | eimas@malba.org.ar | grequena@malba.org.ar |*Contamos con imágenes en alta definición.








1. ¡Espías!
Durante todo el mes

Están entre nosotros desde que existen las tensiones políticas en el mundo, pero se pusieron de moda durante la Guerra Fría, casi como una nueva especie de insecto, capaz de aparecer en todas partes y disfrazarse de cualquier cosa. Para el cine, el acto de ver sin ser visto no sólo constituye su misma razón de ser sino que además, en términos narrativos, implica siempre una alta dosis de suspenso, y este factor ha sido siempre mucho más importante que la política.
En agosto, malba.cine ofrece un amplio catálogo de gente que espía, ya sea por oficio (como los agentes secretos) o por deporte (como los voyeurs). En muchos casos, ambas funciones se confunden y en algunos, incluso, debe hablarse de patología.
Como es habitual, todos los títulos se verán en fílmico y una gran mayoría está ausente desde hace décadas de todos los ciclos de revisión.


1- Pioneros del espionaje
Espías de diversas guerras y conflictos, a veces históricos y otras veces imaginarios.

Lobos de Kultur (Wolves of Kultur, EUA-1918) de Joseph Golden, c/Leah Baird, Charles Hutchinson, Sheldon Lewis, Karl Dane, Betty Howe. Un episodio. 40’.
La bella Alice jura vengar la muerte de su tío, asesinado por “Hartmann y Zaremba”, dos espías extranjeros pertenecientes a la misteriosa organización “Lobos de Kultur”. El motivo del crimen es apoderarse de su más reciente invención, un torpedo teledirigido. Excelente ejemplo de los primeros seriales de aventuras del cine, donde las acciones de espionaje tenían poco que ver con la geopolítica y mucho con la necesidad de poner en escena toda clase de persecuciones.

Manos arriba (Hands Up!, EUA-1926) de Clarence Badger, c/Raymond Griffith, Marian Nixon, Virginia Lee Corbin, Mack Swain. 60’ aprox.
Durante la guerra civil norteamericana, un espía sureño debe ingresar a territorios del Norte para capturar un cargamento de oro. Verdadero genio de la comedia sofisticada, Raymond Griffith fue uno de los grandes humoristas del período mudo, pero casi toda su obra se ha perdido. Manos arriba fue su film más popular y uno de los pocos suyos que pueden verse en la actualidad.

Hotel Imperial (Ídem., EUA-1927) de Mauritz Stiller, c/Pola Negri, James Hall, George Siegmann, Max Davidson, Michael Vavitch. 70’.
En Austria ocupada por el ejército ruso, durante la primera guerra mundial, un oficial austríaco trata de llegar a sus líneas pero queda atrapado en un hotel, bajo una identidad falsa. Allí descubre una operación de espionaje que decide desactivar, arriesgándose a ser descubierto. Rara oportunidad de ver la única –y magistral- película que existe del breve paso por Hollywood del cineasta sueco Mauritz Stiller, descubridor de Geta Garbo.

Fatalidad (Dishonored, EUA-1931) de Josef von Sternberg, c/Marlene Dietrich, Victor McLaglen, Lew Cody, Warner Oland, Barry Norton. 91’.
El contexto histórico es el mismo de Hotel Imperial: Austria vs. Rusia durante la primera guerra mundial. Dietrich interpreta a la bella espía X27, libremente basada en Mata Hari. El actor argentino Barry Norton tuvo aquí uno de los papeles más destacados de su carrera, interpretando al joven oficial que se niega a fusilar a Marlene.

Sabotaje (Sabotaje, Gran Bretaña-1936) de Alfred Hitchcock, c/Sylvia Sydney, Oscar Homolka, John Loder, Desmond Tester. 76’.
El señor Verloc finge ser el honrado propietario de un cine de barrio, pero en realidad es agente de una espantosa red de terroristas extranjeros. Dos de las escenas más célebres del cine de Hitchcock están en este film: la del niño que se pasea por Londres sin saber que lleva una bomba, y la confrontación final entre Sylvia Sydney y Oscar Homolka.

Miguel Strogoff (The Soldier and the Lady, EUA-1937) de George Nicholls, Jr., c/Anton Walbrook, Elizabeth Allan, Margot Grahame, Akim Tamiroff. 85’.
Esta versión norteamericana de la novela de Julio Verne sobre el correo secreto del zar es, a su vez, un film-espía: sus notables escenas de acción proceden de una versión inmediatamente anterior, dirigida en Francia por el alemán Richard Eichberg. El protagonista de ambas fue el actor austríaco Antón Walbrook, que en realidad se llamaba Adolf pero decidió cambiar su nombre en repudio a Adolf Hitler.

La dama desaparece (The Lady Vanishes, Gran Bretaña-1938) de Alfred Hitchcock, c/Margaret Lockwood, Michael Redgrave, Paul Lukas, May Whitty. 97’.
La acción transcurre a bordo de un tren que atraviesa un país imaginario de Europa del Este. Las circunstancias de su intriga son bastante imprecisas, como corresponde a todo McGuffin hitchcockiano, y refieren a una compleja operación de espionaje desbaratada por casualidad. Importa mucho más el misterio central de la trama, la relación entre los protagonistas Lockwood y Redgrave y, sobre todo, el humor. Como dice el personaje de May Whitty, “No se puede juzgar a un país por su política exterior. Fíjese en los británicos, por ejemplo, que personalmente somos buena gente”.

Nubes sobre Europa (Q Planes, Gran Bretaña-1939) de Tim Whelan, c/Laurence Olivier, Ralph Richardson, Valerie Hobson. 78’. Doblada al castellano.
Es muy curioso este pequeño film inglés de espionaje, entre otras cosas porque anticipa de varias maneras la serie de TV Los vengadores. Aquí, como en el planteo original de esa serie, un espía del servicio secreto británico actúa valiéndose de hábiles civiles que tienen algún motivo personal para querer hacer justicia. El espía es Ralph Richardson y es dueño de un aplomo a toda prueba, verdadero paradigma de todo "lo británico". En el afán de desentrañar una funambulesca historia de aviones desaparecidos, Richardson convoca para investigar a su lado a Laurence Olivier, un aviador cuyos mejores amigos han desaparecido piloteando las naves perdidas y que por eso ansía descubrir la causa del misterio.

Nace la libertad (Argentina, 1949) de Julio Saraceni, c/Francisco De Paula, Orestes Caviglia, Pedro Maratea, Vicente Padula, Florén Delbene. 100’.
Por órdenes de Manuel Belgrano, el oficial Francisco de Paula se transforma en espía y se infiltra entre los realistas. Poco vista película histórica, realizada con dinamismo por Saraceni y con una notable banda sonora de Alberto Ginastera.

La nueva posada del dragón (Xin long men ke zhan, Hong Kong / Taiwán-1992) de Raymond Lee, Ching Siu-tung y Tsui Hark, c/Tony Leung, Brigitte Lin, Maggie Cheung, Donnie Yen. 88’.
Remake de un clásico de artes marciales que King Hu dirigió en 1966. Esta nueva versión respeta el argumento básico de la original pero se destaca por el ritmo vertiginoso que Tsui Hark suele imprimir a sus producciones. En la China medieval, dos grupos políticos antagónicos, representados por sus respectivos agentes secretos, coinciden en la posada del título y se enfrentan hasta un final impredecible y memorable. Las divas Maggie Cheung y Brigitte Lin agregan una bienvenida dosis de erotismo, ausente de la versión original.


2- El espionaje en la segunda guerra mundial
El mayor conflicto bélico del siglo XX fue el contexto ideal para todo tipo de intrigas de espionaje, incluso en el cine argentino. El cine de propaganda norteamericano tuvo también diversos ejemplos, la mayoría de los cuales son muy difíciles de ver en la actualidad porque los arquetipos políticos y raciales de ese entonces los han vuelto extremadamente incorrectos.

