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Prensa
malba.cine / Comunicado de prensa
25 de octubre de 2005

PROGRAMACIÓN NOVIEMBRE 2005

1. Ciclo
Andy Warhol
Del jueves 3 al domingo 13

2. Festival Diversa
Festival Internacional de Cine de Temática Gay, Lésbica y Trans de Argentina
Del viernes 11 al domingo 20

3. Ciclo Divas
Del jueves 17 al domingo 27

4. Film del mes XVII
Vida en Falcon, de Jorge Gaggero (Argentina, 2004)
Sábados y domingos a las 18:30
Doble función: Sábado 5 a las 22:00 y sábado 26 a las 22:30

5. malba.cortos
Durante todo el mes. Entrada libre y gratuita
De jueves a domingos a las 18:00

Medianeras, de Gustavo Taretto (Argentina, 2005)
La ciudad de los hombres, de Frédéric Rossif (La cite des hommes, Francia, 1965)

6. La Cosa y Cinecolor presentan
Deben ser los gorilas...
Del jueves 24 al domingo 27

7. Continúa
Maratón Mazinger Z
Viernes 25 a las 20:00 y a las 22:00. Se exhibirán los capítulos 61 al 70 de la serie.

8. Espacio ADF / malba.cine
Organizada por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF)

La patagonia rebelde, de Héctor Olivera (Argentina, 1974)
Domingo 27 a las 16:00. Al finalizar la función habrá una mesa redonda con la presencia del director y Víctor Hugo Caula, director de fotografía del film.

9. Función especial
Iluminación íntima, de Ivan Passer (Checoslovaquia, 1966)
Sábado 5 a las 14:00.
Esta exhibición se realiza en conjunto con el Centro Cultural Checo.

10. Ciclo
40 años de cine de animación en Rosario
Domingo 6 a las 16:00

11. Programación día por día

1. Ciclo
Andy Warhol
Del jueves 3 al domingo 13
Este ciclo se realiza gracias a la colaboración del MoMA (Museum of Modern Art, New York).


“Acompañando la exposición Andy Warhol: Motion Pictures / Cuadros en movimiento –curada por Mary Lea Bandy y Klaus Biesenbach, Curadora en Jefe y Curador, respectivamente, del Departamento de Cine y Medios del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)– malba.cine ha organizado un ciclo con films inéditos en la Argentina del gran artista norteamericano.

La muestra presenta, en las salas de exposición, un grupo de films clave de Warhol –films mudos en blanco y negro, audaces en su propuesta formal y en su contenido: Sleep (1963), Kiss (1963), Blow Job (1963), Eat (1964) y Empire (1964)– junto a sus screen tests o pruebas cinematográficas. En estas obras (1964 - 1966), filmadas con cámara fija, en blanco y negro, con un promedio de tres minutos de duración, Warhol retrataba a sus amigos y conocidos que pasaban por la célebre Factory: "Baby" Jane Holzer, Cass Elliott, Dennis Hopper y Susan Sontag, entre otros.

Por su parte, el ciclo de cine incluye nueve films del artista (en su mayoría largometrajes), tales como Couch (1964), The Velvet Underground and Nico (1966), The Chelsea Girls (1966), Imitation of Christ (1967) y Lonesome Cowboys (1968), seleccionados especialmente por Klaus Biesenbach. A través de su producción cinematográfica, donde prevalecen la teatralidad, el erotismo, el humor y la improvisación, Warhol hizo un aporte decisivo a la historia del cine experimental americano.

Quiero destacar la importancia que esta exposición tiene para la escena cultural local. En primer lugar, es la primera muestra organizada en Malba por el MoMA en colaboración con The Andy Warhol Museum, Pittsburg. En segundo lugar, se inscribe dentro de la línea de exposiciones producidas por Malba que se ubican entre el espacio de las artes visuales y el del cine. Por último, se trata de una muestra que no presenta la clásica versión sobre Warhol en tanto ícono del pop, sino que introduce un período más complejo, más intrigante y menos conocido del artista. Un período en el que Warhol experimentó con la imagen cinemática, produciendo una influyente y cautivante serie de obras que conjugan el cine y la fotografía, el documental y la ficción, el retrato tradicional y la performance.”


Eduardo F. Costantini (h)
Director Ejecutivo
Malba – Colección Costantini



Shoulder (1964) c/Lucinda Childs. 4’
El uso de Warhol de la cámara inmóvil o “estática” en sus films implica varios estados o acciones: Kiss, Eat, Drunk, Blow Job, Shoulder, etc. Por medio de un punto de vista cuidadosamente situado, Warhol dirige una atención absoluta hacia un objeto (el hombro de Lucinda Childs, el Empire State Building, etc.) o a un situación (un screen test, un encuentro erótico, un juzgado, etc.). El espectador elige contemplarlo o apartarse de la pantalla. Estos “ídolos plásticos, así aislados y “monumentalizados”, como las imágenes icónicas del Pop Art de Warhol, están sostenidos por uno de los recursos más frecuentes de su cine: la toma larga.

Couch (1964), c/Gerard Malanga, Naomi Levine, Gregory Corso, Allen Ginsberg, Jane Holzer, Ondine, Jack Kerouac, Rufus Collins, Kate Helzicer, Mark Lancaster. 52’
Fragmento de un film de duración desconocida, pero que Ronald Tavel, colaborador de Warhol, estimó en veinticuatro horas. Según Tavel, Couch “fue muy famosa en su momento porque la gente iba a verla a la Factory. No podía mostrarse en público porque se hizo antes de que la pornografía fuera legalizada, pero esa fue la película pornográfica más famosa de las que


Warhol hizo. La gente venía y cogía durante veinticuatro horas. Dura eternamente. Mucha gente venía a verlo pero la intención era –con este y otros films- que uno viera un rato, luego
caminara, tomara café y viera un poco más. Todo el mundo hacía eso porque ¿cuánto tiempo puede uno ver a esas personas en un sofá?”

My Hustler (1965) de AW y Chuck Wein. c/Paul America, Ed Hood, John MacDermott, Genevieve Charbon, Joseph Campbell, Dorothy Dean. 67’
Según Warhol, el film es sobre “un viejo marica que lleva a un muchacho rubio a Fire Island por el fin de semana; todos sus vecinos tratan de que el chico se vaya”. La primera parte tiene una verdadera trama, quizá debido a Paul Morrisey, quien luego dirigiría films producidos por Warhol de intención más narrativa. Es más: esa primera parte incluye montaje y paneos que siguen al muchacho por la playa. Sin embargo, la segunda parte consiste en una única y larga toma, en la que el chico rubio (Paul America) y el hombre mayor (Paul MacDermott) están solos en el baño de una casa junto a la playa. En contraste con la “narrativa” de la primera parte, la segunda es sobre la “teatralización de la masculinidad”. Específicamente, esa extensa toma es una metáfora por el ansia del narcisismo –imposible de satisfacer- y su deconstrucción. Se dice que este film inspiró el clásico de John Schlesinger Perdidos en la noche (Midnight Cowboy, 1969).

