Malba - Fundación Costantini - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
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Prensa
22 de septiembre de 2005
Para difusión inmediata


Andy Warhol
Motion Pictures / Cuadros en movimiento
Curadores: Mary Lea Bandy (Curadora en Jefe “Celeste Bartos” del Departamento de Cine y Medios del Museum of Modern Art, MoMA, Nueva York) y Klaus Biesenbach (Curador en Jefe de PS 1 Contemporary Art Center, afiliado al MoMA, y Curador del Departamento de Cine y Medios de MoMA)

Del 23 de septiembre al 21 de noviembre. Sala 3
Inauguración: jueves 22 de septiembre
Pre-inauguración para prensa: jueves 22 de septiembre a las 17:30


Una selección de los Screen Tests (“pruebas cinematográficas”) y de algunos de los más célebres films de Andy Warhol.


Malba presenta un conjunto de films clave en la carrera del artista norteamericano Andy Warhol, producidos entre 1963 y 1964, y los "screen tests”, retratos filmados entre 1964 y 1966, pertenecientes al acervo del MoMA (The Museum of Modern Art, New York).

De 1964 a 1966, en un set de filmación ubicado en la célebre Factory, de Nueva York, Warhol filmó alrededor de 500 screen tests (pruebas cinematográficas), filmaciones con un promedio de 3 minutos de duración, en las que Warhol retrataba a sus amigos, modelos, actores y músicos, en una actitud que Klaus Biensenbach, co-curador de la exposición que llega a Malba, definió como laboratorio de celebridades: “... la Factory se asemejaba a una suerte de temprano laboratorio especializado en carreras estelares o, dicho de otro modo, en los mecanismos por medio de los cuales la belleza y la fama son exaltadas y representadas”.

Los screen tests constituían una especie de “prueba de casting” realizadas con cámara fija, en las que el artista retrataba a aquellos que los rodeaban, intentando capturar su glamour y personalidad. Luego de filmarlos, por lo general en actitud estática, alteraba la velocidad de la película: en lugar de proyectarla a 24 cuadros por segundo, la proyectaba a 16 cuadros por segundo -como en los orígenes del cine-, con las imágenes en una cuasi cámara lenta. Dichas obras son todos retratos mudos, en blanco y negro, de "Baby" Jane Holzer, Cass Elliott, Dennis Hopper, Gerard Malanga, Beverly Grant, Edie Sedgwick, Susan Sontag y Salvador Dalí, entre otros.

Su filmografía de los primeros años, con una excepción, hizo foco en la persona antes que en un lugar o en la estructura narrativa; y el retrato de la cotidianeidad o de los momentos “de pose” se convirtió en su obsesión. Usando rollos de cien pies y filmando a la velocidad normal del sonido, Warhol registró a sus amigos de los mundos del arte, la moda, la poesía y el cine mientras “interpretaban” actividades simples, posando específicamente ante la cámara y siguiendo las instrucciones que el director les impartía acerca de lo que cada “actor” debía hacer.

“Esta doble fascinación por la exuberancia y el refinamiento de las estrellas bien peinadas y elegantemente vestidas del cine comercial, por un lado, y por la expresividad libre del trabajo poético y extremadamente personal, por otro, confluiría más tarde en su propio modo de hacer cine”, como señala Mary Lea Bandy, co-curadora de esta exposición, en el catálogo que la acompaña.




Films

En la exposición, los screen tests se complementan con algunas de las películas más célebres de Warhol, todas éstas mudas: Sleep (1963), Kiss (1963); Blow Job (1963); Eat (1964) y Empire (1964). Tal como Warhol quiso originalmente, las obras se exhibirán en la sala de exposición; a tal fin han sido transferidas a un soporte en video digital (DVD).

En 1963, luego de haber pintado íconos norteamericanos como la lata de sopa Campbell’s, la botella de Coca-Cola y a Marilyn Monroe, entre otros, Warhol compró una cámara de 16 mm y dio comienzo a un asombroso período cinematográfico de cinco años durante el cual dirigió, entre cortos y largometrajes, más de cien películas. Además de las que se exhiben en esta muestra, se destacan films sonoros como Chelsea Girls (1966) y Lonesome Cowboys (1967).

Si bien las películas mudas en blanco y negro de este período fueron originalmente filmadas a la velocidad del cine sonoro –24 cuadros por segundo–, Warhol especificó que las cintas se proyectaran a 16 cuadros por segundo, esto es, a la velocidad utilizada en la proyección de las películas mudas desde la última década del siglo XIX hasta los años 20. Según la curadora son, además, estudios de temperamentos, “ya que se centran en las personas, generalmente a través de primeros planos. Su ritmo ralentado, por otra parte, subraya la noción de que son, a su manera, versiones de retratos tan fijos como una fotografía o una pintura; de ahí que se los contemple de ese modo.”