Explosivo 008 (Argentina, 1940) de James Bauer, c/Vicente Padula, María Antinea, Juan Sarcione, Joaquín Petrosino, Lea Conti, María de la Fuente. 68’.
Una intriga de espionaje y un enredo pasional se desenvuelven alrededor de la revolucionaria invención de un arma secreta. Los ecos de la guerra mundial resuenan en este film de clase B, que se consideraba perdido hasta que fue restaurado en 2004 en forma conjunta por APROCINAIN y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Mensaje siniestro (The Gorilla Man, EUA-1942) de D. Ross Lederman, c/John Loder, Ruth Ford, Marian may, Richard Fraser, Creighton Hale. 64’.
Un oficial herido va a parar a un hospital que está repleto de espías nazis. Fue de las primeras películas de espionaje que se atrevió a producir en cine norteamericano, apenas Estados Unidos ingresó en el conflicto.

Corresponsal en Berlín (Berlin Correspondant, EUA-1942) de Eugene Forde, c/Virginia Gilmore, Dana Andrews, Mona Maris, Martin Kosleck. 70’.
El periodista Dana Andrews consigue sortear la censura informativa alemana gracias a un confidente secreto, hasta que le envían una bella espía para ablandarlo. La bella actriz argentina Mona Maris interpreta a una malísima dama nazi.

Comandos del Oeste (Cowboy Commandos, EUA-1943) de S. Roy Luby, c/Ray “Crash” Corrigan, Dennis Moore, Max Terhune, Evelyn Finley, John Merton. 55’.
Los villanos quieren sabotear la producción de un mineral denominado “magnesita” y los Range Busters (Ray “Crash” Corrigan, Max Terhune, Dennis Moore) son llamados para investigar. Lo que descubren es sorprendente: los villanos son espías nazis, que se reúnen en un cuarto secreto ubicado atrás del saloon, lleno de svásticas y retratos de Hitler. En el film a nadie le preocupa el anacronismo, sin embargo, porque es evidente que durante la guerra todos tenían que hacer su parte. Incluso los héroes del western.

48 horas de terror (Went the Day Well?, Gran Bretaña-1943) de Alberto Cavalcanti, c/Leslie Banks, B. Sydney, Marie Lohr, Valerie Taylor. 92’.
Clásico ejemplo de política-ficción, imaginado en plena guerra: los nazis desembarcan en Gran Bretaña y toman secretamente un pueblito, que piensan utilizar como base para la inminente invasión nazi. El brasileño Cavalcanti había sido uno de los colaboradores más importantes del documentalista John Grierson en la década del ’30.

El fin de la noche (Argentina, 1944) de Alberto de Zavalía, c/Libertad Lamarque, Alberto Bello, Juan José Míguez, Florence Marly, Ernesto Raquén, René Mugica. 94’.
Para obtener un salvoconducto que le permitirá regresar a su país con su pequeño hijo, Libertad Lamarque acepta de mala gana ser espía para los nazis en la Francia ocupada. Por su posición pro-aliada, la película quedó prohibida durante un año.

Sangre sobre el sol (Blood on the Sun, EUA-1945) de Frank Lloyd, c/James Cagney, Sylvia Sydney, Wallace Ford, Rosemary DeCamp, Robert Armstrong. 98’. Doblada al castellano.
La acción transcurre en Japón, cuando la guerra mundial es inminente. El valiente periodista James Cagney recibe un documento secreto por el que las autoridades niponas están dispuestas a todo, y monta un complejo plan para escapar del país hacia el mundo libre.

Camino de Tokio (First Yank into Tokio, EUA-1945) de Gordon Douglas, c/Tom Neal, Barbara Hale, Marc Cramer, Richard Loo, Keye Luke, Benson Fong. 82’. Doblada al castellano.
Un norteamericano es operado para parecer oriental y enviado a Japón para liberar a un prisionero de guerra. Fue una de las películas de propaganda bélica más racistas del período y también una de las primeras en utilizar el bombardeo atómico sobre Hiroshima y Nagasaki como un dato central en la trama.

Regreso a Bataan (Back to Bataan, EUA-1945) de Edward Dmytryk, c/John Wayne, Anthony Quinn, Beulah Bondi, Richard Loo, Fely Franquelli, Vladimir Sokoloff. 95’.
John Wayne y Anthony Quinn quedan a cargo de la resistencia en las Filipinas hasta que McArthur cumpla su promesa y vuelva. En el éxito de sus misiones resulta crucial la intervención de una espía, infiltrada entre los oficiales japoneses.

13 Rue Madeleine (Ídem., EUA-1946) de Henry Hathaway, c/James Cagney, Annabella, Richard Conte, Frank Latimore, Walter Abel, Melville Cooper. 95’.
La dirección del título alude al cuartel general de la Gestapo en París. Allí va a parar el agente secreto James Cagney, para desarticular un complejo juego de espionaje que se ha vuelto insostenible y puede significar la caída de toda la resistencia francesa. Se inscribió en la serie de films de tono extremadamente realista hechos bajo la supervisión del productor Louis de Rochemont.

Tuyo es mi corazón (Notorious, EUA-1946) de Alfred Hitchcock, c/Cary Grant, Ingrid Bergman, Claude Rains, Louis Calhern, Reinhold Schunzel. 101’. Doblada al castellano.
La hija de un espía nazi, persuadida por el servicio secreto norteamericano, seduce a un colega de su padre para desmantelar, a través suyo, una célula nazi todavía activa en Sudamérica. Antes de que los rusos se volvieran los villanos favoritos durante la guerra fría, los nazis siguieron siendo la principal amenaza del cine. Hitchcock logró algunas de las mejores escenas de toda su obra en este film.

A capa y espada (Cloak and Dagger, EUA-1946) de Fritz Lang, c/Gary Cooper, Lilli Palmer, Robert Alda, Vladimir Sokoloff, J. Edward Bromberg. 106’.
A pedido del gobierno, el científico Gary Cooper debe convertirse en espía para sacar de Alemania a un colega, cuyos conocimientos pueden hacer que los nazis desarrollen la bomba atómica. Clásico film de espionaje, modelo de la posterior sátira Súper secreto (1984).

Decisión al amanecer (Decision Before Dawn, EUA-1951) de Anatole Litvak, c/Richard Basehart, Gary Merrill, Oskar Werner, O. E. Hasse, Hildegarde Neff, Klaus Kinski. 119’.
Un prisionero de Guerra alemán es enviado de regreso a su país, acompañado por un oficial norteamericano, para cumplir una riesgosa misión de espionaje. Basada en hechos reales y filmada enteramente en locaciones, es una de las mejores –y menos vistas- películas de espionaje de todos los tiempos, en buena medida gracias al trabajo de Oskar Werner y a la tensa dirección de Litvak.

Cinco dedos (5 Fingers, EUA-1952) de Joseph L. Mankiewicz, c/James Mason, Danielle Darrieux, Michael Rennie, Walter Hampden. 105’.
El episodio fue real: un empleado de la embajada británica en Estambul vendió toda clase de secretos militares a los nazis, a lo largo de varios años. Sin embargo, éstos decidieron no creerle, convencidos de que se trataba de una estrategia aliada para desinformarlos. Mankiewicz no sólo maneja con su habitual maestría las caracterizaciones de los personajes y las sutilezas políticas de la intriga, sino también el suspenso de la situación central.

El Almirante Canaris (Canaris, Alemania-1954) de Alfred Weidenmann, c/O. E. Hasse, Franz Essel, Ilse Furstenberg, Otto Graf, Nora Hagist, Wolfgang Preiss. 108’.
Rigurosa biografía del jefe de los servicios de inteligencia de Hitler (y participante del frustrado atentado contra su vida). Interpretado de manera antológica por O. E. Hasse, el Almirante Canaris se debate entre el servicio a su país y la conciencia de que Hitler y su entorno lo conducen a una segura aniquilación.

El zorro en París (Der Fuchs von Paris, Alemania-1957) de Paul May, c/Hardy Kruger, Marianne Koch, Martin Held, Martín Held, Michel Auclair, Paul Hartmann. 98’.
Un oficial alemán desilusionado busca acercarse a la resistencia francesa y comienza a funcionar como doble agente. Excelente y poco visto film de espionaje, ambientado en la Francia ocupada por el nazismo.

Furia en las montañas (The Angry Hills, EUA / Gran Bretaña-1959) de Robert Aldrich, c/Robert Mitchum, Stanley Baker, Elisabeth Mueller, Gia Scala. 105’.
Mitchum es un periodista transformado involuntariamente en espía por la resistencia griega. Como el villano, Stanley Baker interpreta uno de los personajes más complejos y convincentes de toda su carrera. Es uno de los films menos vistos y más extraños de la obra de Robert Aldrich.