Camp (1965) c/Paul Swan, Jane Holzer, Mar-Mar Donyle, Jodie Babs, Tally Brown, Jack Smith, Fu-Fu Smith, Tosh Carillo, Mario Montez, Gerard Malanga. 66’
En un set con globos pegados al techo, un elenco integrado por diversas personalidades realiza una especie de espectáculo de variedades à la Factory. Según una descripción, en el film aparecen “Gerard Malanga vestido de smoking, como maestro de ceremonias y lector de poesía; Paul Swan, famoso bailarín moderno de principios de siglo XX, recrea una de sus antiguas danzas y termina bailando con Jane Holzer; Mario Montez canta ‘If I Could Shimmy Like My Sister Kate’ y baila vestido de mujer, mientras la cámara tira zooms de manera frenética; la cantante Tally Brown imita a Yma Sumac”. El gran final está a cargo del legendario performer y cineasta underground Jack Smith (director de Flaming Creatures), “que atraviesa el piso de la Factory y, dramáticamente, abre la puerta de un armario”. Las películas de Smith deben contarse entre las pocas que anticipan la obra fílmica de Warhol.

The Velvet Underground and Nico (1966) c/Lou Reed, John Cale, Nico, Sterling Morrison, Stephen Shore, Maureen Tucker, Billy Name, AW. 67’
Nico se sienta en un banco y los integrantes de The Velvet Underground forman un semicírculo detrás suyo. La banda improvisa durante una hora, a todo volumen, hasta que llega la policía en respuesta a las quejas de los vecinos. A diferencia de la mayor parte de sus films, donde Warhol prefirió un punto de vista fijo, aquí la cámara se mueve de manera caótica a lo largo de todo el metraje. Mientras que en una propuesta más convencional el uso del zoom estaría condicionado por el relato o la necesidad expositiva, Warhol en este film lo utiliza sólo por el valor que pueda tener como efecto en sí mismo, de manera constante y sin ningún propósito determinado por el contenido. Se la conoce también con el subtítulo “A Symphony of Sound”.

Hedy (1966), c/Mario Montez, Jack Smith, Ingrid Superstar, Gerard Malanga, Mary Woronov, Ronald Tavel. 66’
En enero de 1966 la actriz Hedy Lamarr, que había sido una estrella en Hollywood desde fines de los años 30, ocupó las primeras planas de la prensa sensacionalista al ser apresada por intentar robar en una tienda. (En ese momento fue encontrada inocente, pero volvió a las andadas en 1991 y sólo evitó la cárcel a causa de su avanzada edad.) “Decidimos hacer un film sobre eso”, recordó el escritor Ronald Tavel. “Warhol me convenció diciéndome: ‘Bueno, esta vez usaremos una cámara móvil. Muchas escenas y esas cosas, para que no te aburras y salga bien’. Warhol mismo se puso detrás de la cámara y filmó la película de una manera increíble. Se aparta constantemente del foco de la acción. Es muy extraña. Y lo hizo deliberadamente: es hermoso. A medida que el guión comienza a construir un climax, la cámara abandona la acción y se va al techo, o comienza a examinar los muebles. En tanto film, eso es una cosa increíble”.

Lonesome Cowboys (1968) c/Joe Dallesandro, Viva, Taylor Mead, Louis Waldon, Eric Emerson, Julian Burroughs, Alan Midgette, Tom Hompertz, Francis Francine. 111’
Se trata de un western “sexual” filmado en Tucson, Arizona, en uno de los decorados del Oeste más utilizados por el cine. Se inició con la idea de que fuera “una especie de Romeo y Julieta

en el Oeste”, pero a lo largo del rodaje la improvisación derivó en otra cosa, cuyo desarrollo argumental resulta imposible de sintetizar. En todo caso, como ha observado un crítico, los
encuentros sexuales entre hombres están representados de un modo mucho más intenso, erótico y verdadero que las relaciones heterosexuales, que son, según el caso, de una clínica frialdad o bien de una innecesaria violencia. Fue el último film que Warhol dirigió personalmente. Poco después del rodaje tuvo el lugar el atentado de Valerie Solanas que casi le cuesta la vida y el montaje se realizó durante su convalecencia. Fue considerado “Mejor Film” en el Festival de San Francisco.

Imitation of Christ (1967) c/Andrea Feldman, Patrick Tilden Close, Taylor Mead, Nico, Ondine, Tom Baker. 85’
Originalmente fue realizada para formar parte de un film de 480 minutos titulado ****, que luego fue fragmentado por el realizador. Como observa David Ehrenstein, “el film es notable por tratarse de la primera historia épica de no-amor: los supuestos amantes están demasiado replegados en sí mismos como para advertir la presencia del otro”.

The Chelsea Girls (1966) c/Marie Menken, Mary Woronov, Gerard Malanga, Ondine, Ingrid Superstar, Susan Bottomly, Angelina “Pepper” Davis, Rene Ricard, Ronna Paige, Mario Montez, Nico, Ed Hood, Patrick Flemming, Eric Emerson. 210’
Se trata del primer film underground que logró un estreno formal y una distribución en varias ciudades. Fue incluso prohibido en Boston, lo que aumentó su popularidad y contribuyó a ser uno de los pocos films de la obra de Warhol que no sólo recuperó su costo sino que proporcionó una apreciable ganancia.
El uso que Warhol hace de la toma extensa no sólo sugiere la vigilia de un voyeur ante un encuentro sexual, o la adoración que un fan tiene por un ícono cinematográfico. También es el equivalente visual de un interrogatorio en tercer grado, o una investigación sostenida de determinadas puestas en escena. Así como Warhol permite a los miembros de su entorno que se expongan a sí mismos –literalmente- frente a la cámara, también permite que los intérpretes se desenmascaren psicológicamente. En cierto sentido, la toma extensa se transforma en una forma de efecto temporal y sensacionalista para eventos tan notorios como patéticos: una percepción del fenómeno de la vie ardente, preservada en sus films. Como en una ópera en la que el diálogo y la acción, de cualquier naturaleza práctica, se detienen para que se cante un aria, los films de Warhol incluyen momentos de verdadera intensidad emocional.
Warhol ha escrito respecto de sus estrellas: “Desde luego, las películas se volvieron parte de sus vidas; se metieron tanto en ellas que pronto uno no podía separar realmente ambas. Uno no podía notar la diferencia, y a veces ellos tampoco”. Y agrega: “Todos hacían lo que siempre habían hecho: ser ellos mismos (o realizar una de sus rutinas, que usualmente era la misma cosa) frente a la cámara”. Por medio de la toma extensa, Warhol podía capturarlo todo en la película.
La máxima expresión de muchas horas de filmar tomas extensas, para luego planificar cuidadosamente una orquestación de esas conductas monitoreadas, tuvo lugar en Chelsea Girls: doce rollos de tomas extensas, sin compaginar, que registran doce situaciones diferentes y se proyectan de a dos a la vez. Cada intérprete es situado frente a la cámara con instrucciones de quedarse allí actuando hasta que el rollo se acabe. Secuencias en color y blanco y negro son proyectadas en dos pantallas con o sin sonido, y veces con filtros de color colocados en las lentes de los proyectores. Partes del film fueron escritas por Ronald Tavel y el propio Warhol “puso en escena” todas las circunstancias que fueron filmadas. Por ejemplo, le pidió a Eric Emerson que hiciera un monólogo autobiográfico y que luego se desnudara en alguna parte de la toma. En otra secuencia, Warhol le dijo a Marie Menken, antes de filmar, que debía “interpretar” a la madre de Gerard Malanga. El punto de partida es elegido de acuerdo con las posibilidades de las personalidades “encontradas”. Éstas pueden colisionar entre sí o pueden evocar un narcisismo introspectivo. En un sentido muy real, Warhol permite que estas personas desplieguen las heridas psicológicas que todavía tienen abiertas. Gracias a la toma extensa, Warhol se asegura de que, en alguna parte del rollo, algo tocará un nervio.