Es interesante revisar cómo se piensa el concepto de “realidad” en las obras de Warhol. Bandy comenta: “Cuando los rollos son proyectados a una velocidad menor, tal como ocurre en esta exposición, las actuaciones parecen desarrollarse a un ritmo ajeno al de la realidad cotidiana y adquieren una dimensión de metro poético, de movimiento mágico tan controlado como la animación, la danza o el ritual religioso o secular y, en consecuencia, tan artificial como cualquier tipo de teatralidad”. Podría pensarse que Biesenbach elabora algo similar, al escribir que “... al extender la película, Warhol logra que un momento cualquiera se torne casi indiscretamente largo, íntimo y ajeno a este mundo”.


Esta exposición fue organizada por el Museum of Modern Art, New York, en colaboración con el Andy Warhol Museum, Pittsburgh. Su realización fue posible gracias al generoso aporte del International Council del Museum of Modern Art y al apoyo incondicional del Patricia Cisneros Travel Fund for Latin America.

Biografía
Andy Warhol (Pittsburgh, Pennsylvania; EE.UU.; 1928 – 1987), cuyo nombre verdadero era Andrew Warhola, es uno de los artistas más famosos del siglo XX., Aunque ampliamente conocido por sus obras pop de los años sesenta, Warhol exploró todos los medios de la producción cultural. Exploró los campos de la cinematografía, la fotografía, el vídeo y la televisión, y publicó sus propios libros, así como la revista Interview. La multifacética producción de Warhol supuso un reto para la jerarquía tradicional entre las disciplinas artísticas, al incorporar anticipadamente la cultura de masas en el arte de museo y viceversa, estrategia habitual en la cultura actual.
En 1945 ingresa en el Carnegie Institute of Technology, de Pittsburgh, donde estudia la especialidad de pintura y escultura. Al terminar la carrera en 1949 se traslada a Nueva York, donde enseguida tuvo éxito como ilustrador publicitario y diseñador gráfico. Entre sus clientes más destacados se encontraban la joyería Tiffany & Co. y el fabricante de zapatos I. Miller. Sus anuncios y reportajes de moda aparecieron en las páginas de las revistas Harper's Bazaar, Glamour y The New York Times. De los años cincuenta datan los ingeniosos dibujos, los collages dorados y los libros con ilustraciones coloreadas a mano.. Ya en aquellos primeros años de su carrera, Warhol sentó las bases de su método de trabajo consistente en delegar en sus ayudantes determinadas fases de la producción artística, para lo cual solía organizar coloring parties, reuniones durante las cuales sus amigos y sus colaboradores le ayudaban a colorear a mano sus numerosas obras.
En 1960 Warhol empezó a dedicarse formalmente a la pintura. Su eterna preocupación por apropiarse de la iconografía ya existente le indujo a extraer los primeros temas de sus obras de las viñetas de los cómics y de la publicidad. Luego buscó, entre otras fuentes, inspiración en los recortes de prensa; manipulaba las imágenes mediante diferentes procesos de reproducción en serie, especialmente la serigrafía de manera estratégica y sutil. Gracias a este método de trabajo seriado, Warhol y sus ayudantes generaron una gran cantidad de cuadros y esculturas, montaron en el estudio una especie de cadena de producción de fábrica, a través de la cual el artista revolucionó el concepto existente de autenticidad y de originalidad de la obra de arte, y cuestionó profundamente la importancia de la mano del artista como ejecutora.
A partir de 1962 Warhol convirtió en cuadros, entre otras imágenes fotográficas, las de sus estrellas de cine favoritas. Seleccionó determinadas fotografías de la colección que había ido reuniendo desde su infancia y reprodujo la imagen de sus ídolos cinematográficos, entre ellos Elizabeth Taylor, Marilyn Monroe y Elvis Presley. Al igual que hizo con todas sus serigrafías, Warhol produjo múltiples versiones de estos retratos, emulando el poder que tienen los medios de comunicación para generar fama mediante la proliferación de imágenes. Obsesionado con la prensa sensacionalista, fue acumulando imágenes de sucesos violentos que aparecían en los periódicos para su serie titulada Desastre, fechada entre 1962 y 1967. Mediante la manipulación y la repetición de las mismas imágenes horripilantes sobre lienzos de distintos colores y tamaños, consiguió ofrecer un análisis profundo del efecto anestesiante que los medios de comunicación ejercen sobre la sociedad.
En parte como reacción al materialismo incipiente de esta época, Warhol adoptó diversos elementos de la vida diaria de la clase media norteamericana como temas de sus obras. Rebuscó por los estantes de las tiendas de ultramarinos y creó, por ejemplo, sus inconfundibles cajas Brillo, de 1964. Estas esculturas -réplicas de las del estropajo jabonoso del mismo nombre- hacían ingeniosamente referencia a la creciente mentalidad consumista de Estados Unidos, al tiempo que transgredían los límites tradicionales del arte.
Warhol realizó sus serigrafías en un estudio conocido como The Factory. Había abierto la primera en 1963, en la calle 47 Este de Nueva York, meca de artistas y miembros de la vanguardia neoyorquina. En aquella época, Warhol adquirió una cámara de 16 mm y, entre 1963 y 1967, la Silver Factory se convirtió en un estudio cinematográfico en el que Warhol y sus colaboradores rodaron más de quinientas películas, muchas de las cuales trascendían los métodos cinematográficos tradicionales y carecían de estructura y de guión. En 1965 declaró públicamente que abandonaba la pintura y siguió buscando nuevas formas para transgredir los límites convencionales de las Bellas Artes. Al año siguiente empezó a trabajar como manager del grupo musical Velvet Underground, y produjo happenings multimedia denominados "The Exploding Plastic Inevitable"
A partir de 1968, Warhol se dedicó menos a la realización de películas y se adentró por otros caminos. Una de sus nuevas ideas fue la edición de la revista Interview, que inicialmente se lanzó como publicación mensual sobre cine, pero que se convirtió luego en una revista del corazón, en la que aparecían los ricos y famosos amigos de Warhol, tales como Mick Jagger, Halston y Truman Capote.
En 1974, Warhol se trasladó a un estudio situado en el número 860 de Broadway, en el que se desarrollaría su última etapa creativa. Durante este período, su obra se centró a veces en símbolos de contenido psicológico o político. A partir de 1972 reprodujo incesantemente la imagen ampliada del líder chino Mao Zedong, en soportes tan variados como dibujos, pinturas o papeles pintados. En 1976 creó una serie de cuadros de Calaveras, cual memento mori de la modernidad. Posteriormente Warhol volvió a otros emblemas de los valores económicos, tales como La hoz y el martillo comunista de 1976-7 y el Símbolo del dólar norteamericano de 1981, haciendo referencia a la propagación de estos símbolos y su importancia.
Desde finales de 1970, Warhol se dedicó a explorar la representación abstracta y a investigar las posibilidades inherentes de imágenes no objetuales. Para sus Oxidaciones de 1978, vulgarmente conocidas como "piss paintings", Warhol le pedía a la gente que visitaba su estudio que orinara sobre unos lienzos cubiertos con pigmentos metálicos de cobre. Éste fue otro proyecto al estilo Factory, pues requería la participación de quienes rodeaban al artista. A diferencia de las Oxidaciones, por lo general las obras abstractas de Warhol tienen una fuente identificable que se vuelve ambigua a través de la manipulación que el artista hace de la imagen. Así ocurre con la serie Zeitgeist, de 1982, en la que las vistas de monumentos y estadios alemanes quedan reducidas a diseños reductivos apenas discernibles.
Fascinado por el acto de grabar y documentar, Warhol hizo la crónica de todos los aspectos de su vida y de su trabajo, utilizando primero una grabadora y luego una cámara de vídeo. Sus primeros experimentos con el vídeo, que llevan el título de The Factory Diaries (Diarios de la Factory), se remontan a 1965. A finales de 1970 y en la década de 1980, se dedicó a la producción televisiva, realizando los programas Fashion, Andy Warhol's T.V. y Andy Warhol's Fifteen Minutes.
Al final de su carrera, Warhol seguía participando en proyectos realizados en colaboración: así, trabajó con Jean-Michel Basquiat y Francesco Clemente en lienzos pintados por los tres artistas. Las obras de las series de 1986 -La última cena, Camuflaje y Autorretrato- alcanzaron proporciones monumentales. Falleció el 22 de febrero de 1987.