3- El apogeo del espionaje: La guerra fría
Desde que se bajó la llamada Cortina de Hierro y hasta el período conocido como glasnot o perestroika, una verdadera industria del espionaje acompañó la carrera armamentista de Estados Unidos y la Unión Soviética.

Canje en la noche (Night People, EUA-1954) de Nunnally Jonson, c/Gregory Peck, Broderick Crawford, Anita Björk, Rita Gam, Walter Abel. 93’.
La acción transcurre en Alemania Occidental. Un oficial norteamericano debe lidiar con varias crisis simultáneas a partir de que los comunistas secuestran a un soldado con el propósito de canjearlo por dos nazis ocultos. Esta ópera prima del excelente guionista Nunnally Johnson, filmada en locaciones europeas, es un clásico del cine de la guerra fría.

Los mil ojos del Dr. Mabuse (Die tausend Augen des Dr. Mabuse, Alemania-1961) de Fritz Lang, c/Gert Frobe, Dawn Addams, Peter Van Eyck, Wolfgang Preiss. 103’. Doblada al castellano.
El último film de Lang retomó al personaje del Dr. Mabuse, creado por el novelista Norbert Jacques y llevado al cine por Lang en 1922 y en 1933. A la trama de espionaje llevada a cabo por ese supervillano, Lang agregó una fuerte zona voyeur en la que el hecho de espiar no es una actividad exclusiva de los criminales.

Dos tipos audaces (The Persuaders, Gran Bretaña-1971/72) de Roy Ward Baker y Leslie Norman, c/Tony Curtis y Roger Moore. 100’.
El espionaje era el tema preferido de esta recordada serie de aventuras, que se apoyaba principalmente en el carisma de dos sus dos protagonistas. Se exhibirán dos episodios, el segundo de los cuales es una descarada parodia de las situaciones típicas del cine de la guerra fría.

¿Quién? (Who?, Gran Bretaña-1973) de Jack Gold, c/Elliott Gould, Trevor Howard, Joseph Bova, Ed Grover, James Noble. 93’.
Poco vista y original película de espionaje, basada en una novela de Algis Budrys. Un importante científico norteamericano tiene un accidente en algún lugar de Europa del Este y es salvado por los médicos del servicio de espionaje ruso, que deben transformarlo en un cyborg para mantenerlo con vida. Cuando intenta volver a los Estados Unidos, el agente especial Elliott Gould debe verificar que no se trate de un espía. Gold narra de manera paralela el padecimiento del protagonista a manos de los comunistas que procuran lavarle el cerebro, y de los norteamericanos que lo someten a torturas similares porque no saben cómo verificar su identidad.

El espía más peligroso del mundo (Hopscotch, EUA-1980) de Ronald Neame, c/Walter Matthau, Glenda Jackson, Sam Waterston, Ned Beatty, Herbert Lom. 104’.
Un agente de la CIA caído en desgracia escapa a Europa y amenaza publicar sus memorias por lo que tanto sus jefes como la KGB deciden matarlo. Hacían falta los demócratas en el poder para que la CIA pudiera ser puesta abiertamente en ridículo en films como éste. Con Reagan en la presidencia, desde 1981, eso ya no sucedió.

Secreto de alto riesgo (The Whistle Blower, Gran Bretaña-1986) de Simon Langton, c/Michael Caine, James Fox, Nigel Havers, John Gielgud. 100’.
Un ex miembro del servicio de inteligencia británico se ve personalmente involucrado en una intriga plagada de agentes dobles, secretos de Estado y conspiraciones que no proceden de donde deberían. Por su particular historia política, en particular durante la guerra fría, Gran Bretaña tiene una larga tradición en el género de espionaje, en cuya zona más paranoide se ubica este film.

La casa Rusia (The Russia House, EUA-1990) de Fred Schepisi, c/Sean Connery, Michelle Pfeiffer, Roy Scheider, James Fox, Klaus Maria Brandauer. 123’.
La CIA se interesa en saber si un manuscrito enviado a un editor inglés (Connery) por un legendario espía soviético (Brandauer) es real o ficticio. Fue la primera película norteamericana filmada en Rusia, se la considera la última de la guerra fría y resultó ser además una de las mejores adaptaciones de John Le Carré, que hizo un arte propio del relato de espionaje. En un elenco perfecto destaca la excéntrica participación del director Ken Russell.


4- Espías del más allá
El particular universo del cine fantástico y la ciencia-ficción también tuvo sus formas específicas de espionaje. Algunos ejemplos:

El cielo es el límite (The Sky’s the Limit, EUA-1925) de Harry Fraser y I. W. Irving, c/Bruce Gordon, Charlotte Pierce, Jack Giddings, Melbourne MacDowell. 50’.
Enamorado de una mujer fatal, un joven entrega importante información que permite a un grupo de malhechores asaltar sistemáticamente al correo aéreo norteamericano. Todas las características del viejo serial de aventuras están en este film, incluyendo despreciables villanos (en este caso, un sordomudo violador), perros inteligentes que salvan a sus dueños, muchachas que se arriesgan innecesariamente e insólitos dispositivos de ciencia ficción.

El crimen de Oribe (Argentina, 1950) de Leopoldo Torres Ríos y Leopoldo Torre Nilsson, c/Carlos Thomson, Roberto Escalada, Raúl de Lange, María Concepción César. 87’.
Por espiar un ritual misterioso que transcurre periódicamente en una casa, un hombre provoca involuntariamente una muerte en este curioso thriller metafísico, basado en la novela corta El perjurio de la nieve, de Adolfo Bioy Casares.

Furia (The Fury, EUA-1980) de Brian de Palma, c/Kirk Douglas, John Cassavetes, Carrie Snodgress, Amy Irving, Charles Durning. 118’.
Por medio de poderes telekinéticos que posee pero no controla, una muchacha sostiene una conexión telepática con un joven secuestrado por un oscuro agente del gobierno. Este estilizado thriller fantástico es uno de los pocos films en que De Palma deja tranquilo a Hitchcock y se dedica a desarrollar lo mejor de su propio estilo narrativo.

Omicron (Ídem., Italia-1964) de Ugo Gregoretti, c/Renato Salvatori, Rosemary Dexter, Ida Sarasini, Gaetano Quartaro. 89’.
Un ente extraterrestre llamado Omicron se apodera del cuerpo de un obrero automotriz y, a través suyo, investiga las curiosas costumbres terrícolas para facilitar una futura invasión. Descubre pronto que ya existe en la Tierra una clase que domina a otra, y que basta apoderarse de esa minoría para controlar a todos. Brillante comedia de ciencia ficción marxista, estrenada en Argentina con el equívoco título “La fogosa criatura del planeta Ultra”.

Espía a la vista (Berlino – Appuntamento per le espie, Italia-1965) de Vittorio Sala, c/Brett Halsey, Dana Andrews, Pier Angeli, Gastone Moschin. 88’. Doblada al castellano.
Un espía recibe un implante novedoso para hacer mejor su trabajo: una cámara de TV microscópica en uno de sus ojos. El concepto fue retomado después, con otras intenciones narrativas, por Bertrand Tavernier en La muerte en directo (1980).

1984 (Ídem., Gran Bretaña-1984) de Michael Radford, c/John Hurt, Richard Burton, Susana Hamilton, Cyril Cusack, Gregor Fisher. 113’.
Todo el mundo es espiado en esta brillante adaptación cinematográfica de la clásica novela de George Orwell, a partir de la cual términos como “Gran Hermano” han pasado a ser de uso cotidiano y palabras como “Orwelliano” se utilizan con frecuencia para referir una pesadilla totalitaria.


5-Los espías y el crimen
Como es público y notorio, también se espía por motivos que no son políticos. Esta sección compila espías de toda laya, desde los que descubren una infidelidad hasta los que se vuelven espías como expresión de patologías espantosas.