Excepto donde se indican otros autores, estas notas proceden o se basan en Warhol’s Art and Films de Patrick S. Smith, UMI Reasearch Press, Michegan, 1986.





2. Festival Diversa
Festival Internacional de Cine de Temática Gay, Lésbica y Trans de Argentina
Del viernes 11 al domingo 20

“DIVERSA surge por primera vez en el año 2004, con la intención de abrir nuevas miradas y pensamientos y satisfacer, a su vez, la necesidad de un espacio de cultura e identificación para un público que estaba ávido de verse reflejado a sí mismo en las pantallas. Con iguales objetivos, DIVERSA vuelve a estar presente este año en su segunda edición.
El festival lleva adelante la idea de trasladar un mundo conocido mayormente por "entendidos" a un espacio en el que puede ser compartido con el común de la sociedad.
DIVERSA gira en torno de la calidad emocional y cinematográfica de sus películas, tan "diversas" como la propuesta misma del Festival. Provenientes de todas partes del mundo y nunca estrenadas en la Argentina, en ellas se encuentra una riqueza de contenidos que vibra en armonía con una realidad con la que convivimos. Además, el Festival sale al rescate de películas de todos los tiempos, para reponerlas en un marco diferente, avaladas e identificadas por una temática que le permite también a la cultura su ‘salida del closet’.
DIVERSA también busca fomentar el desarrollo del cine argentino, generando así un lugar para un mercado específico, y funcionar como nexo, desde y hacia, el resto del mundo. Sin fines políticos, la entidad pretende generar espacios culturales en la "diversidad de realidades" y en el respeto por las diferencias.
DIVERSA es una ventana a la intimidad, cotidianeidad, problemática, lenguaje e idiosincrasia de otras realidades que habitan a la par de uno, muchas veces sin saberlo. Una ventana -un universo- a la que están invitados a asomarse y mirar, ya que la visión compartida disminuye las distancias que genera el desconocimiento.”

Gabriela Waisman
Directora de DIVERSA


Films


We Are Dad (EUA, 2005) de Michael Horvat. Largometraje documental. 68’
El film sigue la vida de una inusual familia: dos hombres gay HIV negativo, y su familia compuesta por 5 chicos. 4 de ellos tienen HIV, 3 son negros, 2 vienen de un culto supremacista blanco, y uno es ahora HIV negativo. Esta familia ha estado peleando en el estado de Florida por el derecho de la adopción por parte de parejas gay, y así poder conservar a su hijo sano, Bert. La corte se ha negado a escuchar este caso, haciendo caso de una antigua ley que permite discriminar. El Estado puede llevarse a Bert, de 13 años, del único hogar que ha conocido, solo por una ley basada en la intolerancia.

Girl King (Canadá, 2002) de Ileana Pietrobruno, c/Chrystal Donbrath-Zinga, Michael-Ann Connor, Raven Courtney, Victoria Deschanel. 80’.
Se trata de una desvergonzada y original aventura drag-king. Iluminada por lunas sobredimensionadas, y saturada por agua traslúcida, alternativamente cómica, erótica, surrealista. Girlking es, de corazón, una dulce y perversa fábula. Participó en la sección Panorama del Festival de Berlín.

Crustacés et Coquillages (Francia, 2004) de Olivier Ducastel y Jacques Martineau, c/Valeria Bruni Tedeschi, Gilbert Melki, Jean-Marc Barr. 96’.
Es verano, y Marc viaja junto a su esposa e hijos a la costa Mediterránea. Laura, su hija, rápidamente se escabulle y desaparece con su novio. Y Charly espera a que llegue su mejor amigo Martin, que está enamorado de él. Su madre sospecha que su hijo es gay y, sin hacerse demasiado problema, lo comenta con su esposo que parece bastante más afectado por la novedad. Cuando Mathieu, el amante de la madre llega, las cosas se complican aún más. Fue seleccionada para el Festival de Berlin 2005.



After (Israel, 1990) de Eytan Fox, c/Gil Frank, Hanoch Re’im, Tzofit Elyashiv. 45’.
Es 1982, apenas después del inicio de la guerra del Líbano. Yonatan es un soldado con perfil solitario que se descubre atraído hacia su comandante. Le dan a su unidad una tarde libre en Jerusalén antes de ir hacia la frontera del norte con el Líbano. En esa tarde Yonatan descubre otra Jerusalén. Es el primer film que trata el tema de la homosexualidad en el ejército Israelí.

Keep Not Silent (Israel, 2004) de Ilil Alexander. Documental. 52’.
Con movilizadora intimidad, el film documenta la vida de tres Ortho-Dykes, lesbianas que viven entre la población judía ortodoxa de Jerusalén. Miriam-Ester está casada y mantiene sus deseos completamente ocultos a su esposo e hijos. Ruth vive una doble vida, alternando las noches entre su novia y su esposo, que sabe lo que ella hace durante las noches que no está con él. Judith vive abiertamente con su pareja, aunque su padre-rabino lo desapruebe. Aunque Judith es la única que muestra su rostro, cada persona relata con absoluto coraje su situación frente a las cámaras.

Good Boys (Yeladim Tovim, Israel, 2005) de Yair Hochner, c/Daniel Efrat, Yuval Raz, Nili Tzerruya, Ori Urian, Tomer Ilan. 75’.
Meni, de 17 años, que viste solo ropa de moda, interesado en la música y el cine, trabaja como taxi boy. Tiene una hija junto a Mika, una joven prostituta adicta. Una noche conoce a Tal, también taxi boy, y deciden pasar la noche juntos. Durante esa noche, sus vidas toman un nuevo sentido, ¿pero podrá esta pequeña esperanza, cambiar la vida a la que están acostumbrados?

Héroes y gays nazis (Männer, Helden, schwule Nazis, Alemania, 2005) de Rosa von Praunheim. Largometraje documental. 90’.
“Desde sus orígenes, el movimiento homosexual ha contado en sus filas con gays cuyas tendencias políticas se inclinaron a la extrema derecha: hombres que establecieron el mito de la masculinidad y el nacionalismo, que discriminaron a ‘locas’ y mujeres y propagaron el antisemitismo. El documental retrata a gays que se describen a sí mismos como personas de derecha” Texto de Rosa von Praunheim.

The Raspberry Reich (Canadá/Alemania, 2004) de Bruce LaBruce, c/Susanne Sachsse, Daniel Bätscher, Andreas Rupprecht, Dean Stathis. 90’.
La historia, desarrollada en Berlín, es sobre un grupo de terroristas cuya misión es la revolución gay, e imita en apariencia y roles al Ejército Rojo alemán. La lucha armada empieza con el espectacular secuestro de Patrick, hijo de uno de los banqueros más ricos de Alemania. Clyde, uno de los terroristas, se apasiona por el rehén poniendo en peligro los planes de Gudrun, la única mujer del grupo. Ganó el premio a la mejor película en Melbourne 2004 .

The Gift (EUA, 2002) de Louise Hogarth. Documental. 62’.
El film documenta el fenómeno del contagio deliberado del HIV. Veinte años después del pánico inicial, hay una nueva y peligrosa complacencia, alimentada por la creencia equivocada de que el SIDA es ahora una enfermedad manipulable.

