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Prensa

malba.cine / Comunicado de prensa
24 de enero de 2006


PROGRAMACIÓN FEBRERO 2006

1. Clásicos de estreno IX
Obras maestras del cine en copias nuevas
Del jueves 2 al domingo 26


2. Continúa
Triple agente (Francia, 2003), de Eric Rohmer
Viernes a las 20:00


3. Estreno
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Sábados y domingos a las 18:30


4. malba.cortos
Entrada libre y gratuita

Las insoladas (Argentina, 2002) de Gustavo Taretto
Jueves y viernes a las 18:00

El patio (Argentina, 2004) de Milagros Mumenthaler
Sábados y domingos a las 18:00


5. Trasnoches
Animé japonés
Medio siglo de dioses y monstruos
Del jueves 2 al viernes 17 a las 24:00


6. Rescate del mes
Copias nuevas en 35mm. gestionadas por Malba, con el aporte de KODAK y del laboratorio CINECOLOR.

La antorcha (The Torch, México – EUA,1950) de Emilio Fernández
Jueves 9 a las 16:00


7. La Cosa y Cinecolor presentan
Lazos familiares
Cuatro familias disfuncionales
Del jueves 23 al domingo 26


8. Programación día por día


1. Clásicos de estreno IX
Obras maestras del cine en copias nuevas
Del jueves 2 al domingo 26

Desde su creación en 1999, la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual (APROCINAIN) ha llevado a cabo en Argentina la tarea de rescate y restauración cinematográfica más importante de los últimos años. Gracias al trabajo sistemático realizado sobre un acervo de 60.000 latas, abandonadas tras el cierre de los laboratorios Alex, más de cien films importantes de la historia del cine –que ya no existían en fílmico en Argentina– fueron recuperados en copias nuevas. Los negativos originales de cincuenta películas argentinas fueron rescatados y muchos de ellos ya han sido restaurados. Obras esenciales de nuestra cinematografía, como Los inundados, Las aguas bajan turbias, La Quintrala, Nobleza gaucha, Mosaico criollo, La ley que olvidaron, La guerra gaucha, Los jóvenes viejos o Apenas un delincuente, de las que ya no existían copias buenas en ningún formato, pudieron así reencontrarse con el público en las mejores condiciones de imagen y sonido.

Sin otro recurso que el trabajo voluntario de sus miembros, APROCINAIN ha sumado a lo largo de los años una larga lista de colaboradores desinteresados sin los cuales estas tareas no hubieran sido posibles. Entre ellos debe mencionarse en primer lugar a Malba, Kodak, Cinecolor y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, que apoyan la actividad de APROCINAIN desde sus inicios. También han sumado sus esfuerzos prestigiosas entidades como el Museo del Cine “Pablo Ducrós Hicken”, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Cinemateca Uruguaya, I-Sat, la Universidad del Cine, Isabel Sarli, Aries Cinematográfica Argentina y, más recientemente, el BAFICI.

Todo ese trabajo conjunto se realizó con el propósito de conformar el acervo fundacional de la CINAIN, la Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional, un archivo público creado por ley en 1999. Hasta la fecha, sin embargo, la CINAIN no tiene existencia práctica pues la ley que lo creó no ha sido reglamentada por la Secretaría de Cultura de la Nación. Como ya es de dominio público, la Argentina tiene serios problema con su memoria y olvida resolverlos, con lo que sólo consigue agravarlos. El trabajo que APROCINAIN y otras entidades afines realizan no es suficiente. Nuestro cine tiene ya más de cien años de historia y otros tantos de desamparo oficial. Sin recursos específicos para rescatar y preservar lo que ha estado abandonado durante tanto tiempo, es inevitable que a diario se pierdan materiales inapreciables.

Pero rescatar y preservar no es suficiente. El ciclo Clásicos de estreno, que APROCINAIN y Malba realizan exitosamente cada seis meses, ha demostrado que también es imprescindible difundir, devolver al público la experiencia de ver cine en copias nuevas, de apreciar las obras que importan tal como fueron hechas.

Fernando Martín Peña

Clásicos

El héroe del río (Steamboat Bill, Jr., EUA-1928) de Charles Reisner y Buster Keaton, c/Buster Keaton, Tom McGuire, Ernest Torrence, Tom Lewis. Aprox. 80’.
Dos jóvenes se enamoran pese a la rivalidad de sus respectivos padres, que compiten por el transporte a vapor en el río Mississippi. Keaton ya había utilizado un punto de partida similar en La ley de la hospitalidad (1923), pero esta vez decidió culminar su film con un huracán, secuencia que se cuenta entre las más sorprendentes de la historia del cine. Keaton no utilizaba dobles y toda la secuencia estuvo llena de evidentes peligros, pero hubo un gag que resultó especialmente riesgoso: el viento desprende la fachada completa de una casa y la arroja sobre Keaton, que sale ileso porque se encuentra en el sitio exacto que corresponde a una de las ventanas de la fachada.
Pero no todo en el film depende de lo espectacular ya que Keaton se permitió también momentos que destacan su talento como mimo, infinitamente más sutil que el de cualquiera de sus contemporáneos. Véase, por ejemplo, la escena en que procura ayudar a su padre a escapar de la cárcel, y, sobre todo, cuando el padre lo obliga a cambiar de sombrero y lo lleva a una tienda donde le prueban toda clase de modelos diferentes hasta encontrar uno satisfactorio. La escena es un ejemplo magistral de economía expresiva y depende sólo del efecto visual que producen los distintos sombreros sobre el rostro de Keaton, quien expresa su opinión con un ligero movimiento de cejas o con un cambio casi imperceptible en la mirada. El héroe del río fue su último film independiente, ya que después firmó un contrato con la MGM que terminó con su carrera.

Los muelles de Nueva York (Docks of New York, EUA-1928) de Josef von Sternberg, c/George Bancroft, Betty Compson, Olga Baclanova, Clyde Cook. Aprox. 76’.
Toda la historia transcurre en menos de un día y en sólo tres escenarios: un bar portuario, una pensión y los muelles del título. Bill Connolly es fogonero en un barco y tiene una única noche de licencia. Mientras camina por los muelles, una muchacha se arroja al agua. Bill la rescata y poco a poco ambos se sienten atraídos pese a saberse demasiado curtidos por una vida que los ha tratado sin contemplaciones.
Los films mudos de Josef von Sternberg demuestran que su legendaria imaginación visual ya estaba plenamente desarrollada antes de su prolongada asociación con Marlene Dietrich (seis años y siete films), a quien transformó en estrella. Ya en Salvation Hunters (1925) y en Underworld (1927) había aplicado su estilo a la descripción de ambientes y personajes marginales, pero en la concentración dramática de Los muelles de Nueva York, el director encontró la clave para lograr un equilibrio perfecto entre forma y contenido. A la manera del kammerspielfilm alemán, la cámara se desplaza con fluidez total, no sólo para acompañar a sus personajes sino para ponernos en relación con el entorno, jerarquizando diversos elementos de la escenografía y utilizando los espejos de manera magistral. La neblina nocturna es casi un personaje más, que define la atmósfera adecuada para los protagonistas.
Jorge Luis Borges admiró este film y siempre destacó el tono elegido por Sternberg para describir ese ambiente de bajo fondo. Escala en la ciudad (1935), la ópera prima de Alberto de Zavalía, se cuenta entre los muchos films que evidencian su enorme influencia posterior. Pese a tratarse de una de las grandes obras maestras del cine norteamericano, hace décadas que no puede verse en fílmico en Argentina. Se exhibirá en copia nueva adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.


Cine + Música en vivo
Las exhibiciones de El héroe del río y Los muelles de Nueva York serán acompañadas con música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, coordinada por Fernando Kabusacki.