Infamia (These Three, EUA-1936) de William Wyler, c/Miriam Hopkins, Merle Oberon, Joel McCrea, Catherine Doucet, Alma Kruger, Bonita Granville. 93’. Doblada al castellano.
Un escándalo se desata a causa de una niña perversa que se regocija en divulgar chismes terribles. En obra original de Lillian Hellman, el chisme terrible era la relación lésbica entre las protagonistas, algo imposible de representar en el Hollywood de la década del ’30. Wyler resolvió el problema con un triángulo heterosexual convencional y ajustó cuentas tres décadas más tarde, cuando hizo una versión más fiel de la obra con Shirley MacLaine y Audrey Hepburn.

El deseo (Argentina, 1944) de Carlos Schlieper, c/Aída Luz, Roberto Airaldi, Santiago Gómez Cou, Elsa O’Connor, Pilar Gómez. 88’.
Un ama de llaves descubre la indiscreción de una esposa y la utiliza para chantajearla. El punto de vista decididamente feminista del relato, las actuaciones de Luz, Gómez Cou y O’Connor y el estilo visual de Schlieper, hacen de este sofisticado melodrama un film imprescindible.

Morir en su ley (Argentina, 1949) de Manuel Romero, c/Tita Merello, Juan José Míguez, Roberto Escalada, Fanny Navarro, Severo Fernández. 88’.
Típica situación de policial: un detective se hace pasar por delincuente para infiltrarse en la banda del temible “Pibe” Amalfi, enamorando a su amante Tita Merello. De manera típicamente romeriana, la policía se comporta aquí de manera mucho menos ética que los criminales, paradoja que subvierte los términos aparentemente pro-institucionales del film.

La ventana (The Window, EUA-1949) de Ted Tetzlaff, c/Bobby Driscoll, Barbara Hale, Arthur Kennedy, Paul Stewart, Ruth Roman. 73’. Doblada al castellano.
Memorable film noir a partir de un relato de Cornell Woolrich, similar al que inspiró La ventana indiscreta unos años después. En esta ocasión es un niño el testigo involuntario de un crimen y nadie parece creerle salvo, para su desgracia, los criminales. Fue la mejor película de la breve carrera como realizador del eminente director de fotografía Tetzlaff.

El ojo salvaje (The Savage Eye, EUA-1958) de Ben Maddow, Sydney Meyers y Joseph Strick, c/Barbara Baxley, Herschel Bernardi y la voz de Gary Merrill. 67’.
En su momento a poca gente le cayó bien este film inclasificable y adelantado a su tiempo, que utiliza un tenue hilo ficcional para formular un comentario inapelable sobre la alineación urbana. Su materia prima es una catarata de imágenes robadas a la realidad por cámaras ocultas (es decir, espías) a lo largo de dos años, por un equipo de fotógrafos eminentes (Haskell Wexler entre ellos). Como escribió el crítico George Fenin, el film no sólo muestra una realidad que por lo general se mantiene invisible, sino también “a toda una masa humana flotante, vulgar, desesperada. Este es un documental social y una hazaña de gran importancia”. Se verá en copia nueva, gestionada por APROCINAIN.

Sed de mal (Touch of Evil, EUA-1958) de Orson Welles, c/Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Marlene Dietrich, Akim Tamiroff. 111’.
Las oscuras maniobras de un policía corrupto son descubiertas grabando en secreto una conversación con su mano derecha, en esta obra maestra maldita de Welles. Se exhibirá en versión reconstruida a partir de los apuntes de Welles, con asesoría del crítico Jonathan Rosenbaum.

Psicosis (Psycho, EUA-1960) de Alfred Hitchcock, c/Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martín Balsam. 109’.
Una muchacha comete un robo y luego se arrepiente pero ya es demasiado tarde, porque para entonces el destino la ha llevado a pasar la noche en el Motel Bates, donde es fatalmente espiada por Norman Bates. Aunque a esta altura su trama ya no sea una sorpresa para nadie, en términos formales este film se mantiene tan impactante como en el momento de su estreno. Su éxito no sólo fue la base del cine de terror moderno, sino que además inspiró toda clase de imitaciones, varias secuelas y hasta una remake (dirigida por Gus Van Zandt en 1998) que, lejos de opacarla, la revalorizó.

El cuarto cerrado (The Shuttered Room, Gran Bretaña-1967) de David Greene, c/Gig Young, Carol Lynley, Oliver Reed, Flora Robson. 99’.
La idea de alguien que observa subrepticiamente está presente de varias maneras en este perturbador film, nominalmente basado en Lovecraft, pero mucho más cerca de Derleth. Además de utilizar sabiamente a Carol Lynley en ropa interior, Greene incrementa la sugestión natural del relato utilizando excelentes locaciones y uno de los mejores trabajos de Oliver Reed, actor que sabía componer personajes desagradables.

Testigo fatal (Blue Steel, EUA-1990) de Kathryn Bigelow, c/Jamie Lee Curtis, Ron Silver, Clancy Brown, Elizabeth Peña. 102’.
Con el estilo visual característico que la convirtió en una de las cineastas más interesantes de los ’90, Bigelow narra de manera paralela las andanzas de un psycho-killer (Silver) y del principal objeto de sus obsesiones, una bella agente de policía (Curtis). El resultado es, por partes iguales, un atípico policial, una sofisticada fantasía voyeur, y un estilizado ejercicio de género que subvierte todo arquetipo.

El cuervo (Le corbeau, Francia-1943) de Henri-Georges Clouzot, c/Pierre Fresnay, Ginette Leclerc, Micheline Francey. 92’.
Una serie de cartas de procedencia misteriosa, con revelaciones imposibles de comprobar, provoca una ola de paranoia en un pequeño pueblo, dominado por la hipocresía. Producida para una empresa alemana durante la ocupación, la película fue señalada como una obra colaboracionista después de la guerra, cuando en realidad es más justo interpretarla como todo lo contrario.

Cartas venenosas (The 13th. Letter, EUA-1951) de Otto Preminger, c/Linda Darnell, Charles Boyer, Michael Rennie, Constance Smith. 85’.
Esta remake de El cuervo es uno de los films menos vistos de Peminger, seguramente opacado por la fama del original. Merece revisarse, sin embargo, por la ambigüedad moral que el realizador extrae del tema, por su manejo del suspenso y hasta por la extraña, contemporánea belleza de la actriz irlandesa Constance Smith.


La Cosa y Cinecolor presentan:
Del pulp al pop
Surgidos en la literatura popular, los agentes secretos se convirtieron en superhéroes y no tardaron en trasladar esas características al cine. La década del ’60 fue el gran momento de este tipo particular de espías, que a su vez sirvieron para reírse de los espías más reales –y peligrosos- de los años inmediatamente previos.

Espías (Spione, Alemania-1928) de Fritz Lang, c/Rudolf Klein-Rogge, Gerda Maurus, Willy Fritsch, Lupu Pick, Fritz Rasp. Versión condensada en 60’.
Fue el primer film en presentar como protagonista a un agente secreto, su contrapartida femenina y un archivillano, modelo imitado luego el hartazgo, en particular por la serie de James Bond. También es uno de los films menos vistos del período mudo de Fritz Lang.

El FBI en Europa (Comment qu’elle est!, Francia-1960) de Bernard Borderie, c/Eddie Constantine, André Luguet, Françoise Brion, Françoise Prévost. 91’.
El agente secreto Lemmy Caution, creado por el autor inglés Peter Cheyney, se había hecho popular en el cine francés desde 1953, mucho antes de que Godard tomara su carácter de ícono pop y lo usara para protagonizar Alphaville. El actor y crooner norteamericano Eddie Constantine se hizo célebre interpretando a Lemmy Caution desde sus comienzos, y siguió haciéndolo hasta poco antes de su muerte en 1993, tanto en el cine como en TV. El propio Godard retomó el personaje en Allemagne 90 neu zéro (1991).

El satánico Dr. No (Dr. No, Gran Bretaña-1962) de Terence Young, c/Sean Connery, Ursula Andress, Joseph Wiseman, Jack Lord, Bernard Lee, Lois Maxwell. 110’.
Primera aparición cinematográfica del espía creado por Ian Fleming, tras encontrar a su intérprete ideal en el actor escocés Sean Connery. Muchos elementos de este film han pasado a la cultura popular, como el tiro inicial de personaje a cámara, el tema musical de Monty Norman o la imagen de Ursula Andress emergiendo de las aguas con bikini blanco y puñal en la cintura.