El tercer sexo (Anders als Du und Ich, Alemania, 1957) de Veit Harlan, c/Marcel Andre, Paul Dahlke, Paul Esser, Otto Graf. 90’.
El interés que hoy en día puede tener este film es más sociológico que cinematográfico. Producido en un momento en que en Alemania se ratificaban las leyes que penalizaban la homosexualidad sancionadas por el nazismo, el film cumplió un rol mayormente sensacionalista al plantear como equivalentes lo términos “homosexualidad” y “perversión”. Desde ese punto de vista, hoy representa un documento inmejorable sobre los prejuicios del período. La escena de la orgía gay, con jóvenes que luchan cuerpo a cuerpo, es involuntariamente desopilante. El director Veit Harlan había llegado a ser tristemente célebre por realizar El judío Suss (1940), una de las películas explícitamente antisemitas que produjo el nazismo.

De repente en el verano (Suddenly Last Summer, EUA, 1959) de Joseph L. Mankiewicz, c/Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn. 114’.
El primer personaje homosexual que el cine norteamericano asumió como tal se llamó Sebastian y es el protagonista tácito de este claustrofóbico film de Mankiewicz, sobre obra de Tennessee Williams. Según el historiador Boze Hadleigh, Williams había basado sus personajes

en gente que conocía, con excepción de la madre que interpreta Katharine Hepburn, que Hadleigh interpreta como un síntoma de la contradictoria homofobia del autor. En todo caso, la
censura norteamericana (que tenía prohibida la representación de la homosexualidad) hizo una excepción en este caso a causa del atroz final que encuentra Sebastian.

Persona (Suecia, 1966) de Ingmar Bergman, c/Liv Ullmann, Bibi Andersson,
Gunnar Björnstrand, Margaretha Krook. 90’.
Una actriz que queda repentinamente muda después de una representación se interna en una clínica para reponerse y allí conoce a una enfermera que exterioriza todo lo que ella no puede. En una suerte de vampirización, las dos mujeres transforman un juego de oposiciones en la cercanía más absoluta. Surgido durante una crisis depresiva del director, el film trabaja sobre la identidad y la escisión del sujeto, contexto en el que la atracción entre ambas protagonistas es apenas un elemento más. El primer plano es uno de los recursos de que se vale Bergman para destruir todo efecto de realidad y le sirve también para recoger emociones de dos personajes que se devoran desde la superficie hasta la más profunda interioridad. Texto de Natalia Taccetta.

The Rocky Horror Picture Show (Inglaterra, 1975) de Jim Sharman, c/Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O’Brien, Jonathan Adams. 100’.
La obra musical de Richard O’Brien, potenciada en el film, tomaba reconocibles lugares comunes del cine de terror para hacer saltar por los aires los arquetípicos de género. Buena parte del éxito de la obra y del film se debieron a la actuación antológica de Tim Curry como el científico bisexual Frank-N-Furter. El tiempo y el público lo transformaron, espontáneamente, en el film de culto más importante de la historia del cine. En Argentina quedó prohibida por la censura y se estrenó sin éxito a fines de los ’80 con el título “Orgía de horror y locura”.

The Ritz (EUA, 1976) de Richard Lester, c/Jack Weston, Rita Moreno, Jerry Stiller, Kaye Ballard, F. Murray Abraham, Treat Williams. 91’.
Escapando de los asesinos que le envía su cuñado, un hombre busca refugio en un sauna y descubre que su clientela es exclusivamente gay. El film adaptó una exitosa obra teatral de Terrence McNally conservando parte de su elenco original y profundizando su estructura básica de comedia de enredos. Estuvo prohibida en Argentina desde 1977 ya que los responsables del Ente de Calificación declaraban por entonces que películas como ésta eran responsables de peligrosas “desviaciones” ya que “en nuestro país no existen problemas de homosexualismo” (sic). Se estrenó durante el gobierno de Raúl Alfonsín, con el curioso título “Cuidado con ese hotel”.

El misterio de Alexina (Mystere Alexina, Francia, 1985) de Rene Feret, c/Philippe Vuillemin, Valerie Stroh, Veronique Silver, Bernard Freyd. 86’.
El misterio que preocupó a Alexina Barbin no sería tal en el 2005 pero ciertamente lo era en los ambientes religiosos franceses de 1856. El film se basa fielmente en un episodio real que escandalizó a la sociedad de su tiempo y que hoy sorprende por la determinación demostrada por su protagonista en un contexto completamente hostil.





3. Ciclo Divas
Del jueves 17 al domingo 27

Una selección de films que ilustra el concepto de “diva” en la historia cinematográfica, a través de una constante: la mala conducta. Este ciclo se realiza en el marco de la muestra “Muselina negra” de Annemarie Heinrich, organizada por el Gobierno de la Ciudad de Bs. As., sobre dos de las mayores divas del cine argentino: Laura Hidalgo y Ana María Lynch.

Marlene Dietrich
El expreso de Shangai (Shanghai Express, EUA-1932) de Josef von Sternberg, c/Marlene Dietrich, Anna May Wong, Warner Oland, Clive Brook. 80’.
“Hizo falta más de un hombre para que mi nombre fuera Shanghai Lily”, dice la protagonista, una prostituta de lujo que aborda un tren de la línea Pekín-Shangai en medio de una sangrienta guerra civil. Hay una intriga de espionaje en el film, y también un antiguo amante, una mujer oriental bella y misteriosa, un oficial francés, un norteamericano que no entiende nada y un jerarca chino que pagará su lascivia con la muerte. Marlene fue diva pero debió parte de su divinidad al aura que a su alrededor supo crear Josef von Sternberg, uno de los realizadores más extraordinarios que tuvo el cine y su Svengali personal a lo largo de siete films. Tras descubrirla en Alemania para El ángel azul (Der blaue Engel, 1929), Sternberg la llevó a Hollywood y logró convertirla en la única competidora que tuvo Greta Garbo, además de moldear para ella una personalidad cinematográfica que trascendió largamente los films que hicieron juntos. Durante muchos años fue imposible ver en Argentina esta película legendaria en fílmico. Se exhibirá en copia nueva adquirida en Estados Unidos por la Filmoteca Buenos Aires.

Greta Garbo
La reina Cristina (Queen Christina, EUA-1933) de Rouben Mamoulian, c/Greta Garbo, John Gilbert, Ian Keith, Lewis Stone, C. Aubrey Smith. 97’.
Gracias a la dirección de Mamoulian, siempre imaginativa y dinámica, este film es considerado el mejor de la carrera de la actriz sueca Greta Gustafsson, rebautizada Garbo por su descubridor, el director Mauritz Stiller. Diva entre las divas Garbo interpretó muchas veces el objeto fatal del deseo de sus protagonistas masculinos y muchas veces también esos amores impetuosos la condujero a la propia perdición. En este caso su personaje, la reina Cristina de Suecia, desafía el rol asignado a su género no sólo al gobernar ese país con férreo temperamento, sino además al conducir su vida (bi)sexual con inédita libertad y desprejuicio. Se exhibirá en copia nueva adquirida en Estados Unidos por la Filmoteca Buenos Aires.

Frances Farmer
El hijo de la furia (Son of Fury, EUA-1941) de John Cromwell, c/Tyrone Power, Gene Tierney, George Sanders, Frances Farmer, John Carradine. 98’.
Clásico de los Sábados de Súper Acción, este film de aventuras no sólo resulta memorable por las múltiples peripecias que vive su protagonista, sino por el pérfido personaje que interpreta Frances Farmer, actriz que llegó a ser casi una diva hasta que sus problemas de conducta en la vida real llevaron a su madre a internarla en varias instituciones psiquiátricas y finalmente a autorizar que le practicaran una lobotomía. Su papel en este film fue uno de los mejores que tuvo en su vida, evocada luego en el film Frances (Clifford, 1982) con Jessica Lange.