I pugni in tasca (Italia, 1965) de Marco Bellocchio, c/Lou Castel, Paola Pitagora, Mariano Masé, Liliana Gerace, Stefania Trogio. 105’.
Augusto quiere ser feliz y está por casarse, pero tiene un problema: su familia. Su madre es ciega y exige constantes cuidados; su hermano es epiléptico; su hermana también y además le profesa una adoración incestuosa. El aislado entorno donde todos viven, una antigua villa en decadencia, en las afueras de la ciudad, sólo contribuye a aumentar el clima desequilibrado y opresivo en el que Augusto se debate cada día. Hasta que se le ocurre una solución.
Si Antonioni y Fellini habían abordado ya en sus películas el tema de la decadencia de la burguesía italiana, Bellocchio decidió ir más lejos y mostrarla en avanzado estado de putrefacción. I pugni in tasca (literalmente: “Los puños en los bolsillos”) fue su primer largometraje y se mantiene como una obra de tremenda violencia emotiva. Bellocchio logra una intensidad análoga a la del buen cine de horror, recurso pertinente ya que todos sus protagonistas poseen o adquieren características que se vuelven monstruosas en el entorno que comparten. Aunque se lo conoce mal, el film fue una de las mejores óperas primas de la década, y además anticipó temas y preocupaciones de una filmografía que, aunque con altibajos, no se apartó de la denuncia sociopolítica formulada siempre desde las conductas íntimas de sus personajes.
Se exhibirá en copia nueva, gestionada por Malba, con apoyo de Kodak y Cinecolor, a partir de un negativo recuperado por APROCINAIN.

Masculino, femenino (Masculin, fémenin: 15 faits précis, Francia-1966) de Jean-Luc Godard, c/Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya, Marlène Jobert, Michel Debord, Birger Malmsten, Brigitte Bardot. 103’.
Aparentemente, el punto de partida fueron dos relatos de Maupassant, pero en el film terminado esa referencia quedó sólo como una anécdota. Está compuesto por quince secuencias, algunas filmadas en planos únicos, alrededor de un joven marxista (Léaud, a esa altura un ícono de la nouvelle vague) que busca trabajo y se relaciona con una muchacha (Goya). La frase más citada del film es “Somos los hijos de Marx y la Coca Cola” y la misma parece haber inspirado a Godard más que Maupassant porque todas las secuencias pueden pensarse como variaciones de esa dicotomía.
Más que cualquier otro film de Godard hasta esa fecha, Masculino, femenino tira por la borda todo lastre del relato lineal y ensaya un sistema nuevo, que funciona por acumulación. Un largo plano secuencia, digno de las películas de Andy Warhol, consiste en una entrevista a una chica que, en el espectro citado, se encuentra del lado de la Coca Cola. “¿Qué opinión tiene sobre la guerra?” “¿Cuál guerra?”, responde. La relación de esa escena con el resto del film es tangencial y arbitraria, pero lo mismo sucede con muchas otras, incluyendo la aparición episódica de Brigitte Bardot leyendo en un bar. De algún modo, con la ayuda de su sentido del humor y de las bienvenidas irrupciones de su romanticismo, Godard logra que el conjunto represente, mejor que mucho cine convencional, las preocupaciones de una generación.
En Argentina no había buena copia en fílmico de este film. La que se exhibe fue adquirida en el exterior por la Filmoteca Buenos Aires.

Río Bravo (Ídem., EUA-1959) de Howard Hawks, c/John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson, Walter Brennan, Ward Bond. 141’.
Un sheriff, un borracho, un chico y un viejo rengo se atrincheran en la comisaría del pueblo para evitar que un grupo de malhechores libere a un criminal. La trama es una tenue excusa para describir con todo detalle los distintos lazos afectivos que se establecen entre esos personajes: el sheriff cuida a su amigo borracho como si fuera su hermano mayor; el viejo rengo se ocupa de ambos y a la vez exige atención como si fuera un abuelo; el chico ha visto a su jefe morir asesinado por los villanos y no necesita mucho más para incorporarse voluntariamente a esta improvisada familia. Mientras en la taberna los villanos interpretan melodías ominosas, en la comisaría los cuatro héroes cantan country & western, con alegría y tranquilidad. Todos son profesionales que harán lo que deba hacerse y, ante esa realidad, el criminal preso y las melodías ominosas tienen poca importancia. Lo único que importa, lo único verdadero, es la amistad que los vuelve fuertes. Después, si hay tiempo, también el amor. John Ford inventó el western clásico, pero Hawks lo llevó a la modernidad.
Parece que al director le gustaba su Rio Bravo, porque volvió a hacerla, con pocas variantes, otras dos veces en El Dorado (1968) y Rio Lobo (1970), que fue su último film. John Carpenter la disfrazó de policial urbano en Asalto al precinto 13 (1976) y más de una vez firmó como John T. Chance, que es el nombre del personaje de John Wayne en Rio Bravo. Pese a tratarse de una de las grandes obras maestras del cine norteamericano, hace décadas que no puede verse en fílmico en Argentina. Se exhibirá en copia nueva adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.

Orfeo negro (Orfeu negro, Francia / Brasil-1959) de Marcel Camus, c/Breno Mello, Marpessa Dawn, Lourdes de Oliveira, Léa Garcia. 107’.
La historia de Orfeo y Eurídice fue trasladada por Camus al Brasil contemporáneo en esta fábula musical que llegó a ganar un Oscar por mejor film en idioma extranjero y la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El infierno es el bajo mundo, Orfeo es un joven chofer de tranvía y Eurídice es una muchacha que llega a Río de Janeiro desde el interior del país. No hay duda de que el film es el resultado de la mirada de un extranjero sobre un país que le resulta pintoresco, misterioso y desconocido. Su base fue la obra Orfeu da Conceiçao de Vinicius de Moraes, pero la adaptación fue bastante libre y, entre otras cosas, enfatizó la relación visual con la mitología e introdujo una ceremonia de resurrección espiritual con rituales mágicos. Aunque una parte de la crítica se molestó –y se molesta- por esa perspectiva, lo cierto es que está legitimada por el origen legendario del mito, por la pericia de la realización y por la música de Antonio Carlos Jobim y Luis Bonfa, que dio la vuelta al mundo acompañando el éxito del film. El error, en todo caso, será de quien atribuya una intención testimonial o naturalista a una obra que nunca la tuvo. Es algo así como desestimar El hombre quieto, la obra maestra de John Ford, porque no es un fiel retrato de la vida en Irlanda.
Carlos Diegues realizó una nueva versión de la obra original en 1999 que prescinde de los elementos fantásticos de Orfeo negro y también de buena parte de su encanto. Hace muchos años que este film no puede verse en fílmico en Argentina. Se exhibe en copia nueva, adquirida en Estados Unidos por APROCINAIN.

Plácido (Ídem., España-1961) de Luis García Berlanga, c/Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintillá, Manuel Alexandre, Mario Bustos. 85’.
-Bueno, yo no aguanto más. El que quiera jamón, que me siga.
La gente importante del pueblo ha decidido que esta no será una Navidad como todas. Dado que “Los pobres son nuestros hermanos”, una comisión de notables lleva adelante una campaña para que cada familia pase la Nochebuena con un pobre en su mesa. En 1961 el gobierno español había prohibido Viridiana, de Luis Buñuel, entre cuyos temas se encontraba la denuncia de la hipocresía implícita en la caridad pequeño burguesa. Berlanga y el guionista Rafael Azcona retomaron esa misma premisa y la transformaron en una comedia negra de insólita ferocidad, en la que los notables del pueblo son monstruos grotescos, y los pobres son tratados como si fueran muebles. Como dice un cántico final, “En esta tierra ya no hay caridad / ni nunca la habido, ni nunca la habrá”. De algún modo incomprensible, Azcona y Berlanga no sólo evitaron la censura, sino que lograron un éxito de taquilla y hasta una nominación al Oscar.
El título es engañoso, porque Plácido es sólo un personaje más en la compleja coreografía del film, que involucra varias decenas de roles importantes. Un cartel inicial enfatiza que todos los hechos del film son imaginarios, pero lo único imaginario es la idea del pobre a la mesa. El resto es resultado de la observación precisa de arquetipos y conductas, la compilación minuciosa de frases y gestos cotidianos, perfectamente reconocibles. El peculiar tono humorístico del film surge del contraste entre ese extremo realismo costumbrista y el absurdo de la premisa inicial. Fue la primera colaboración entre Azcona y Berlanga, que pronto reincidieron con otra obra mayor, El verdugo (1963).
Pese a su importancia, no existían buenas copias de este film en Argentina. La que se exhibe fue obtenida a partir de un negativo encontrado por APROCINAIN en la Escuela Nacional de Cine.