El agente de CIPOL (The Man from UNCLE, EUA-1964 / 68)
El asunto de la voz de su amo (Her Master’s Voice Affair, EUA-1966) de Barry Shear, c/Robert Vaughn, David McCallum, Leo G. Carroll, Victoria Young, Catherine Ferrar, Estelle Winwood. 50’. Doblada al castellano.

El asunto de la toga y el birrete (The Cape and Gow Affair, EUA-1967) de George Waggner, c/Robert Vaughn, David McCallum, Leo G Carroll, Melanie Alexander, Zalman King, Henry Jones. 50’. Doblada al castellano.
Las primeras respuestas paródicas al éxito de James Bond aparecieron en la TV. La más exitosa de todas ellas (después de Maxwell Smart) fue El agente de CIPOL, que, con ayuda de su compañero ruso Ilya Kuryakin, combatía a las fuerzas del mal encarnadas en los emisarios de la organización criminal THRUSH. Los episodios que se exhibirán fueron el primero y el último de la tercera temporada de la serie.

Alphaville (Francia, 1965) de Jean-Luc Godard, c/Eddie Constantine, Anna Karina, Akim Tamiroff. 99’.
El agente secreto Lemmy Caution llega a la extraña ciudad de Alphaville para combatir la ausencia de emoción. Godard tomó un personaje de la ficción popular, ya consagrado en el cine por el actor Eddie Constantine, y lo confrontó con una perturbadora visión sobre el futuro, en la que se alternan la ciencia ficción, la sátira política, el poder de la poesía y un ballet de nadadoras asesinas.

Flint: Peligro supremo (Our Man Flint, EUA-1966) de Daniel Mann, c/James Coburn, Lee J. Cobb, Gina Golan, Edward Mulhare, Benson Fong. 107’.
Primera de dos películas protagonizadas por James Coburn como el agente secreto Derek Flint, una de las pocas parodias de James Bond que tuvieron éxito. Una organización de criminales protohippies amenazan destruir el mundo a través del control climático, para crear una nueva civilización utópica de paz y armonía. Flint es convocado para que el mundo se quede como está.

¿Qué pasa Tiger Lily? (What’s Up Tiger Lily?, EUA-1966) de Woody Allen, c/Tatsuya Mihashi, Miya Hana, Eiko Wakabayashi, Tadeo Nakamura. 80’.
La ópera prima de Woody Allen es en realidad un film de espionaje japonés, que Allen reeditó y dobló al inglés. El resultado es un verdadero ejercicio de humor surrealista, en el que el héroe japonés se llama Phil Moskowitz y el secreto que motiva la intriga es la receta de una ensalada de huevo.

El magnífico (Le magnifique, Francia-1973) de Philippe de Broca, c/Jean-Paul Belmondo,
Jacqueline Bisset, Vittorio Caprioli, Monique Tarbes. 95’. Doblada al castellano.
Belmondo y De Broca hicieron juntos varios films que combinan con eficacia el humor y las aventuras. La clave del éxito de estos films se encuentra sin duda en el gusto de ambos por el cine de aventuras de los ’20 y los ’30 y en una divertida autoconsciencia. La culminación de ese estilo fue El magnífico, donde director y estrella desmantelaron el universo de los superespías.

Nunca digas nunca jamás (Never Say Never Again, EUA-1983) de Irvin Kershner, c/Sean Connery, Kim Basinger, Klaus Maria Brandauer, Max von Sydow, Barbara Carrera. 137’.
Un supervillano (Brandauer) roba dos misiles nucleares y amenaza con arrojarlos sobre sendas ciudades si no se le paga una suma multimillonaria. Básicamente, es una remake de Operación Trueno (1965) aunque tiene mucho más humor autoconsciente que la versión original. Fue la última y más divertida aparición de Connery como James Bond.








2. Estreno internacional I
The World (China / Japón / Francia, 2004), de Jai Zangh Ke
Viernes y sábados a las 22:00
Precio especial: $9.- / Estudiantes y jubilados: $4,5

Jia Zhang-ke es el gran narrador del cine chino. Y The World evidencia que la notable coherencia de su filmografía se asienta en este vaivén entre las historias singulares y las grandes panorámicas. La primera y la tercera, Xiao Wu y Unknown Pleasures, se ocuparon de la supervivencia en las calles de hoy. De manera complementaria, Platform y The World se proponen como cortes históricos o miradas más abarcativas. En The World el centro se articula en torno de Tao, que se dedica a cantar en el Beijing World Park –de aquí uno de los sentidos que reviste el título del film-, y de su novio Tai-Sheng, que se ocupa de la seguridad del parque temático. Pero los amores empiezan a distanciarse cuando otros personajes también ejercen su poder de seducción. En esta película el director vuelve a la modalidad narrativa de los grupos y a la multiplicidad de pequeños relatos o historias que derivan en otras historias que ya había probado en Platform, y propone una película sobre los problemas de la contemporaneidad, con la que ironiza con esos monumentos famosos –casi excluyentemente occidentales-, ridiculizados en su formato de miniatura. Si su cine parecía siempre a punto de mutar, en The World esa presunción se confirma, con un esplendor visual fascinante al que contribuyen sus múltiples recursos visuales –animación, imágenes de síntesis- que forman parte de una mirada que reflexiona más de lo que parece sobre el destino de China como sociedad de consumo y como promesa de potencial rival de Estados Unidos. Jia Zhang-ke no está de acuerdo.


Ficha técnica
The World (Shijie, China/Japón/Francia-2004) Dirección: Jai Zangh Ke. Dirección de fotografía: Nelson Yu Lik-wai. Montaje: Jing Lei Kong. Producción: Shozo Ichiyama, Chow Keung. Música original: Giong Lim. Sonido: Yang Zhang. Elenco: Tao Zhao, Taisheng Chen, Jue Jing, Zhong-wei Jiang, Yi-qun Wang. Duración: 140’.


3. Estreno internacional II
Mondovino (Francia–EUA-Argentina, 2004), de Jonathan Nossiter
Jueves a las 22:00
Precio especial: $9.- / Estudiantes y jubilados: $4,5

Desde la selva brasileña hasta las callejuelas de Brooklyn, desde los Pirineos hasta los aristocráticos palacios florentinos... ricos y pobres, nativos y emigrantes siempre compartieron un mismo sueño: el de convertir, como por arte de magia, la uva en vino.
Mondovino es un documental en el que el norteamericano Jonathan Nossiter nos ofrece un recorrido por la historia del vino a lo largo de tres continentes.
La película retrata el enfrentamiento entre las grandes empresas de Francia, Italia y Argentina, y los pequeños viñedos de cada país, construyendo un diálogo entre los fascinantes personajes del mundo del vino.
Asistimos a los pleitos de sucesión que dividen a las familias, desde los magnates Mondavis de Napa, California, hasta las tres generaciones de los Montille en Borgoña, quienes libran una cruel batalla por defender las pocas hectáreas de tierra de sus ancestros.
Vemos las prácticas de diferentes corporaciones por convertir el vino en dinero antes que respetarlo como producto tradicional, como fruto de la tierra: la lucha entre los viticultores amantes de su labor, frente a las macroempresas que persiguen objetivos menos románticos y que están acabando con la autenticidad, la creatividad y la diversidad de los vinos.
Así, filmando el mundo del vino desde su vertiente de negocio familiar, generacional e industrial, y reflejando todos los procesos de producción, distribución y consumo de este producto universal y milenario, Nossiter termina elaborando un profundo discurso anti globalización.
Mondovino reúne de esta forma sus dos pasiones, el cine y el vino, en un filme que ha causado un terremoto en el mercado vitivinícola mundial. Rodado en locaciones de EEUU, Argentina, Brasil, Francia e Italia durante cuatro años con sólo una cámara portátil y un equipo de no mas de tres personas, la película es un alegato contra la globalización y homogeneización del vino y de la destrucción del "terroir", un término francés que se traduce como "terruño" pero que para Nossiter tiene significados mas amplios, que abarcan, por ejemplo, a la identidad cultural.