Joan Crawford
La bella tirana (They All Kissed the Bride, EUA-1942) de Alexander Hall, c/Joan Crawford, Melvyn Douglas, Roland Young, Billie Burke. 85’.
Joan Crawford es “la bella Tirana” del título en castellano, una mujer temperamental y sin escrúpulos que dirige una empresa de camiones y está dispuesta a todo con tal de que sus negocios salgan adelante. Tras una serie de equívocos dignos de las mejores comedias brillantes, la dama de hierro se funde ante los avances de un periodista que quiere escribir sobre ella pero no se deja intimidar por su poder. El carisma de sus estrellas domina el film, pero los acompaña un excelente elenco en el que destacan Billie Burke y Roland Young, los protagonistas de la popular trilogía de Topper (Fantasmas bohemios). Alexander Hall es hoy un director olvidado, pero en los ‘40 realizó varias comedias como ésta que lo hacen digno de mejor fama.

Rita Hayworth
Gilda (Ídem., EUA-1946) de Charles Vidor, c/Rita Hayworth, Glenn Ford, George MacReady, Joseph Calleia, Steven Geray, Joe Sawyer. 107’.
Portarse mal es para Gilda el mejor modo de vengarse de Johnny (Glenn Ford), una parte de su pasado que no quiere morir. Gilda y Johnny se desean pero también se guardan tremendos rencores, por lo que se sacan chispas -y provocan algunas desgracias- hasta que ser capaces de superar el pasado. La danza que ejecuta Hayworth mientras canta “Put the Blame on Mame” sigue siendo una de las escenas de mayor carga erótica de la historia del cine. El film se caracteriza además por ambientarse, de manera delirante, en la ciudad de Buenos Aires.

Amelia Bence
Las tres ratas (Argentina, 1946) de Carlos Schlieper, c/Mecha Ortiz, Amelia Bence, María Duval, Miguel Faust Rocha, Santiago Gómez Cou, Florén Delbene. 95’.
Ortiz, Bence y Duval son las tres ratas del título, apodo poco gentil que les otorga un resentido personaje interpretado por Florén Delbene. Como otros melodramas de Schlieper, éste se ocupa de justificar cuidadosamente las supuestas inconductas de sus protagonistas. Bence interpreta a la hermana díscola, cuya mala conducta arrastra también a sus hermanas a la condena social. La relación que establece con Delbene está planteada con una franqueza que se adelantó varias décadas a su tiempo.

Alida Valli
Agonía de amor (The Paradine Case, EUA-1947) de Alfred Hitchcock, c/Alida Valli, Gregory Peck, Ann Todd, Charles Laughton, Charles Coburn, Louis Jourdan. 120’.
Importada de Italia por el productor David Selznick, Alida Maria Laura von Altenburger fue lanzada enigmáticamente como “Valli” en este film, donde enloquece al abogado que interpreta Gregory Peck. Aunque está ambientado en Inglaterra y no es estrictamente un policial negro sino un film “de juicio”, Agonía de amor contiene en el personaje de Alida Valli una de las femmes fatales más tremendas concebidas por el cine norteamericano del período. La actriz decidió no perpetuarse en ese rol, sin embargo, e interpretó una vasta gama de personajes en su larguísima carrera, que se prolonga hasta la fecha.

Verónica Lake
La abrasadora (Ramrod, EUA-1947) de Andre De Toth, c/Veronica Lake, Joel McCrea, Arleen Whelan, Don DeFore, Preston Foster, Donald Crisp. 94’. Doblada al castellano.
Con un peinado característico, que le tapaba un ojo (uno está tentado de suponer que se inspiraba en su marido, el director Andre de Toth, que era tuerto), Veronica Lake definió un tipo particular de diva, muy adecuada al cine negro de los ’40, aunque también destacó en comedias brillantes como Me casé con una bruja (I Married a Witch, Clair-1942). Este excelente western, muy poco visto en la actualidad, traslada al Oeste su imagen fatal y no sólo mantiene la típica amoralidad de sus personajes más característicos sino que la transforma en eje de la trama.

Bette Davis
Perfidia de mujer (Beyond the Forest, EUA-1949) de King Vidor, c/Bette Davis, Joseph Cotten, David Brian, Ruth Roman, Donna Drake. 96’.
La Davis es aquí mala hasta extremos expresionistas. Casada con un médico de pueblo (Cotten), que es bueno y generoso, Davis decide que su existencia es aburridísima y decide hacerle la vida imposible a su marido en sucesivas culminaciones melodramáticas que van in crescendo según el desarrollo del film. Como haría después en Viento salvaje y en otros films, la actriz Ruth Roman interpreta aquí a una anti-diva, la joven bella y gentil que el protagonista necesita para neutralizar el efecto destructivo de la femme fatale.

Lucia Bosé
Crónica de un amor (Cronaca di un amore, Italia-1950) de Michelangelo Antonioni, c/Lucia Bosé, Massimo Girotti, Ferdinando Sarmi, Gino Rossi. 96’.
A Lucia le gusta Massimo, pero también el dinero y la posición que le proporciona su marido, cosas que Massimo no tiene. Por su parte, Massimo comienza a sospechar que su amor por Lucia está maldito, pues cada vez que se encuentran alguien muere violentamente. De manera



simultánea, un detective privado está descubriendo todas estas cosas mientras realiza una investigación sobre Lucia. Este fue el primer largometraje de ficción de Antonioni, tras una
extensa experiencia como documentalista. Su visión de la burguesía italiana y su sensibilidad para crear climas extrañamente poéticos a partir de elementos cotidianos, ya se muestran claramente en este film.

Bárbara Stanwyck
Viento salvaje (Blowing Wild, EUA-1953) de Hugo Fregonese, c/Barbara Stanwyck, Gary Cooper, Anthony Quinn, Ward Bond, Ruth Roman. 90’.
“You’re no good” le dice aquí Gary Cooper a Stanwyck, sintetizando el carácter de su personaje. El contexto es propicio para esa lacónica calificación: ella acaba de meterse en su dormitorio pese a ser la esposa de su mejor amigo. En la línea de la femme fatale que Stanwyck hizo en Pacto de sangre (Double Indemnity, Wilder-1944), la actriz crea aquí un personaje que procura ocasionar la destrucción de todo el que se le acerca. Cooper se salva porque sabe mantenerse estoico; en cambio a Anthony Quinn no lo salva nadie. El argentino Fregonese dirigió con su habitual vigor narrativo este excelente film que combina melodrama y acción, con un elenco irrepetible.

Ava Gardner
La condesa descalza (The Barefoot Contessa, EUA-1954) de Joseph L. Mankiewicz, c/Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmond O’Brien, Marius Goring, Rossano Brazzi, Valentina Cortese. 128’.
Conocedor como pocos del divismo, fenómeno que diseccionó en La malvada (All About Eve, 1950), Mankiewicz volvió sobre el tema en este film que además es una de las miradas más impiadosas que Hollywood echó sobre sí mismo. Pudo hacerlo porque lo produjo de manera independiente y filmó la mayor parte en Europa, aunque contó con un elenco mayormente hollywoodense. Buena parte del personaje de Ava Gardner parece tomar elementos de la biografía de Rita Hayworth, pero las semejanzas son sólo superficiales. Además, paradójicamente, el recorrido de su personaje anticipó en cierto modo el de la propia Gardner, cosa que Mankiewicz podía intuir pero no saber en 1954. Quien la vea fotografiada en Technicolor por Jack Cardiff no tardará en comprender por qué muchos la consideran la actriz más hermosa que tuvo el cine norteamericano.