El cuchillo bajo el agua (Nóz w wodzie, Polonia-1962) de Roman Polanski, c/Leon Niemczyk, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz. 94’.
Dos en un auto: ella es joven y atractiva y él es algo mayor. Un muchacho aparece de pronto en medio de la ruta y los obliga a frenar. Necesita que lo lleven y ya no sabe que hacer para que los automóviles se detengan. Pese al susto, el hombre decide llevarlo y algo después también lo invita a pasar el fin de semana con ellos, a bordo de un yate. La invitación no es inocente: el hombre parece buscar deliberadamente el juego de perturbaciones que provocará la presencia del muchacho entre él y su bella mujer. Se define así una sensación de incomodidad que primero se transforma en amenaza y finalmente en violencia.
Tres personajes y un barquito es todo lo que necesitó Polanski para hacer una obra maestra en su primer largometraje, luego de anticipar su talento en films cortos como el multipremiado Dos hombres y un ropero (Dwaj ludzie z szafa, 1958). En su momento se dijo que en las tensiones que se producen entre los protagonistas de El cuchillo bajo el agua había alusiones simbólicas a la rígida estructura social del comunismo que entonces gobernaba Polonia. Seguramente las hubo, pero Polanski las puso en escena con tanto rigor que logró la universalidad necesaria para que los años transcurridos y el cambio de aquel contexto no afectaran en lo más mínimo el suspenso del relato y su imprevisible desarrollo.
Se exhibirá en copia nueva, gestionada por Malba, con apoyo de Kodak y Cinecolor, a partir de un negativo recuperado por APROCINAIN.

Cascos de acero (The Steel Helmet, EUA-1950) de Samuel Fuller, c/Gene Evans, Steve Brodie, James Edwards, Robert Hutton, Richard Loo, Sid Melton, William Chun. 84’.
-¿Cómo sé quiénes son surcoreanos y quiénes norcoreanos?
-Es surcoreano si corre a tu lado; es norcoreano si corre detrás tuyo.
Durante la Guerra de Corea, un pequeño grupo de soldados, aislado en un templo budista, debe resistir el avance del ejército enemigo y el sabotaje de un hombre que está tan aislado como ellos. La experiencia bélica aparece representada sin honor, sin heroísmo, y sin hipocresía patriotera: es sólo un contexto brutal al que hay que adaptarse si se quiere sobrevivir. Tampoco hay triunfo ni gloria. A la mayoría le espera una cruz de madera, si es que hay tiempo para hacerla. Los otros, los que vuelvan, ya no serán los mismos.
Esta primera película bélica de Fuller es también una de las primeras que el cine norteamericano hizo sobre Corea, apenas comenzado el conflicto. Fuller utilizó ese contexto porque era coyuntural, pero en realidad depositó en él algunas de sus propias vivencias durante la segunda guerra mundial, recuerdos que lo persiguieron el resto de su vida y a los que regresó cinematográficamente toda vez que pudo. También aprovechó para tocar algunos de sus temas favoritos, como el racismo, y para mencionar algunas cosas que el cine mainstream callaba, como los campos de concentración que se establecieron en Estados Unidos, después de Pearl Harbor, para los ciudadanos de origen japonés.
Se verá en copia nueva en 35mm., gestionada por Malba, a partir de un negativo incompleto recuperado por la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual. Pudo completarse a partir de otra copia facilitada por la Filmoteca Buenos Aires.

Cantando bajo la lluvia (Singin’ in the Rain, EUA-1952) de Gene Kelly y Stanley Donen, c/Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Cyd Charisse, Millard Mitchell. 103’.
Este no es sólo unos de los mejores musicales de la historia del cine, sino también una de las más lúcidas reflexiones que Hollywood hizo sobre sí mismo. La primera parte evoca con humor -y también con bastante rigor histórico- el ambiente en que se hacían las películas mudas. En los personajes de Don Lockwood y Lina Lamont se pueden reconocer elementos característicos y biográficos de varias estrellas de aquel período, así como es correcta la descripción de los problemas técnicos que presentaban los primeros sistemas de sonido. Es de esa misma época la mayor parte de las canciones que se escuchan en el film, incluyendo la del título, y el cuadro musical Beautiful Girl es una fiel recreación de las primeras secuencias musicales diseñadas por el coreógrafo Busby Berkeley, que revolucionaron el género desde 1930.
Ese conjunto se articula sobre un reparto milagroso, en el que cada actor parece consciente de estar haciendo el papel de su vida. Esto es especialmente cierto en los casos de Donald O’Connor, cuya interpretación de Make ‘em Laugh es un clásico en sí mismo, y de Jean Hagen, como la estrella de voz insoportable. Ambos tuvieron extensas carreras en los mejores años de Hollywood, pero nunca volvieron a contar con la oportunidad de lucimiento que les dio Cantando bajo la lluvia.
Por último, debe decirse que el film posee propiedades terapéuticas: es evidente que antes de la existencia del Prozac, la depresión se combatía con películas como ésta. A lo largo de sus 103 minutos, es imposible no sentirse completamente feliz.


Reposiciones

Los siguientes films fueron rescatados por APROCINAIN en ediciones anteriores de Clásicos de Estreno, que se exhibirán nuevamente durante febrero.

Ascensor para el cadalso (Ascenseur pour l’échafaud, Francia-1958) de Louis Malle, c/Jeanne Moreau, Lino Ventura, Maurice Ronet, Georges Poujouly, Yori Bertin, Jean Wall. 88’.
La premisa es característica del film noir: una mujer y su amante planean y ejecutan el asesinato del marido de ella pero el destino interviene de modos imprevistos y lo complica todo. Antes que reflexionar sobre el lenguaje, como hacían sus contemporáneos de la Nouvelle Vague, es evidente que a Malle le interesó lograr suspenso de manera clásica. Como él mismo afirmó después, el film surgió como resultado de su admiración por el estilo de Bresson y su deseo de hacer una película como las de Alfred Hitchcock.

I... como Icaro (I... comme Icare, Francia-1979) de Henri Verneuil, c/Yves Montand, Roger Planchon, Jean Leuvrais, Jacques Denis. 120’.
El Presidente de un país imaginario es muerto de un tiro durante una aparición pública, en un automóvil abierto. La obvia inspiración para este excelente thriller político fue el asesinato de Kennedy: Verneuil profundiza visual y conceptualmente las semejanzas entre el asesinato de Dallas y el que se comete en el film (la puesta en escena del crimen, la inexplicable muerte de varios testigos, la existencia de una película amateur que proporciona nuevas pistas, etc.) e incorpora a la trama los aterradores experimentos de Stanley Milgram sobre la obediencia a la autoridad. El resultado es un film tenso y devastador, realizado muchos años antes de que Oliver Stone reactivara la cuestión con su JFK (1991).

M, el vampiro negro (M, Alemania-1931) de Fritz Lang, c/Peter Lorre, Otto Wernicke, Theodor Loos, Gustaf Gründgens, Fritz Odemar, Georg John. 110’.
El primer film sonoro de Fritz Lang fue también, en opinión de muchos, el mejor de su filmografía. Basado en un personaje real, Lang describe el doble esfuerzo de la policía y del hampa para capturar a un asesino de niños. Unos lo buscan porque se supone que es su deber; los otros porque la mayor actividad policial comienza a interferir con sus propios negocios.