Ficha técnica
Mondovino (Francia-EUA-Argentina, 2004) Dirección: Jonathan Nossiter / Producción: Jonathan Nossiter, Emmanuel Giraud, Catherine Hannoun / Co-Producción: Ricardo Preve / Dirección de fotografía: Jonathan Nossiter / Edición: Jonathan Nossiter / Sonido: Nostradine Benguezzou / Asistente de dirección: Laurent Gorse / Asistente de cámara y co-operador: Stephane Pómez Duración:136’. Una producción de Goatwork Films y Films De La Croisade .

Biofilmografía
Jonathan Nossiter (Washington, 1961) es hijo de Bernard Nossiter, un conocido corresponsal de The New York Times. Criado en Francia, Gran Bretaña, Italia y Grecia, aprendió cinco idiomas y estudió pintura en la Ecole des Beaux Arts de París y cinematografía en la Universidad de Dartmouth. Sus inicios cinematográficos fueron como asistente del director Adrian Lyne en Atracción Fatal (1987). En el año 1990 realizó su primer filme, el documental Resident Alien. Por su segunda película, Sunday (1997), ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance, y en el año 2000 dirigió a Charlotte Rampling en Signs and Wonders.
Su amor por el vino lo llevó a diplomarse también como sommelier. En este sentido, su carrera como director de cine ha sido interrumpida durante varios años debido a su trabajo en varios de los mejores restaurantes de Nueva York, experiencia que lo puso en contacto con los más importantes especialistas vinícolas.


4. Film del mes XXII
Samoa (Argentina, 2005), de Ernesto Baca
Viernes a las 00:30 y domingos a las 20:00

Samoa no propone una situación concreta, personajes ni diálogos. No hay en Samoa una historia en el sentido tradicional, la intención de imponer al espectador una interpretación mas o menos determinada de su sentido.
Samoa tiene su origen en una serie de imágenes fugaces, instantáneas de la realidad capturadas a lo largo de un solitario recorrido por distintos rincones de la Argentina. Sobre ese registro de lo inmediato, el director intervino de forma artesanal dibujando y pintando a mano formas abstractas sobre el negativo, sumergiéndolo en tinturas, quemándolo con ácidos e imprimiendo en él por contacto directo los objetos mas diversos. La organización poética de las imágenes, sus texturas únicas, combinadas con la sugestiva música devocional hindú hacen de Samoa una experiencia hipnótica, espiritual, de una originalidad absolutamente inusual en nuestro cine.


Ficha técnica
Samoa (Argentina, 2005). Guión y Dirección: Ernesto Baca / Producción General: Lorena Baibiene / Cámara y Fotografía: Ernesto Baca. Montaje: Pablo Ester, Ho. Sonido: Carolina Sandoval, Gaspar Scheuer / Música: Rasikananda Das, Marcelo Ismael Rodríguez. Voz Devocional: Mathura Hari Das / Productores asociados: Compañía General del la Imagen SRL, Anthony Niccole, Pablo Dellamea. Elenco: Gadea Quintana, Laura Amor, Graciana Urbani, María Isabel Chiapetti, Ricardo Holcer. Duración: 70’. Formato: 35mm. ByN + Color.


Biofilmografía
Ernesto Baca (Argentina, 1969) terminó en 1996 sus estudios de realización cinematográfica en el Instituto de investigación y Experimentación en Video y Cine (CIEVYC), los cuales complementó con estudios de Mitología en el Centro Cultural General San Martín y de Fotografía con Carlos Villareal. Samoa es su segundo largometraje.


Los domingos a las 21:20 también se proyectará Cabeza de palo (Argentina, 2002), ópera prima del director.

Cabeza de palo (Argentina, 2002), de Ernesto Baca
El es chofer de colectivo. Todos los días transporta pasajeros por las periferias de la ciudad. Vive con su mujer y su pequeña hija en un barrio pobre de los suburbios. La relación entre ellos es superficial, se tratan casi como extraños. Su trabajo entra en contacto con una serie de exóticos personajes en los márgenes de la ley, un ámbito hasta el momento ajeno a él, que lo atrapa con fuerza. Con cada exceso que el cometa, el vínculo con su hogar será puesto a prueba, hasta la elección final.

Realizada con un subsidio de la Fundación Antorchas (2002); Festivales Internacionales: Buenos Aires Festival de Independiente (2002); 55 Festivale Internazionale del Film Locarno (2002); Mostra di Cinema Latinoamericana di Trieste (2002); 15èmes Rencontres Cinémas d’Amérique Latine de Toulouse (2003); Festival de Cine Independient de Barcelona (2003); 13º Semana del Cine Experimental de Madrid (2003); 2º Indie Lisboa (2003).



5. Estreno
Pacto de silencio (Argentina, 2005), de Carlos Echeverría
Sábados a las 19:30

En la última película de Carlos Echeverría confluyen dos ejes: uno reconstruye la historia de Erch Priebke, criminal de guerra nazi. El otro analiza el rol de la comunidad alemana en Bariloche, que lo encubrió y lo incorporó a su proyecto político- cultura. Los recuerdos personales del director son el hilo conductor.
Carlos Echeverría: “Traté de comprender la sociedad en la que crecí; una sociedad que no solo le brindó amparo a personas como Priebke y a otros criminales nazis, sino que también les ofreció un lugar preponderante en esa misma sociedad. Los efectos del proyecto que quise desentrañar siguen vigentes. Durante los festejos y recordatorios por los 100 años de la ciudad de Bariloche, celebrados en Mayo de 2002, se obvió mencionar el capítulo traumático de su historia como refugio de nazis y sus lamentables celebridades”.
Un proyecto que incluyó una escuela de la que el propio Priebke fue director hasta su detención. Los alumnos de esa escuela fueron los únicos de la ciudad a los que se les prohibió ver el filme La lista de Schindler. En esa sociedad no se hablaba del holocausto, las SS o los campos de concentración. Había un pacto de silencio.
El documental fue filmado en Alemania, Italia, Chile y Argentina, con testimonios y material jamás divulgado acerca de los nazis que se escondieron en Sudamérica. Como los filmes familiares de Priebke compartiendo un asado al borde del lago Nahuel Huapi. O imágenes escolares en las que el oficial SS entrega los diplomas a los egresados de la escuela.

Ficha técnica
Pacto de silencio (Argentina, 2005). Dirección y guión: Carlos Echeverría / Fotografía: Ramiro Civita y Carlos Echeverría / Música: Leandro Drago / Asistente de Dirección: Inés Gómez / Sonido: Cristian Reyes, Nerina Valido y Fernanda Álvarez / Montaje: Carlos Echeverría / Producción: Carlos Echeverría / Producida por Maitén Cine con apoyo del INCAA. Elenco: Edgardo Mesa, Carolina Petrone, Pedro Echeverría, Marcos Woinski. Duración: 134’.

Biofilmografía
Carlos Echeverría concurrió a la Escuela de Cine y Televisión de Munich, Alemania. Participó en la realización de películas documentales para la HFF; trabajo como realizador en co-producción con las televisoras alemanas ZDF, BR y WDR. Fue corresponsal en la Argentina de Spiegel TV- de la editorial Der Spiegel, de Hamburgo R.F.A., así como también de Canal 9 en Bariloche. Realizó varios informes para el programa Edición Plus que se emitió por TELEFE. Entre sus largometrajes como guionista y director destacan Cuarentena (1983) que tiene como protagonista a Osvaldo Bayer durante su exilio en Berlín; Juan, como si nada hubiera sucedido (1987), que investiga el caso de Juan Herman, el único desaparecido de Bariloche durante la dictadura militar; Los chicos y la calle (2001) que realiza un seguimiento de varios chicos que viven en las calles porteñas y que concurren a un centro de día estatal.




6. malba.cortos
Entrada libre y gratuita.

Cortos de Horacio Coppola
Jueves a domingos a las 18:00
Duración total: 12’. Proyección digital.