Ana María Lynch
La Quintrala – Doña Catalina de los Ríos y Lisperguer - (Argentina, 1955) de Hugo del Carril, c/Ana María Lynch, Antonio Vilar, Francisco de Paula, Milagros de la Vega, Andrés Mejuto, Manuel Perales, Iván Grondona. 99’.
Sólo un terremoto de proporciones apocalípticas pudo acabar con los pecados de La Quintrala, mujer terrible, comparada con Lucrecia Borgia. Con verdadera maestría formal, Del Carril logra presentarla como un ser humano que busca la redención, aunque es capaz de mostrarse doblemente vengativa cuando no la encuentra donde ella quiere. Sus múltiples crímenes, su gusto por el sadomasoquismo y su belleza, presentada como una trampa mortal, bastan para poner a La Quintrala en un cómodo primer puesto entre las mujeres fatales del cine latinoamericano. Una serie de fotografías de Lynch tomadas por Annemarie Heinrich durante el rodaje de este film pueden verse en la Casa de la Cultura, hasta el 30 del corriente.







4. Film del mes XVII
Vida en Falcon, de Jorge Gaggero (Argentina, 2004). 68’.
Sábados y domingos a las 18:30
Doble función: Sábado 5 a las 22:00 y sábado 26 a las 22:30

“No se trata de una película institucional o un comercial de promoción del viejo modelo de la conocida marca de automóviles, con sus facilidades de pago y su confort interno. Aunque, a su manera, hay algo de compra/venta y cuestiones de comodidad. Ni siquiera se trata del siempre presente fantasma de los Falcon verdes y la represión de la historia argentina reciente, aunque el Comando en Jefe del ejército tampoco está del todo ausente.
El título de este excelente trabajo documental es sencilla y crudamente literal. Aquí nomás, en torno a los barrios de Núñez o Belgrano en la cosmopolita ciudad de Buenos Aires, Gaggero frecuenta a dos personajes, Eduardo y Luis, en su cotidiano sobrevivir a bordo de sus viejos y corroídos –pero a su modo, cuidados- Ford Falcon, que yacen estacionados en algún rincón disponible.
¿Un nuevo tipo de vivienda popular producto de la crisis? Sin discursos ni entrevistas grandilocuentes, la opción consiste en una cámara que se presenta allí día a día para observar y escuchar de cerca de estos hombres, hasta hacer emerger las verdades que el documental siempre acecha. Historias de vida con seres humanos que, con toda dignidad, sobreviven en el rebusque. Historias en las que confluyen los pequeños y grandes temas de la realidad social argentina: desde los modos de la economía de subsistencia, el deterioro, la vecindad y la solidaridad entre iguales, hasta la profunda crisis que condujo a Orlando, vecino del barrio durante treinta años con casa y trabajo, a esta ‘vida en Falcon’”.

Mariano Mestman


Sinopsis
Orlando (55) vive dentro de su auto, un Ford Falcon, en el barrio de Núñez a tres cuadras de donde tuvo su hogar, su mujer y un trabajo. Luis (32) acaba de comprarse un Falcon modelo´68. No sabe manejar. Su idea es usarlo de vivienda como lo hace Orlando, desde que no pudo pagar la luz, el gas y el teléfono. Orlando enseña a su novato discípulo los pormenores de una novedosa forma de subsistencia, sus bondades y adversidades. Poco a poco esta convivencia va consolidando una amistad.

Vida en Falcon obtuvo el premio del jurado en el 7 Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. Ha sido invitada a participar en el Festival de Biarritz, en la Viennale de Viena, y en el London Film Festival.


Biofilmografía
Jorge Gaggero es argentino y tiene 34 años. Estudió en el Centro Experimental de Realización Cinematográfica de Buenos Aires (hoy ENERC). Trabajó para el Shoah Visual History Foundation y fue becado por el Fondo Nacional de las Artes. Su primer largometraje, Cama adentro, fue la película de apertura del 7º Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. El film obtuvo el premio especial del Festival de Sundance. Anteriormente dirigió los cortometrajes Sólo cuando respiro (1994), Ojos de fuego (1996, corto que participó el ciclo Historias breves), The Secret of the Sea (2001) y Un pedazo de tierra (2001).







5. malba.cortos
Durante todo el mes. Entrada libre y gratuita
De jueves a domingos a las 18:00


Medianeras, de Gustavo Taretto (Argentina, 2005)

“Buenos Aires es el escenario de esta historia. Mariana y Martín viven situaciones parecidas, viven soledades parecidas, neurosis parecidas, incluso viven en lugares parecidos, pero no pueden conocerse. Lo mismo que los une es lo que los separa: Medianeras.
”En Medianeras confluyeron un montón de temas que daban vueltas en mi cabeza y que armonizaron sorprendentemente. Apuntes, borradores en servilletas de papel que un día aparecieron en el mismo bolsillo.
La ciudad: la manera en que la modificamos y modifica nuestras vidas. En cuanto se nos parece. Una ciudad que se deforma, cada vez mas berreta, mas hostil.
La soledad urbana. Estamos todo el tiempo rodeados de gente que no conocemos, con la que no hablamos, perfectos extraños. Sentirnos solos cuando físicamente no lo estamos es infinitamente mas angustiante.
La incomunicación: una de las paradojas mas difíciles de explicar es por que toda la tecnología que es creada para unirnos en realidad nos aísla. La modernidad nos tiende la trampa de la comodidad, la excusa para seguir encerrados.Dos personas pueden decirse cosas súper importantes en un chat y cuando están frente a frente no pueden hablar.
Los encuentros: ya sabemos lo valioso que son cuando suceden y ya sabemos lo que cuesta que sucedan. Pero ¿como vamos a encontrarnos con tantos obstáculos?
Dos personas que viven en una misma cuadra, que merecen encontrarse, pueden pasar años sin encontrarse. “¿Como voy a encontrar al que estoy buscando si ni siquiera se como es?”
“La tristeza tiene siempre la esperanza, de un día no ser mas triste”.
Por eso siempre se puede abrir una ventana sobre la medianera que permita que un pequeño rayo de luz le de un poco de luz a nuestra vida.”

Gustavo Taretto



Biofilmografía
Gustavo Taretto nació 1965 en Buenos Aires. Estudió fotografía y música, hasta llegar al cine. Entre 1988 y 1991 codirigió algunos cortometrajes y videos, volcándose luego a la publicidad. Desde 1992 se desempeña como Director de Arte en Publicidad, habiendo ganado premios en los principales festivales del mundo, entre los que se destaca un León de Oro en Cannes. En 1999 se suma al taller de cine de José Martínez Suárez. Se destacan sus cortometrajes Las Insoladas (2002, 23 min, 35mm, color), Cien Pesos (2003, 22 min, video, color) y Medianeras (2005, 28 min, video, color). Este último ha recibido premios en diversos festivales argentinos e internacionales, como Huesca (España), Guanajuato (México), Uncipar (Villa Gesell), Rosario, Viña del Mar (Chile) y la Medalla de Oro en Unica (Bélgica).