Los amantes (Les amants, Francia-1958) de Louis Malle, c/Jeanne Moreau, Jean-Marc Bory, Judith Magre, José Luis de Villalonga, Alain Cuny. 90’.
La trama de Los amantes es leve en comparación con la de Ascensor para el cadalso, que Malle y Moreau habían hecho inmediatamente antes. En cambio, el estilo resulta mucho más depurado y elegante, en concordancia con el medio social en el que transcurre la acción. El estreno del film estuvo rodeado de cierto escándalo internacional, porque el relato evitaba todas las formas de la hipocresía que eran habituales en el cine de entonces. Como escribió Homero Alsina Thevenet, "Al final del relato, mujer y amante escapaban en automóvil, tras descubrir con alegría que el sexo era más importante que la tradición, que la familia y que la propiedad".

El padre de la novia (Father of the Bride, EUA-1950), de Vincente Minnelli, c/Spencer Tracy, Joan Bennett, Elizabeth Taylor, Don Taylor, Billie Burke. 92’.
Un padre de familia debe resignarse a dejar de ser el hombre importante en la vida de su hija, que está a punto de casarse. Casi toda la trama gira alrededor de esa boda y de los preparativos necesarios para llevarla a cabo, que derivan en situaciones de comedia. A diferencia de su remake (con Steve Martin), que está más claramente orientada hacia el humor, la versión original aprovecha la versátil personalidad de Spencer Tracy y el carisma de una joven Elizabeth Taylor para equilibrar las zonas de comedia con emoción.

Música en la noche (Musik i morker, Suecia-1947), de Ingmar Bergman, c/Maj Zetterling, Birger Malmsten, Bengt Eklund, Gunnar Björnstrand. 87’. Copia nueva en 35 mm, gestionada por Malba gracias a la colaboración de Kodak y Cinecolor.
A causa de un accidente desafortunado, un joven músico queda ciego. Mientras todo su universo se derrumba, el amor de una joven humilde se le presenta como la única esperanza. El director considera a esta película una historia sencilla pero de gran importancia, dado que fue su primer éxito popular.

Repulsión (Repulsion, Gran Bretaña-1965) de Roman Polanski, c/Catherine Deneuve, Ian Hendry, Ivonne Furneaux. 105’.
El primer film de Polanski fuera de Polonia se inició como un trabajo por encargo para una productora inglesa de clase B y terminó como una de las obras más inquietantes del cine, una indagación de la locura donde todo queda dominado por una imaginería perturbadora. Originalmente fue distribuida por la empresa SIFA, de Armando Bó, quien se la cambió a sus productores por un film propio. Debido a esa circunstancia, Isabel Sarli conservó esta copia nueva del film, que generosamente donó a la Filmoteca Buenos Aires.

Shock Corridor – Delirio de pasiones (Shock Corridor, EUA-1963) de Samuel Fuller, c/Peter Breck, Constance Towers, Gene Evans. 101’.
Todos los temas conflictivos de la sociedad norteamericana tienen su sitio en Shock Corridor: la intolerancia, el racismo, el peligro atómico, la guerra de secesión, la guerra fría, Corea, el lavado de cerebro, el comunismo y una larga lista adicional de temas sensacionalistas insertos de un modo deliciosamente gratuito. En Argentina no existía una buena copia en 35 mm de este film. La que se exhibe fue obtenida de un negativo parcial encontrado por APROCINAIN y completada gracias a Cinemateca Uruguaya.

Rebelión (Joi-uchi, Japón-1967) de Masaki Kobayashi, c/Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Yoko Tsukasa, Michiko Otsuka. 121’.
Desde los títulos, organizados sobre el riguroso diseño arquitectónico de un castillo feudal, Kobayashi sugiere la idea de un sistema rígido e inconmovible, cuya injusticia provocará un enfrentamiento de potencias titánicas. Ambas chocan de manera definitiva, hasta el final, y las dos triunfan a su manera. En Argentina no existía una buena copia en 35 mm de este film. La que se exhibe fue obtenida de un negativo parcial encontrado por APROCINAIN y completada gracias a Cinemateca Uruguaya.

Una Eva y dos Adanes (Some Like It Hot, EUA-1959) de Billy Wilder, c/Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Joe E. Brown. 120’.
Dos músicos resultan testigos involuntarios de la venganza de un gángster y se ven obligados a disfrazarse de mujeres para poder ocultarse en una orquesta de señoritas. Este clásico esencial de la comedia norteamericana tiene una legendaria frase final y a Marilyn, más bella que nunca. En las presencias de los veteranos George Raft –como el gángster– y Pat O’Brien –como el detective que lo persigue– también hay un homenaje al mejor cine policial de los 30.

El soldadito (Le petit soldat, Francia-1960/63) de Jean-Luc Godard, c/Michel Subor, Anna Karina, Henri-Jacques Huet. 88’.
Tras el éxito de Sin aliento, Godard irritó a las autoridades francesas con su segundo film, por aludir explícitamente a la guerra de Argelia. La consecuencia fue una prohibición que se mantuvo durante tres años.

Cuéntame tu vida (Spellbound, EUA-1945) de Alfred Hitchcock, c/Gregory Peck, Ingrid Bergman, Leo G. Carroll. 111’.
El psicoanálisis resulta ser la única herramienta que permite descifrar las claves de esta atípica intriga policial, que cuenta con una escena onírica diseñada por Salvador Dalí y con una exquisita partitura compuesta por Miklos Rozsa.

Mamma Roma (Ídem., Italia-1962) de Pier Paolo Pasolini, c/Anna Magnani, Ettore Garofolo, Franco Citti, Silvana Corsini. 110’.
Anna Magnani ya era una figura legendaria en el cine mundial cuando vio Accatone, la ópera prima de Pasolini, y declaró que tenía que hacer una película con él. Pasolini honró ese compromiso escribiendo y dirigiendo Mamma Roma para ella, pero sin resignar sus temas y obsesiones personales.


Hugo del Carril x 3

Surcos de sangre (Argentina / Chile-1950) de Hugo del Carril, c/Hugo del Carril, Esther Fernández, Carlos Perelli, Ana Arneodo, Chola Osés, César Fiaschi, Ana Gryn, Lautaro Murúa. 90’.
Diversas circunstancias impiden el amor entre dos jóvenes, a lo largo de varios años, en este elaborado melodrama rural, que Del Carril compuso a partir de una obra de Hermann Sudermann (el mismo autor del tema original del film Amanecer, de F. W. Murnau). Otra vez, la impronta visual del realizador se destaca especialmente en una serie de secuencias de antología, como el montage de los trabajadores de la tierra, el entierro de una mujer o el incendio de la granja del protagonista.

Las aguas bajan turbias (Argentina-1952) de Hugo del Carril, c/Hugo del Carril, Adriana Benetti, Raúl del Valle, Pedro Laxalt, Herminia Franco, Gloria Ferrándiz, Joaquín Petrosino, Luis Otero. 85’.
El drama de los mensúes en los yerbatales misioneros ya había sido tratado por Mario Soffici en Prisioneros de la tierra (1939), pero Del Carril lo abordó en términos más brutales y pragmáticos: no es el fatalismo de la tierra lo que oprime a sus personajes, sino la lisa y llana explotación del hombre por el hombre. En 1952 nadie podía dudar de la militancia peronista de Hugo del Carril y, sin embargo, el realizador encontró grandes dificultades para poder concretar este film, desde la proscripción del autor Alfredo Varela hasta la escasez de material virgen para completar el rodaje. Nada de eso impidió que el resultado final se transformara en uno de los más importantes de toda la historia del cine argentino.