Traum (1933)
Un dique en el Sena (1934)
Así nació el Obelisco (1936)

Acompañando la muestra Horacio Coppola – 100 años, malba.cine exhibe durante todo el mes de agosto tres films de su autoría, realizados en 16mm. entre 1933 y 1936 en Berlín, París y Buenos Aires.
Coppola participó de la fundación del primer cineclub que tuvo Buenos Aires, que inició sus actividades en agosto de 1929 y funcionó con exhibiciones de revisión hasta fines de octubre de 1931. En su último programa se anunciaba que “con esta exhibición, el Cine Club clausura su tercer y último ciclo de revisión del film comercial y orienta definitivamente sus esfuerzos hacia la producción propia”. Armado con una cámara muda de 16mm., Coppola cumplió pronto esa intención.
Filmado en Berlín, Traum (literalmente “sueño”) es un breve trabajo narrativo que parece inspirado en ciertas películas de vanguardia de Hans Richter (como Fantasmas antes del desayuno, 1928) pero que, por su sentido del humor absurdo y su voluntad de hilvanar un relato de lógica onírica, se relaciona también con las propuestas cinematográficas del dadaísmo y, en menor medida, del surrealismo.
Según Coppola, Un dique en el Sena es “Un ejercicio elemental de cámara y montaje (...) realizado en un día de otoño de 1934. Es un intento por captar la expresión de un determinado lugar, analizando visualmente el aspecto físico de cosas y personas, y presentando las imágenes en la simple sucesión de montaje. (...) En la tercera secuencia aparecen dos hombres: dos clochards que son una especie muy miserable de linyeras. Se observará que se intercambian un sobretodo y un colchón de papel de diario”.
Por último, Así nació el Obelisco pone en relación al monumento en construcción con la ciudad que lo recibe y sus habitantes. “Fue un espectáculo apasionante”, escribió Coppola en 1955. “Los comentarios, también. ¿Por qué un obelisco? Recuerdo una explicación popular: Quieren ocupar el lugar que el pueblo reserva para Irigoyen... Y las historias fructificaron. (...) Después de ver maderas, alambres, arena, hierros, nos encontramos con un paisaje donde vivir emociones, reconocer perspectivas de nuestra ciudad, pedazos de cielo, acaso el río, al fondo. Construimos el obelisco. Luego, reconstruimos la ciudad que lo rodea”.
Hace décadas que estos films de Horacio Coppola no tienen exhibición pública. Hallados en muy mal estado de conservación, los materiales originales fueron restaurados por Fernando Martín Peña y transferidos a formato digital para esta exhibición. Un cuarto cortometraje, filmado en Londres, se halla todavía en proceso de restauración.







7. Continúa
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Sábados a las 18:15 y domingos a las 18:30

Rodada en escenarios naturales de la cordillera y editada al ritmo de la música original del maestro humahuaqueño Ricardo Vilca, vuelve a presentarse en Malba esta película que muestra las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya, Salta.
El documental cruza dos historias: la inmigración europea de principios del siglo XX y la desculturización de las naciones Kolla – Aymará en la región de Iruya, provincia de Salta. La visión del film, dirigido por Ulises de la Orden, surge de la mirada del protagonista, descendiente de aquellos inmigrantes; y el punto de vista de los actuales descendientes de los Kollas en Iruya. Este conflicto entre las dos culturas refleja una problemática humana, donde se pone en juego la tolerancia, el egoísmo y la libertad.
Un viaje en tren, a dedo, a pie y en lomo de burro desde la ciudad hasta lo más profundo de los Andes. Un viaje interior del director del film, que explora, desde su historia familiar -con un antepasado que explotó un ingenio azucarero- las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya.


Ficha técnica
Río arriba (Argentina, 2004). Director: Ulises de la Orden. Guión: Paz Encina, Germán Cantore, Miguel Perez y Ulises de la Orden. Productores: INCAA, Universidad del Cine, Polo Sur Cine. Producción ejecutiva: Ulises de la Orden, Juan de la Orden y Kato Lajos. Director de fotografía: Lucio Bonelli. Montaje: Germán Cantore. Estructura: Miguel Perez. Música: Ricardo Vilca. Sonido: Mark Dickinson, Rufino Basavilbaso. Formato de proyección: Beta Cam / DV Cam. Duración: 72’.


Premios en festivales internacionales
- VI Festival Nacional de Cine Documental - Premio del público a la Mejor película y Premio del jurado al Mejor documental regional
- II Festival de Cine y video Latinoamericano de Buenos Aires - Premio al Mejor documental
- Festival de Toronto, Canadá “Planet in Focus” - Mención del jurado


Biofilmografía
Ulises de la Orden (Buenos Aires, 1970) es Licenciado en Cinematografía por la Universidad del Cine. Trabajos: Río arriba, documental. Guionista, productor y director (2002 – 2004). Con el apoyo del INCAA. 72 min. DV. Khankxa, guión para largometraje de ficción. Guionista (2004). En el silencio, documental. Guionista (2003). En preproducción. Orillas en el tiempo, documentales para TV. Guionista y director (2001).



8. Continúa
Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005), de Tetsuo Lumière
Sábados a las 00:30

Sinopsis
El joven Lumi nace en un pueblo donde no existe el cine. Aún así se enamora de las películas a través de la televisión. Su obra favorita es una de marcianos destruyendo la Tierra: La Guerra de los Mundos. Impactado decide que de grande hará un film de platillos voladores que atacan la ciudad de Buenos Aires.
En su adolescencia se muda a la ciudad. Vive en la calle, en casas tomadas, haciendo películas muy baratas con actores encontrados por ahí, esperando ser rico y famoso para hacer su película de platillos voladores.
Durante un rodaje sufre un desmayo. En el hospital le informan que tiene un tumor cerebral y le quedan pocos meses de vida. Lumi no se desanima: utilizará sus últimos meses para hacer su gran película, sea como sea.


“Tetsuo Lumiére –ex Rubens Miserikordia, ex Ruben$ Lumiére– es uno de esos casos cuya existencia desafía, a la vez que amplía, la idea y la posibilidad de un cine independiente. A comienzos de los noventa, armado de cámaras y videocaseteras VHS prestadas, unas cuantas ideas y una amplia cultura televisivo-cinematográfica –la misma que acaso poseemos todos, pero llevada al extremo en clave artística, creativa– TL comenzó a desarrollar una filmografía de reducidísimo paso y amplios alcances (el cortometraje Luna de miel, de 1995, por ejemplo, le valió un premio en un festival de Japón).
TL-1: Mi reino por un platillo volador condensa de manera retrospectiva parte de esa experiencia, que se juega entre el slapstick de dos bobinas, las viejas cintas Gaumont, los extraterrestres de la Guerra Fría, el cine de terror, la comedia romántica, el humor negro, las películas de artes marciales, la estética dark y el absurdo. Y lo hace en clave autobiográfica, pero no respondiendo a los hechos, sino a las pasiones y a la imaginación, convirtiéndose menos en una ficción sobre tiempos pasados que en un alocado paseo genealógico por el interior de su cabeza.
La narración de la vida de TL hilvana historias como El enajenado social (1992), en la que la rutina de un oficinista acaba por desintegrarlo; Ama de casa (1994) y otros trabajos breves –que alguna vez formaron un compilado llamado Oh!– construidos siguiendo el estilo de los gags sennetianos; Amor infiel (1994), donde una pareja comete un pasional suicidio utilizando broches para la ropa en la nariz; la citada Luna de miel, en la que un joven matrimonio desencadena una epidemia planetaria de hombres (y mujeres)-lobo; la inconclusa El convento, en donde una rebeldísima novicia y una mucama dieciochesca persiguen a un amante (el mismo TL), quien es más inocente de lo que cree; y, finalmente, Visit from Outer Space (1995): en ella los espectadores asistirán a una batalla aérea interplanetaria entre tazas de café, que como corresponde disparan medialunas de manteca, y aviones de papel que contestan la agresión con misiles-bolígrafo.
Aunque es difícil asegurarlo, es posible que existan otras películas técnicamente tan precarias como las de TL. Varios realizadores como él han logrado, por prepotencia de trabajo, un cine en el que el bajo presupuesto acaba convirtiéndose en un rasgo de estilo. Más allá de su condición material, caracteriza al trabajo de TL –que con este largometraje alcanza su “mayoría de edad”– un plus de humor y de creatividad que lo hace único.