Ficha técnica
Medianeras (Argentina, 2005), de Gustavo Taretto. Jefe de Producción: Simón Franco. Fotografía y cámara: Leandro Martínez. Edición: Pablo Mari. Postproducción de Imagen: Mariano Santilli. Dirección de Arte: Romeo Fasce / Luciana Quartaruolo. Sonido: Manuel Valdivia. Música Original: Gabriel Chwojnik. Guión, dirección y producción: Gustavo Taretto. Con Moro Anghileri, Javier Drolas, Valentina Liernur, Carlos Santamarina. 35mm color. 28’.









La ciudad de los hombres, de Frédéric Rossif (La cite des hommes, Francia, 1965).
Versión en español. 14’

La problemática de la ciudad vista con otra óptica, desde otro tiempo y lugar, pero con muchas coincidencias. El prestigioso documentalista Frédéric Rossif (Morir en Madrid, Un Muro en Jerusalén, Revolución de Octubre, De Nuremberg a Nuremberg) analiza en este corto las transformaciones en las estructuras urbanas por la expansión demográfica. El resultado podría servir como un prólogo para Medianeras.





6. La cosa y Cinecolor presentan
Deben ser los gorilas...
Del jueves 24 al domingo 27

El estreno inminente del nuevo King Kong, dirigido por Peter Jackson, es una buena excusa para revisar algunas de las apariciones cinematográficas del gorila más famoso de la historia del cine.

King Kong vive (King Kong Lives, EUA,1986) de John Guillermin, c/John Kerwin, Linda Hamilton, John Ashton, Peter Michael Goetz, Frank Maraden. 105’.
Esta secuela del King Kong de 1977 es una de las películas más graciosas del cine de los ’80, aunque casi todo ese humor es involuntario. Tras sobrevivir a su caída de las Torres Gemelas, el Gran Gorila queda en estado de coma, necesita un corazón artificial y varios litros de sangre parecida a la suya. La aparición de una gorila semejante permite que un equipo de científicos eminentes realice la operación, que, en sí misma, justifica el precio de la entrada. Eventualmente ambos gorilas escapan y son perseguidos por gente que no vio ninguna de las películas anteriores.

King Kong escapa (Kingukongu no gyakushu, Japón, 1967) de Ishiro Honda, c/Rodees Reason, Mie Hama, Linda Miller, Akira Takarada, Eisei Amamoto, Paul Frees. 96’.
King Kong enfrenta a su equivalente mecánico en esta película que, como casi toda obra de Ishiro Honda, sorprende por su imaginación disparatada. Este film, además, se volvió especialmente popular en Argentina porque sus astutos distribuidores decidieron estrenarlo poco antes de la muy publicitada versión de 1977, como si se tratara de la misma. De hecho, resultó ser mucho más divertida.

El hijo de Kong (Son of Kong, EUA, 1933) de Ernest B. Schoedsack, c/Robert Armstrong, Helen Mack, Victor Wong, John Marston, Frank Reicher. 70’.
El éxito de la versión original de King Kong en 1933 fue tan grande, que sus productores se apresuraron a rodar esta secuela de clase B. Aquí los expedicionarios encuentran un gorila albino, que pronto les toma simpatía y combate con diversos monstruos prehistóricos para salvarlos. El final anticipa casi literalmente, aunque en varias décadas, al de Terminator 2. Los efectos especiales fueron obra del legendario animador Willis O’Brien, creador del original.

King Kong (Ídem., EUA, 1933) de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, c/Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher, Noble Johnson. 80’.
La versión original de King Kong se mantiene imbatible pese a los setenta años transcurridos, a los avances tecnológicos y a las incontables imitaciones que hasta la fecha siguen apareciendo. El film resultó innovador no sólo por efectos especiales de Willis O’Brien, sino también por la música de Max Steiner, una de las primeras bandas sonoras importantes de la historia del cine. Se exhibirá en copia nueva, gestionada por Malba, gracias al aporte de las empresas Kodak y Cinecolor.



7. Continúa
Maratón Mazinger Z
Viernes 25 a las 20:00 y a las 22:00. Se exhibirán los capítulos 61 al 70 de la serie.

Producida entre 1972 y 1974, la serie japonesa de dibujos animados Mazinger Z fue un hito en el animé y su éxito produjo una larga lista de secuelas e imitaciones. El personaje de Go Nagai ya había sido popular en la historieta, pero su transposición a la TV fue el factor que consolidó su enorme influencia. En cada episodio Mazinger debía combatir con un nuevo monstruo mecánico que los villanos lanzaban sobre el mundo civilizado, en una guerra permanente que, de hecho, no terminaba con el último capítulo de la serie. Como en la mayor parte de las ficciones fantásticas orientales, el Mal nunca es totalmente vencido: sólo cambia de rostro.
En 2000 la Filmoteca Buenos Aires rescató la serie completa en fílmico por gestión de Christian Aguirre.






8. Espacio ADF / malba.cine
Organizada por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF)

La patagonia rebelde, de Héctor Olivera (Argentina, 1974)
Domingo 27 a las 16:00.
Al finalizar la función habrá una mesa redonda con la presencia del director y Víctor Hugo Caula, director de Fotografía del film.

“Primero fuimos con Olivera y un par de muchachos en avión, para ver los lugares. Luego llegaron los actores y Olivera estuvo una semana trabajando con ellos. Se le dio el guión a cada persona del equipo. Olivera es muy buen tipo –aunque por momentos me la agarré con él, y amenacé con irme.
(...) Había sólo día y noche, nada más. Usaba 100 ASA. Una escena muy difícil fue la que está el grupo de chilenos sentados, de noche. Cada uno tenía su propia vela en la mano. Lo llamé a Héctor Majul, que en ese momento estaba en Alex, para saber qué me recomendaba, y me dijo que lo mejor sería probar diferentes revelados. Terminó sobrerrevelando. Los DFs deberían saber todo sobre el proceso de laboratorio -por ejemplo, cómo se hacen los baños, tanto blanco y negro como color.
En ese rodaje conocí de casualidad a Néstor Kirchner, quien era extra. Recientemente tuve la oportunidad de volverlo a encontrar, ya Presidente, y le dije: “‘La Patagonia rebelde’ se hizo con mucha plata. Esas películas hoy no se pueden hacer más.”
(...)
Lo único que quiero es ayudar para que los pibes lo hagan bien. Este es un país bárbaro, impresionante, hay de todo. Por ejemplo, no entiendo cómo, si querés comprar algo, no podés. Todos están enloquecidos, en vez de ayudarnos nos matamos por la guita, y la culpa es nuestra... A nadie le importa nada.”

Fragmentos de un reportaje a Víctor Caula (ADF), realizado por Marcelo Iaccarino (ADF), Christian Cottet (ADF) y Ezequiel García, en agosto de 2005.



Ficha técnica
La Patagonia rebelde, de Hector Olivera (Argentina, 1974). Guión: Fernando Ayala, Héctor Olivera y Osvaldo Bayer, basado en Los vengadores de la Patagonia de Osvaldo Bayer. Dirección de Fotografía: Víctor Hugo Caula. Edición: Oscar Montauti. Música: Oscar Cardozo Ocampo. Con Héctor Alterio, Luis Brandoni, Federico Luppi, Pepe Soriano. 103’.






9. Función especial
Iluminación íntima, de Ivan Passer (Checoslovaquia, 1966)
Sábado 5 a las 14:00.
Esta exhibición se realiza en conjunto con el Centro Cultural Checo.