La Quintrala – Doña Catalina de los Ríos y Lisperguer (Argentina-1955) de Hugo del Carril, c/Ana María Lynch, Antonio Vilar, Francisco de Paula, Milagros de la Vega, Andrés Mejuto, Manuel Perales, Iván Grondona. 99’.
El personaje es histórico y sus crímenes legendarios. Según el historiador chileno Benjamín Vicuña Mackenna, La Quintrala fue “azotadora de esclavos, envenenadora de su padre, opulenta e irresponsable Mesalina, cuyos amantes pasaban del lecho de la lascivia a sótanos de muerte; la que volvió la espalda e hizo enclavar los ojos al Señor de Mayo, la Lucrecia Borgia y la Margarita de Borgoña de la era colonial”. El éxito de Las aguas... animó al realizador a encarar este ambicioso proyecto que resultó no sólo una hazaña de producción sino también uno de sus mayores logros artísticos. La Quintrala fue el aporte de Hugo del Carril a Cinematográfica Cinco, empresa independiente que impulsó junto a colegas como Daniel Tinayre y Mario Soffici.

Estos tres films se verán en copias nuevas de 35 mm, restauradas por la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual (APROCINAIN), con el apoyo de Kodak, Cinecolor, Malba, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y la familia de Hugo del Carril.



2. Continúa
Triple Agente (Francia, 2003) de Eric Rohmer
Viernes a las 20:00


Triple agente (Triple Agent, Francia-2004), c/Serge Renko, Catherine Didaskalu, Cyrielle Claire. 115’.

Eric Rohmer: “Al contrario de lo que ocurre en todas las películas de espionaje, aquí no se ofrecen soluciones. El misterio no queda aclarado por la película, de la misma forma que tampoco se conoce la realidad completa de los hechos en la vida real. Por eso mismo tampoco me hubiera atrevido a ofrecer mi propia solución. No quería juzgar al personaje, y por eso le doy la posibilidad de ser inocente. Puede que mienta, pero la mentira y la verdad pueden ser parte de una misma realidad y pueden mezclarse. Fiodor dice cosas que son ciertas y otras no tan ciertas, y eso es, precisamente, lo que me atraía en esta historia. (...) Los rusos blancos de Triple agente son afectos al régimen zarista. Están abiertos a reformas, pero entre ellos no hay demócratas. Lo que caracteriza al personaje de Fiodor, conforme a la ceguera del héroe que antes citaba, es que no teme al comunismo de Stalin, pero acierta al aventurar su capacidad de pactar con Hitler porque piensa que ese régimen no puede durar. En ese sentido, es un idealista, pero al fin y al cabo, tiene razón”.


3. Estreno
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Sábados y domingos a las 18:30


Río arriba es una película de Ulises de la Orden, rodada en los escenarios naturales de la cordillera y editada al ritmo de la música original del maestro humahuaqueño Ricardo Vilca. La película se pregunta y se responde qué pasó con la tierra y la cultura de los kollas cuando se vieron forzados a trabajar en la zafra de la caña de azúcar.

El documental cruza dos historias: la inmigración europea de principios del siglo XX y la desculturización de las naciones Kolla – Aymará en la región de Iruya, provincia de Salta.

La visión del film surge de la mirada del protagonista, descendiente de aquellos inmigrantes; y el punto de vista de los actuales descendientes de los Kollas en Iruya. Este conflicto entre las dos culturas refleja una problemática humana, donde se pone en juego la tolerancia, el egoísmo y la libertad.

Un viaje en tren, a dedo, a pie y en lomo de burro desde la ciudad hasta lo más profundo de los Andes. Un viaje interior del director del film, que explora, desde su historia familiar -con un antepasado que explotó un ingenio azucarero- las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya.


Ficha técnica
Río arriba (Argentina, 2004). Director: Ulises de la Orden. Guión: Paz Encina, Germán Cantore, Miguel Perez y Ulises de la Orden. Productores: INCAA, Universidad del Cine, Polo Sur Cine. Producción ejecutiva: Ulises de la Orden, Juan de la Orden y Kato Lajos. Director de fotografía: Lucio Bonelli. Montaje: Germán Cantore. Estructura: Miguel Perez. Música: Ricardo Vilca. Sonido: Mark Dickinson, Rufino Basavilbaso. Formato de proyección: Beta Cam / DV Cam. Duración: 72’.


Premios en festivales internacionales
- VI Festival Nacional de Cine Documental - Premio del público a la Mejor película y Premio del jurado al Mejor documental regional
- II Festival de Cine y video Latinoamericano de Buenos Aires - Premio al Mejor documental
- Festival de Toronto, Canadá “Planet in Focus” - Mención del jurado


Biofilmografía
Ulises de la Orden (Buenos Aires, 1970) es Licenciado en Cinematografía por la Universidad del Cine. Trabajos: Río arriba, documental. Guionista, productor y director (2002 – 2004). Con el apoyo del INCAA. 72 min. DV. Khankxa, guión para largometraje de ficción. Guionista (2004). En el silencio, documental. Guionista (2003). En preproducción. Orillas en el tiempo, documentales para TV. Guionista y director (2001).



4. malba.cortos
Entrada libre y gratuita

Las insoladas (Argentina, 2002) de Gustavo Taretto
Jueves y viernes a las 18:00

Sinopsis
Dos amigas se juntan a tomar sol en la terraza de un edificio del centro de la ciudad. Empiezan muy temprano y es el día mas caluroso del año. Durante toda la jornada alimentan un sueño: viajar a Cuba. El paso de las horas y la larga exposición al sol las va afectando hasta que se meten en problemas de los que no pueden salir.

Nota del director
“En Las insoladas se encuentran un montón de ideas que andaban dando vueltas por mi cabeza, pero hay una que está por encima de las otras. La idea del paraíso, aún con su significado religioso. Un lugar en el que nos espera la felicidad y el placer para siempre.
Un lugar para descansar, donde nada malo nos puede pasar. Sólo que para mis Las insoladas ese lugar tiene arena blanca, agua transparente, palmeras, salsa y queda en el caribe.
Es un corto sobre los sueños, sobre el deseo desesperado de que se hagan realidad. Sobre todo porque la realidad que las rodea las asfixia.
Es curioso cómo la historia de unas chicas que no pueden escaparse de una terraza de Constitución haya viajado por tantas ciudades del mundo. Fue bien recibida y festejada en lugares tan disímiles como Chicago o Helsinki, San Pablo o París y hasta en la soñada La Habana.” Gustavo Taretto

Ficha técnica
Las insoladas (Argentina-2002). Dirección y guión: Gustavo Taretto. Edición: Alejandro Santagelo. Asistencia de dirección y segunda cámara: Sergio Colombo. Sonido directo: Adrián Montenegro. Producción: Mercedes González del Solar. Elenco: Fernanda García Lao, Malena Moffatt y Miguel Angel Taretto. Duración: 22’.


Biofilmografía
Gustavo Taretto (Buenos Aires, 1965) estudió fotografía y música, hasta llegar al cine. Entre 1988 y 1991 codirigió algunos cortometrajes y videos, volcándose luego a la publicidad. Desde 1992 se desempeña como Director de Arte en Publicidad, habiendo ganado premios en los principales festivales del mundo, entre los que se destaca un León de Oro en Cannes. En 1999 se suma al taller de cine de José Martínez Suárez. Se destacan sus cortometrajes Las Las insoladas (2002, 23 min, 35mm, color), Cien Pesos (2003, 22 min, video, color) y Medianeras (2005, 28 min, video, color). Este último ha recibido premios en diversos festivales argentinos e internacionales, como Huesca (España), Guanajuato (México), Uncipar (Villa Gesell), Rosario, Viña del Mar (Chile) y la Medalla de Oro en Unica (Bélgica).