Máximo Eseverri


"Un falso documental, falso biopic, basado en hechos estrictamente reales... combina las comedia de Chaplin y Buster Keaton con una ciencia ficción clase Z un poco a la Ed Wood."
Diario Página/12

“Flamante y gracioso largo del director independiente Tetsuo Lumière, a cargo del papel protagónico...Nace una estrella." Diario La Nación



“Lumière posee el don de transformar en ideas brillantes la falta de recursos económicos… maneja un estilo sumamente lúdico y visual.” Agencia Télam

"Un nostálgico y a la vez actual homenaje al cine, atravesado por oportunas dosis de humor absurdo y estética de film de los años '20." Zona Freak


Ficha técnica
Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005). Dirección, guión y producción: Tetsuo Lumière Productores Asociados: Victoria Edison, Paul Meli, Sergio Palma. Fotografía: Sergio Nemirovsky. Montaje: Tetsuo Lumière. Elenco: Tetsuo Lumière, Florencia Smayenka, Olga Nani, Anna Carina, Jorgelna Aruzzi, Natalia Kim, Claudia Schijman, Anna Carina, Ana María Castel. Formato: Video Digital. Color / Blanco y Negro. Duración: 111’.


Biofilmografía
Tetsuo Lumière comenzó a filmar sus primeros cortometrajes en 1995, luego de participar en numerosas obras teatrales del circuito alternativo, como actor, escritor y director. Siempre experimentó con el humor de las comedias físicas de los años 20. Sus películas obtuvieron varios premios en Argentina, su país de origen. Entre ellos, se destacan los de la Bienal de Video Humorístico y los de la muestra anual de la Sociedad de Videastas Independientes Argentinos. Mi Reino por un platillo volador es su primer largometraje.




9. Clásico bizarro
The Rocky Horror Picture Show (Inglaterra, 1975), de Jim Sharman
Jueves a las 00:30

La obra musical de Richard O’Brien, potenciada en el film, tomaba reconocibles lugares comunes del cine de terror para hacer saltar por los aires los arquetípicos de género. Buena parte del éxito de la obra y del film se debieron a la actuación antológica de Tim Curry como el científico bisexual Frank-N-Furter. El tiempo y el público lo transformaron, espontáneamente, en el film de culto más importante de la historia del cine. En Argentina quedó prohibida por la censura y se estrenó sin éxito a fines de los ’80 con el título “Orgía de horror y locura”.


Ficha técnica
The Rocky Horror Picture Show. Dirección: Jim Sharman / Argumento: obra de Richard O’Brien / Guión: Richard O’Brien, Jim Sharman / Fotografía: Peter Suschitzky / Música: Richard O’Brien / Diseño del film: Briam Thomson / Montaje: Graeme Clifford / Elenco: Tim Curry (Dr. Frank-N-Furter), Susan Sarandon (Janet Weiss), Barry Bostwick (Brad Majors), Richard O’Brien (Riff Raff), Jonathan Adams (Dr. Everett Van Scott), Patricia Quinn (Magenta), Nell Campbell (Columbia), Peter Hinwood (Rocky), Meat Loaf (Eddie), Charles Gray (el crominólogo) / Duración: 100’.



10. Presentación del libro
Cine documental y archivo personal. Conversación en Princeton, de Andrés Di Tella. (Siglo XXI).
Edición e introducción de Paul Firbas y Pedro Meira Monteiro
Viernes 18 de agosto a las 20:00


“¡Posiblemente el documental sea la vanguardia del cine contemporáneo. Ocupa en el presente el lugar que en su momento tuvo la nouvelle vague: jóvenes realizadores en todo el mundo, a partir de los nuevos medios técnicos, están renovando la narración cinematográfica. La obra de Andrés Di Tella es un punto de referencia en esa renovación y este libro analiza su trayectoria. Centrada en el work in progress de su último film autobiográfico, esta Conversación en Princeton utililiza a menudo las mismas técnicas del relato que analiza (voces múltiples, memorias interrumpidas, montaje de textos, imágenes olvidadas, consignas). Pero en este documental imaginario el entrevistador es el entrevistado: ese desplazamiento –tan macedoniano– le da a estos diálogos un tono inolvidable, a la vez cáustico y confesional.”
Ricardo Piglia



Andrés Di Tella ha dirigido los documentales Montoneros, una historia, Prohibido, La televisión y yo y Fotografías.

Paul Firbas y Pedro Meira Monteiro son profesores de Literatura Latinoamericana en el Departamento de Español y Portugués de la Universidad de Princeton.


Una edición auspiciada por Department of Spanish and Portuguese Languages and Cultures y Program in Latin American Studies, Princeton University.





11. Espacio ADF – Directores de Fotografía argentinos
Arizona Sur (Argentina, 2004), de Daniel Pensa y Miguel Ángel Rocca
Domingo 20 a las 16:00

Arizona sur esta aventura con elementos fantásticos, transcurre en un pequeño pueblito imaginario llamado Arizona sur, y trata sobre un misterioso personaje, un romántico italiano catalogado por una investigadora como un mito, por sus inexplicables cualidades especiales, con las cuales logra embarazar a mujeres sexagenarias y otras con impedimentos para procrear. Así es como ha sembrado por todo el territorio una legión de hijos fácilmente identificables por una peculiaridad física en común. Es uno de ellos, quien con su hermano tratarán de encontrarlo, pues ha dejado nuevamente embarazada a su madre, y mientras uno desea conocerlo para desentrañar su origen, el otro encolerizado pretende que se haga cargo de la situación.

Ficha técnica
Arizona sur (Argentina, 2004). Dirección: Daniel Pensa y Miguel Angel Rocca / Guión: Alan Pauls, Miguel Rocca, Daniel Pensa y Edgardo González Amer / Montaje: Alberto Ponce / Jefa de Producción: Betina Rodríguez / Director de Fotografía y Cámara: Andrés Mazzón (ADF) / Directora de Arte: Gabriela Chistik / Director de Sonido: Luis Corazza. Elenco: Nazareno Casero, Daniel Freire, Alejandro Awada, Beatriz Thibaudin y Cristina Banegas. Duración: 110’.




12. Ciclo Petrobras
La cifra impar (Argentina, 1962), de Manuel Antín, basado en el cuento Cartas de mamá, de Julio Cortázar
Viernes 25 a las 20:20. Entrada libre y gratuita.


Basado en el relato Cartas de mamá, de Julio Cortázar, esta ópera prima de Antín presenta un estilo notablemente depurado. Las cartas en cuestión perturban el orden que Luis y Laura han construido prolijamente en París. Un hermano muerto regresará de manera freudiana en una de las cartas para apropiarse de los sueños de Laura y convertirse en un fantasma para ambos.

Ficha técnica:
La cifra impar (1962). Dirección: Manuel Antín / Elenco: Lautaro Murúa, María Rosa Gallo, Sergio Renán, Milagros de la Vega. Duración: 85’.


Julio Cortázar (Bruselas, 1914 - París, 1984). De padres argentinos, llegó al país a los cuatro años. Pasó la infancia en Banfield; se graduó como maestro de escuela e inició estudios en la Universidad de Buenos Aires, los que debió abandonar por razones económicas. Trabajó en varios pueblos del interior del país; enseñó en la Universidad de Cuyo y renunció a su cargo por desavenencias con el peronismo. En 1951 se alejó de la Argentina y comenzó a trabajar como traductor independiente de la Unesco, en París, viajando constantemente dentro y fuera de Europa. En 1938 publicó, con el seudónimo de Julio Denis, el libro de sonetos Presencia. En 1949 aparece su obra dramática Los reyes. Apenas dos años después, en 1951, publica Bestiario. Allí surge el Cortázar deslumbrante por su fantasía y su revelación de mundos nuevos que irán enriqueciéndose en su obra futura: los inolvidables tomos de relatos; los libros que desbordan toda categoría genérica (poemas, cuentos, ensayos); las grandes novelas -Los premios (1960), Rayuela (1963), 62/Modelo para armar (1968), Libro de Manuel (1973). El refinamiento literario de Julio Cortázar, sus lecturas casi inabarcables, su incesante fervor por la causa social, hacen de él una figura de deslumbrante riqueza.








13. Grilla de programación

Jueves 3
14:00 Explosivo 008, de James Bauer
16:00 Nubes sobre Europa, de Tim Whelan
18:00 malba.cortos: Cortos Horacio Coppola *
18:30 48 horas de terror, de Alberto Cavalcanti
22:00 Mondovino, de Jonathan Nossiter **
00:30 Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman

Viernes 4
14:00 Miguel Strogoff, de George Nicholls, Jr
18:00 malba.cortos: Cortos Horacio Co