Esta obra maestra de Passer fue una de las películas emblemáticas de la generación de nuevos cineastas checos, cuya obra quedó brutalmente interrumpida tras el ingreso de los tanques soviéticos a Praga en 1968. Luego de ese episodio, Passer decidió emigrar y se instaló en Estados Unidos. No tuvo el mismo éxito que su compañero de generación Milos Forman, pero pudo realizar films que resultaron invariablemente interesantes, sin importar las restricciones de presupuesto o género que se le impusieran.


Ficha técnica
Iluminación íntima, de Ivan Passer (Checoslovaquia, 1966). Libro: Jaroslav Papousek, Ivan Passer, Václav Sasek. Fotografía: Miroslav Ondrícek, Jan Strecha. Música: Josef Hart, Oldrich Korte. Con Zdenek Bezusek, Karel Blazek, Miroslav Cvrk, Jirina Kresadlova, Vera Kresadlova, Dagmar Redinova, Jaroslava Stedra. 71’.



10. Ciclo
40 años de cine de animación en Rosario
Domingo 6 a las 16:00


Malba presenta el DVD “40 años de dibujos animados rosarinos”, una co-producción entre la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario, el Centro Audiovisual Rosario y los animadores independientes de esta ciudad santafesina.

El DVD doble contiene mas de 100 cortos animados (aproximadamente 7 horas), producidos en Rosario desde 1965 hasta la fecha. Se realizó con el objetivo de compilar, ordenar y contextualizar las investigaciones y los logros de distintos artistas rosarinos. El acceso a un panorama completo de este sector de la producción audiovisual posibilita nuevas apreciaciones y conclusiones.

El Centro Audiovisual Rosario (www.centroaudiovisual.gov.ar) distribuirá 200 copias entre particulares e instituciones interesados en los dibujos animados independientes, tales como escuelas de cine, artes visuales y diseño, bibliotecas, videotecas y centros culturales.

En el lanzamiento se proyectará una selección de 90 minutos con lo mejor de la animación rosarina.







11. Programación día por día

Jueves 3
16:00 Couch + Shoulder de Andy Warhol
18:00 La ciudad de los hombre, de Fréderic Rossif*
18:30 Camp, de Andy Warhol
00:00 Lonesome Cowboys de Andy Warhol

Viernes 4
14:00 Camp, de Andy Warhol
16:00 The Velvet Underground and Nico, de Andy Warhol
18:00 La ciudad de los hombres, de Fréderic Rossif*
18:30 My Hustler, de Andy Warhol
20:00 Couch + Shoulder, de Andy Warhol
22:00 The Chelsea Girls, de Andy Warhol

Sábado 5
14:00 Iluminación íntima, de Ivan Passer
16:00 Hedy, de Andy Warhol
18:00 Medianeras, de Gustavo Taretto*
18:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
20:00 Imitation of Christ, de Andy Warhol
22:00 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
00:00 The Velvet Underground and Nico, de Andy Warhol

Domingo 6
14:00 Hedy, de Andy Warhol
16:00 Ciclo 40 años de cine de animación en Rosario
18:00 Medianeras, de Gustavo Taretto*
18:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
20:00 Lonesome Cowboys, de Andy Warhol
22:00 My Hustler, de Andy Warhol

Viernes 11
16:00 Imitation of Christ, de Andy Warhol
18:00 La ciudad de los hombres, de Fréderic Rossif*
18:30 Persona, de Ingmar Bergman
20:00 El tercer sexo, de Veit Harlan
22:00 The Ritz, de Richard Lester
00:00 The Gift, de Louise Hogarth

Sábado 12
18:00 Medianeras, de Gustavo Taretto*
18:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
20:00 We Are Dad, de Michael Horvat
22:00 The Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman
00:00 Crustacés et Coquillages, de Olivier Ducastel y Jacques Martineau

Domingo 13
14:00 The Chelsea Girls, de Andy Warhol
18:00 Medianeras, de Gustavo Taretto*
18:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
20:00 De repente en el verano, de Joseph L. Mankiewicz
22:00 El misterio de Alexina, de René Féret

Jueves 17
16:00 El expreso de Shangai, de Josef von Sternberg
18:00 La ciudad de los hombres, de Fréderic Rossif*
18:30 After, de Eytan Fox + Keep not Silent, de Ilil Alexander

20:00 Gilda, de Charles Vidor
22:00 Persona, de Ingmar Bergman
00:00 The Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman

Viernes 18
14:00 Gilda, de Charles Vidor
16:00 La reina Cristina, de Rouben Mamoulian
18:00 La ciudad de los hombres, de Fréderic Rossif*
18:30 El misterio de Alexina, de René Féret
20:00 Girl King, de Ileana Pietrobruno
22:00 The Ritz, de Richard Lester
00:00 The Raspberry Reich, de Bruce LaBruce

Sábado 19
14:00 La condesa descalza, de Joseph L. Mankiewicz
16:15 El expreso de Shangai, de Josef von Sternberg
18:00 Medianeras, de Gustavo Taretto*
18:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
20:00 El tercer sexo, de Veit Harlan
22:00 Good Boys, de Yair Hochner
00:00 Lucky Strike: Una mujer bajo influencia, de John Cassavetes

Domingo 20
14:00 Crónica de un amor, de Michelangelo Antonioni
16:00 Perfidia de mujer, de King Vidor
18:00 Medianeras, de Gustavo Taretto*
18:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
20:00 De repente en el verano, de Joseph L. Mankiewicz
22:00 Héroes y nazis gays, de Rosa von Praunheim

Jueves 24
16:00 La abrasadora, de André De Toth
18:00 La ciudad de los hombres, de Fréderic Rossif*
18:30 La reina Cristina, de Rouben Mamoulian
00:00 King Kong vive, de John Guillermin

Viernes 25
14:00 Las tres ratas, de Carlos Schlieper
16:00 Viento salvaje, de Hugo Fregonese
18:00 La ciudad de los hombres, de Fréderic Rossif*
18:30 El expreso de Shangai, de Josef von Sternberg
20:00 Mazinger Z
22:00 Mazinger Z
00:00 King Kong escapa, de Ishiro Honda

Sábado 26
14:00 El hijo de la furia, de John Cromwell
16:00 La bella tirana, de Alexander Hall
18:00 Medianeras, de Gustavo Taretto*
18:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
22:00 Crónica de un amor, de Michelangelo Antonioni
22:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
00:00 El hijo de Kong, de Ernest B. Schoedsack

Domingo 27
14:00 Agonía de amor, de Alfred Hitchcock
16:00 La Patagonia rebelde, de Héctor Olivera + Mesa debate
18:30 Vida en Falcon, de Jorge Gaggero
20:00 La condesa descalza, de Joseph L. Mankiewicz
22:15 King Kong, de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack



Entrada General: $5.- Estudiantes y jubilados: $2.5
* Entrada libre y gratuita hasta completar la capacidad de la sala.


Malba.cine cuenta con el apoyo de Lucky Strike, Navarro Correas, I-Sat y Rolling Stone.


Entrada general: $5.- Estudiantes y jubilados: $2,50. Las entradas se pueden retirar con anticipación en Malba – Colección Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6500 | F +54 (11) 4808 6598/99 | info@malba.org.ar | www.malba.org.ar

Gracias por su difusión. Contacto de prensa: Elizabeth Imas / Guadalupe Requena. T +54 (11) 4808 6520/6507| F +54 (11) 4808 6599 | eimas@malba.org.ar | grequena@malba.org.ar |*Contamos con imágenes en alta definición.