El patio (Argentina, 2004) de Milagros Mumenthaler
Sábados y domingos a las 18:00

Sinopsis
Martina (12) y Sofía (15) son hermanas. Una calurosa mañana se levantan, desayunan en el patio de su casa y pasan todo el día allí, esperando una llamada telefónica.



Ficha técnica
El patio (Argentina/Suiza-2004). Dirección y guión: Milagros Mumenthaler. Jefes de producción: David Epiney y Milagros Mumenthaler. Fotografía: Martín Frías. Dirección de arte: Paula Menéndez y Laura Caligiuri. Sonido: Julián Catz. Edición: Christoph Bel. Elenco: Agustina Merediz, Ailín Marmorato, Alejandra Marchioli y Alan Mumenthaler. Duración: 16’.


Biofilmografía
Milagros Mumenthaler (Argentina, 1977) estudió Dirección en la Universidad del Cine, en Buenos Aires. Dirigió varios cortometrajes, premiados internacionalmente: A qué hora llega papá?, ficción, 12min, color, 16mm; Cape Cod, ficción, color, 3min, 16mm y El patio, ficción, color, 16min, 35mm.



5. Trasnoches
Animé japonés
Medio siglo de dioses y monstruos
Del jueves 2 al viernes 17 a las 24:00
Programador invitado: Christian Aguirre

Hoy son objeto de culto en todo el mundo, pero en los 70 eran sólo una rareza de la TV argentina. En medio de la saturación de las inofensivas series animadas de Hannah & Barbera, los dibujos animados japoneses (o animé) se presentaban como una opción desconcertante e impredecible. Cuestiones que eran tabú en la animación norteamericana, como la muerte, aparecían en el animé representadas con naturalidad y desprejuicio. El Mal era una cosa eterna e invencible, y las batallas se sucedían sin lograr nunca afectar demasiado al villano principal. Los héroes eran imperfectos y sufrían. La imaginación de los creadores del animé se presentaba libre de todos los límites convencionales.
Durante febrero, malba.cine revisará la historia del género con muchos de sus mejores representantes, algunos de los cuales no han vuelto a verse en treinta años.

Programa 1: Tezuka el Grande
Jueves 2 y viernes 3 a las 24:00

Luego de la segunda guerra mundial, la industria editorial de Tokio atravesó un duro revés ante la crisis económica. En Osaka, varias editoriales pequeñas se acercaron a la realidad imperante creando los “Red Books” (Libros Rojos), ediciones muy baratas, con papel de bajísima calidad, con la tapa, como el nombre lo indica, de color rojo, el único en toda la revista. Los artistas eran muy mal pagos, pero tenían un control creativo total sobre sus obras. Entre esos jóvenes principiantes se encontraba un frustrado estudiante de medicina llamado Osamu Tezuka. Su abandono de la carrera universitaria no fue solamente producido por la pasión por los comics, sino también por la animación de Walt Disney y los hermanos Fleischer, apasionado por un lenguaje cinematográfico que impondría en todas sus futuras obras. En 1947, Tezuka, de 20 años, creó el comic Shintakarajima (“La Nueva Isla del Tesoro”), de frenético ritmo visual y un layout hasta ese momento desconocido, que llegaba a plantear la descripción de una acción simple en varias páginas. Estas viñetas eran una lección de montaje. Al poco tiempo Tezuka es convocado por las grandes editoriales de Tokio y comienza a trabajar para Manga Shonen. En estas páginas nacen dos hitos del comic japonés: Jungle Tatei (“Emperador de la Jungla”) y Atomic Taishi (“Embajador Átomo”), luego llamada Tetsuwan Atomu (“Átomo Poderoso”). Ambas fueron llevadas al cine animado por Tezuka y fueron conocidas en Occidente como Kimba el León Blanco y Astroboy, respectivamente. Jungle Tatei fue publicada desde 1950 hasta 1954 y Tetsuwan Atomu desde 1952 hasta 1968.
En 1960, Tezuka dirige el primer largometraje de dibujos animados de la historia de Japón: Saiyuki, conocido como Alakazam el Grande y estrenado en la Argentina como Robin en el Valle de los Dragones. Mushi Productions, su propio estudio, es creado en 1962 y luego de otros dos largometrajes decide concentrar su producción en la TV, adaptando sus propios comics. El primero de enero de 1963 nace Astroboy, que fue la primera serie japonesa de animación, duró hasta 1966 y tuvo 193 episodios en blanco y negro. Kimba, el león blanco fue la inspiración no reconocida de El Rey León, y se produjo en colores entre 1965 y 1966.

Jueves 2 a las 24:00
-Astroboy, 2 episodios. 50’
-Kimba, el león blanco, 2 episodios. 50’.


Viernes 3 a las 24:00
Alakazam el Grande (Saiyuki, 1960). Largometraje. 88’.


Programa 2: Acción y aventuras
Jueves 9 a las 24:00

Aunque no descartaban la apelación a la fantasía, tanto El agente S5 como Meteoro vivían aventuras relacionadas con el crimen organizado y el espionaje. No sabemos cuál habrá sido el título original de El agente S5, pero es evidente que entre sus influencias hay una rarísima mezcla entre James Bond y Maverick, y que la calidad de animación de sus episodios es superior a la normal. En cualquier caso es una serie que se vio muy poco. En cambio, Meteoro (Mach Go Go Go en Japón y Speed Racer en Estados Unidos, 1967/68) es uno de los grandes clásicos del género. Se exhibirán sus dos primeros episodios, donde se asiste a la creación del Mark 5, el auto que todo niño de los ’70 quiso tener. A título de curiosidad veremos en este mismo programa un episodio de otra serie titulada El hijo del Meteoro, título argentino equívoco ya que no sólo no guarda ninguna relación con el original sino que además se produjo antes, entre 1965 y 1966. Su título japonés era Super Jetter mirai kara kita shonen y la protagonizaba un superhéroe de traje amarillo, armado con pistola de rayos láser y la capacidad de viajar en el tiempo. Gracias al doblaje local, al personaje efectivamente lo llaman “Meteoro” y en sus aventuras lo acompaña una periodista llamada Caty, muy parecida a Trixie.

-El agente S5. 1 episodio. 25’.
-Meteoro. 2 episodios. 50’.
-El hijo de Meteoro. 1 episodio. 25’.

Los guerreros del viento (Tenku no Shiro no Nausicaa, 1984) Largometraje. 84’.
Viernes 10 a las 24:00
Se basa en un comic que Miyazaki publicó en la revista Animage a partir de febrero de 1982 y continuó ininterrumpidamente hasta 1989, con apariciones posteriores en los años 1990, 1991 y 1993. En la filmografía de Miyazaki se pueden hallar varias constantes, como los elementos pertenecientes a los más tradicionales cuentos de hadas. En Porco Rosso, el protagonista es un cerdo con cuerpo de humano gracias a un encantamiento de amor. En Laputa una ciudad buscada por el protagonista se encuentra en el cielo. En El servicio de entregas de Kiki, hay una brujita que vuela sobre una escoba. En esa línea, Los guerreros del viento implica el cumplimiento de una profecía a manos de una Princcsa destronada y hay un bosque encantado, convertido en una monstruosidad tóxica, cuna de seres innombrables y pasajes abismales. También hay el equivalente a un dragón en una masa putrefacta y en estado de descomposición, mascota de una Reina diabólica. Otro punto recurrente es el protagonismo femenino casi absoluto. En Mi vecino Totoro, Laputa y Kiki hay niñas de carácter fuerte que, sin embargo, mantienen una conducta femenina más o menos acorde a sus edades. En cambio, en Porco Rosso (donde hay una mecánica pendenciera) y Los guerreros del viento (una princesa experta en el manejo las armas), los estereotipos femeninos son reemplazados por roles de orden masculino: no sólo no le escapan a la violencia física sino que ésta forma parte de su lenguaje y comportamiento. Se las puede comparar con el personaje de Ripley, de la serie Alien.


Programa 3: Terror y ciencia ficción
Jueves 16 a las 24:00

Tritón (Umi no Toriton, 1972) fue un animé de corta duración (27 episodios) basado en el comic homónimo de Osamu Tezuka (publicado en 1969) aunque éste no tuvo nada que ver con su traslado al dibujo animado. Describe la historia del joven Tritón, cuyo pueblo ha sido arrasado por Poseidón. A lo largo de la serie Tritón busca desesperadamente destruir a Poseidón, pero este le envía innumerables monstruos y calamidades: hombres tiburón, medusas gigantes, maremotos, etc., etc. Tritón contaba con una daga mágica que podía cortar prácticamente cualquier cosa y servía también para identificar a sus enemigos: si alguien tomaba la daga y no la hacía brillar, significaba que no tenía alma y era un enviado de Poseidón. El Capitán Centella (Gekko Kamen, literalmente “Enmascarado de Luz de Luna”, 39 episodios, 1972) se ocultaba bajo la identidad secreta de Igaui, ayudante del Inspector Matsuda, y combatía el mal con su poderosa moto, su látigo y sus diversos artilugios cortantes, como la media luna de su frente que es, en realidad, un boomerang de filo mortal. La serie tuvo tres temporadas, cada una con un enemigo diferente. Robin el Interplanetario (Uchuu Patorooru Hoppa, 44 episodios, 1965) es uno de los dibujos más extraños que se hayan dado en la Televisión Argentina. Las tardes temblaban cuando se escuchaba en el televisor la marcha victoriosa del planeta Hopa, que servía de presentación a la serie. Robin, su protagonista, era un niño terrícola adoptado por los nativos del planeta Hopa, adecuadamente llamados Hoppers. Entre todos protegían la galaxia de las acciones de una liga del mal interplanetaria. Aunque la influencia de Astroboy era inevitable, el diseño de los personajes fue uno de los pocos que escapó a los lineamientos de Tezuka, imitados por la gran mayoría del animé hasta la fecha. Fantasmagórico (Ogon Bat, 52 episodios, 1967) se orientaba más bien hacia el terror: el protagonista era un príncipe de Atlántida con rostro cadavérico que era invocado por unos niños cuando se encontraban en peligro. Dichos peligros, por lo general, eran monstruos espantosos enviados por el malvado doctor Zero. Fantasmagórico no hablaba y su única forma de expresarse era una carcajada siniestra. Sombritas (Boken shonen shadar, 156 episodios, 1967) estaba protagonizada por un muchacho que combatía toda clase de espectros y demonios horripilantes con una espada de luz. Duró poco en las pantallas argentinas, sin duda porque era demasiado violenta y los niños que la vieron a principios de los ’70 quedaron traumatizados para siempre.

-Tritón. 1 episodio. 25’.
-El capitán Centella. 1 episodio. 25’.
-Robin, el interplanetario. 1 episodio. 25’.
-Fantasmagórico. 1 episodio. 25’.
-Sombritas. 1 episodio. 25’.

Mazinger Z (1972-1974) Capítulos 71 al 78. 200’.
Viernes 17 a las 24:00
Producida entre 1972 y 1974, la serie japonesa de dibujos animados Mazinger Z fue un hito en el animé y su éxito produjo una larga lista de secuelas e imitaciones. El personaje de Go Nagai ya había sido popular en la historieta, pero su transposición a la TV fue el factor que consolidó su enorme influencia. Dicen los que saben que la innovación de Nagai consistió en mejorar el concepto de robot gigante y superpoderoso, al agregarle un tripulante humano, algo que hasta entonces no se había dado en la ciencia-ficción nipona. Entre los hechos relevantes que tienen lugar en estos episodios se destacan la creación de Diana A, en reemplazo de Afrodita A, que resulta destrozado en un enfrentamiento. Pero el acontecimiento más importante es la muerte del Barón Ashler, el carismático villano bisexual que enfrenta a Mazinger desde el comienzo de la serie.


Textos de Christian Aguirre y Fernando Martín Peña



6. Rescate del mes
Copias nuevas en 35mm. gestionadas por Malba, con el aporte de KODAK y del laboratorio CINECOLOR.

La antorcha (The Torch, México – EUA,1950) de Emilio Fernández
Jueves 9 a las 16:00

Un líder revolucionario se enfrenta con la hija de un rico ganadero en esta nueva versión de Enamorada (1946), también dirigida por Emilio Fernández. Esta producción independiente, financiada por la protagonista Paulette Goddard, es un auténtico film maldito. Muy poca gente parece haberla visto y son aún menos quienes la han revisado recientemente: los textos mexicanos la consideran norteamericana y los textos norteamericanos la consideran mexicana. En todo caso, no sólo es una rara oportunidad de volver a verla, sino también de apreciar en pantalla grande la espléndida fotografía en blanco y negro de Gabriel Figueroa.

Ficha técnica
La antorcha (The Torch, México / EUA, 1950) dirección: Emilio Fernández. Libreto: Iñigo de Martino, Emilio Fernández, Bert Granet. Música: Antonio Díaz Conde. Fotografía: Gabriel Figueroa. Dirección artística: Manuel Fontanals. Montaje: Charles L. Kimball. Productor: Bert Granet. Productora asociada: Paulette Goddard. Elenco: Paulette Goddard (María Dolores), Pedro Armendáriz (Juan José Reyes), Gilbert Roland (padre Sierra), Walter Reed (Robert Stanley), Julio Villarreal (don Carlos Peñafiel), Rosaura Revueltas. Duración original: 83’.


7. La Cosa y Cinecolor presentan
Lazos familiares
Cuatro familias disfuncionales
Del jueves 23 al domingo 26

Siempre es complicado ser hijo o hija de un personaje célebre, pero si ese personaje es el Conde Drácula o el Barón Frankenstein, seguramente será muy difícil ser la alegría de la fiesta. En el cine fantástico ha sido frecuente que los vínculos familiares se transformen en tremendos estigmas, que acarrean desgracias inevitables. Algunos ejemplos.

La hija de Drácula (Dracula’s Daughter, EUA-1936) de Lambert Hillyer, c/Gloria Holden, Otto Kruger, Marguerite Churchill, Edward Van Sloan. 71’.
La acción comienza donde termina Drácula (Tod Browning, 1931). Mientras el pobre profesor Van Helsing es acusado de homicidio en la persona del Conde Drácula, la hija de éste roba su cadáver con el propósito de destruirlo y así evitar la enfermedad hereditaria de la familia. La conexión entre el vampirismo y la ambigüedad sexual está presente ya en relatos como Carmilla, de Le Fanu, pero ésta fue la primera vez que llegó explícitamente al cine. Hace décadas que este film no se ve en fílmico en Argentina. Se exhibirá en copia nueva adquirida en el exterior por el coleccionista Fabio Manes.

El hijo de Frankenstein (Son of Frankenstein, EUA-1939) de Rowland V. Lee, c/Boris Karloff, Bela Lugosi, Basil Rathbone, Lionel Atwill. 99’.
Esta fue la última y menos vista de las tres películas en que Karloff interpretó al monstruo de Frankenstein. El hijo en cuestión es Basil Rathbone, que vuelve a la casa familiar para heredarla, sin saber que entre sus nuevas propiedades se encuentra el monstruo creado por papá. El film tiene varios puntos a favor para situarse a la altura de sus predecesores, pese a la ausencia del director James Whale, creador de la serie: la puesta en escena y el diseño abiertamente expresionista, un elenco de excéntricos entre los que destaca el policía manco de Lionel Atwill y la química natural que lograban juntos Karloff y Lugosi.

Hermanas diabólicas (Sisters, EUA-1973) de Brian De Palma, c/Margot Kidder, Jennifer Salt, Charles Durning. 92’.
De Palma comenzó a definir su estilo con este thriller de suspenso, que contiene sus primeros homenajes a Alfred Hitchcock, empezando por una excepcional partitura de Bernard Herrmann. Pero la película no es sólo un homenaje al pasado: contiene un empleo innovador de la pantalla dividida y, a cierta altura, se entrega con alegría al surrealismo más delirante en una escena onírica de antología. Curiosamente, la actriz Margot Kidder padeció un desorden mental similar –aunque menos violento– al de su personaje en este film. Se verá en copia nueva, rescatada por APROCINAIN con apoyo de Kodak y Cinecolor.

Sangre para Drácula (Andy Warhol’s Dracula, Italia / Francia-1974) de Paul Morrisey, c/Joe Dallesandro, Udo Kier, Arno Juerging, Máxime McKendry, Milena Vokotic, Vittorio de Sica, Roman Polanski. 103’.
El Conde Drácula (Udo Kier) tiene un problema: ya no quedan vírgenes en Transilvania y, como él mismo dice, “la sangre de estas putas me está matando”. Así que se muda a Italia en busca de doncellas. El gran Vittorio de Sica, que a esta altura estaba más allá del bien y del mal, interpreta a un noble italiano venido a menos, dispuesto a entregar a sus hijas a Drácula a cambio de un mejor pasar. Un joven empleado con conciencia de clase (Dallesandro) se muestra dispuesto a hacer lo necesario para salvar a las muchachas. Este clásico trash se verá en copia completa y en fílmico, gracias al coleccionista Fabio Manes.


8. Programación día por día

Jueves 2
14:00 Los amantes, de Louis Malle
16:00 Ascensor para el cadalso, de Louis Malle
18:00 malba.cortos: Las Las insoladas, de Gustavo Taretto**
18:30 Cascos de acero, de Samuel Fuller
20:00 El cuchillo bajo el agua, de Roman Polanski
22:00 I... Como Icaro, de Henri Verneuil
00:00 Animé 1

Viernes 3
14:00 El soldadito, de Jean-Luc Godard
16:00 Mamma Roma, de Pier Paolo Pasolini
18:00 malba.cortos: Las insoladas, de Gustavo Taretto**
18:30 Plácido, de Luis García Berlanga
20:00 Triple agente, de Eric Rohmer *
22:00 La Quintrala, de Hugo del carril
00:00 Alakazam el grande, de Lee Kresel

Sábado 4
14:00 Cuéntame tu vida, de Alfred Hitchcock
16:00 Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen
18:00 malba.cortos: El patio, de Milagros Mumenthaler**
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 I pugni in tasca, de Marco Bellocchio
22:00 Las aguas bajan turbias, de Hugo del carril
00:00 Shock Corridor – Delirio de pasiones, de Samuel Fuller

Domingo 5
14:00 Música en la noche, de Ingmar Bergman
16:00 Orfeo negro, de Marcel Camus
18:00 malba.cortos: El patio, de Milagros Mumenthaler**
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Los amantes, de Louis Malle
22:00 El cuchillo bajo el agua, de Roman Polanski

Jueves 9
14:00 Cuéntame tu vida, de Alfred Hitchcock
16:00 Rescate del mes: La antorcha, de Emilio Fernández
18:00 malba.cortos: Las insoladas, de Gustavo Taretto**
18:30 Las aguas bajan turbias, de Hugo del carril
22:00 Una Eva y dos Adanes, de Billy Wilder
00:00 Animé 2

Viernes 10
14:00 M, el vampiro, de Fritz Lang
16:00 Masculino- Femenino, de Jean-Luc Godard
18:00 malba.cortos: Las insoladas, de Gustavo Taretto**
18:30 Surcos de sangre, de Hugo del carril
20:00 Triple agente, de Eric Rohmer *
22:00 I pugni in tasca, de Marco Bellocchio
00:00 Los guerreros del viento, de Hayao Miyazaki




Sábado 11
14:00 El soldadito, de Jean-Luc Godard
16:00 Orfeo negro, de Marcel Camus
18:00 malba.cortos: El patio, de Milagros Mumenthaler**
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 El héroe del río, de Charles Reisner y Buster Keaton
22:00 Los muelles de Nueva York, de Josef von Sternberg
00:00 Repulsión, de Roman Polanski

Domingo 12
14:00 El padre de la novia, de Vincente Minnelli
16:00 Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen
18:00 malba.cortos: El patio, de Milagros Mumenthaler**
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 La Quintrala, de Hugo del carril
22:00 Río Bravo, de Howard Hawks

Jueves 16
14:00 Los amantes, de Louis Malle
16:00 I... Como Icaro, de Henri Verneuil
18:00 malba.cortos: Las insoladas, de Gustavo Taretto**
18:30 Surcos de sangre, de Hugo del carril
20:00 Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen
22:00 Masculino- Femenino, de Jean-Luc Godard
00:00 Animé 3

Viernes 17
14:00 Rebelión, de Masaki Kobayashi
16:00 Shock Corridor – Delirio de pasiones, de Samuel Fuller
18:00 malba.cortos: Las insoladas, de Gustavo Taretto**
18:30 Ascensor para el cadalso, de Louis Malle
20:00 Triple agente, de Eric Rohmer *
22:00 Orfeo negro, de Marcel Camus
00:00 Mazinger

Sábado 18
14:00 M, el vampiro negro, de Fritz Lang
16:00 Una Eva y dos Adanes, de Billy Wilder
18:00 malba.cortos: El patio, de Milagros Mumenthaler**
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Cascos de acero, de Samuel Fuller
21:30 Río Bravo, de Howard Hawks
00:00 Lucky Strike: The Blues Brothers, de

Domingo 19
14:00 I pugni in tasca, de Marco Bellocchio
16:00 Masculino- Femenino, de Jean-Luc Godard
18:00 malba.cortos: El patio, de Milagros Mumenthaler**
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:15 El héroe del río, de Charles Reisner y Buster Keaton
22:00 Los muelles de Nueva York, de Josef von Sternberg

Jueves 23
14:00 Mamma Roma, de Pier Paolo Pasolini
16:00 Repulsión, de Roman Polanski
18:00 malba.cortos: Las insoladas, de Gustavo Taretto**

18:30 Plácido, de Luis Garcia Berlanga
20:00 Shock Corridor, de Samuel Fuller
22:00 Sangre para Drácula, de Paul Morrisey
00:00 Hermanas diabólicas, de Brian De Palma

Viernes 24
14:00 I pugni in tasca, de Marco Bellocchio
16:00 Una Eva y dos Adanes, de Billy Wilder
18:00 malba.cortos: Las insoladas, de Gustavo Taretto**
18:30 Música en la noche, de Ingmar Bergman
20:00 Triple agente, de Eric Rohmer *
22:00 Hermanas diabólicas, de Brian De Palma
24:00 La hija de Drácula, de Lambert Hillyer

Sábado 25
14:00 Rebelión, de Masaki Kobayashi
16:00 Un burgués pequeño, pequeño, de Mario Monicelli
18:00 malba.cortos: El patio, de Milagros Mumenthaler**
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen
22:00 El hijo de Frankenstein, de Rowland V. Lee
00:00 Sangre para Drácula, de Paul Morrisey

Domingo 26
14:00 Plácido, de Luis Garcia Berlanga
16:00 M, el vampiro negro, de Fritz Lang
18:00 malba.cortos: El patio, de Milagros Mumenthaler**
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:10 Río Bravo, de Howard Hawks
22:30 La hija de Drácula, de Lambert Hillyer


Entrada General: $7.- Estudiantes y jubilados: $3.5
** Entrada libre y gratuita hasta completar la capacidad de la sala.






malba.cine cuenta con el apoyo de Lucky Strike, Navarro Correas, I-Sat y Rolling Stone.


Entrada general: $7.- Estudiantes y jubilados: $3,50. Las entradas se pueden retirar con anticipación en Malba – Colección Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6500 | F +54 (11) 4808 6598/99 | info@malba.org.ar | www.malba.org.ar

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