Actividades de Extensión Cultural


Acompañarán a la exposición diferentes actividades culturales:


1) Conferencia

Andy Warhol: un artista moderno. Por Thomas Sokolowski, director del The Andy Warhol Museum (Pittsburgh, EE.UU).
Jueves 29 a las 19:00. Auditorio. Conferencia en inglés con traducción simultánea.

En el encuentro se analizará el rol del artista norteamericano Andy Warhol dentro del grupo de artistas modernistas, tal como fueron caracterizados por vez primera por el poeta y crítico francés Charles Baudelaire.

Thomas Sokolowski es director del The Andy Warhol Museum de Pittsburg desde 1996. Se desempeñó como director de la Grey Art Gallery & Study Center de la New York Univestiy (1984-1996). Ha publicado numerosos artículos y libros sobre arte contemporáneo.


2) Encuentros cara a cara
Andy Warhol: Sobre las artes, los medios y el espectáculo. Por Jorge La Ferla.
Jueves 6 de octubre a las 18:00

Jorge La Ferla es realizador de video, TV y multimedia. Ha obtenido un
Master in Arts, University of Pittsburgh, USA y una Licence d´Enseignement,
Université Paris VIII. Es profesor e investigador en medios audiovisuales. Ha enseñado en prestigiosas universidades locales y extranjeras. Ha sido el fundador y director de las Muestras EuroAmericanas de Cine, Video y Arte Digital organizadas por la Universidad de Buenos Aires entre 1995 y 2002. Ha editado numerosas publicaciones de cine, video, TV y multimedia y por su labor ha obtenido becas y premios nacionales e internacionales. Desarrolla su trabajo artístico y académico en el país así como en Alemania, Brasil, Canadá, Chile, Colombia, España, Francia, México, Suiza y los Estados Unidos.






Esta muestra es presentada por Personal
y cuenta con el apoyo de Lucky Strike, Knauf, Navarro Correas y CraveroLanis



Gracias por su difusión. Contacto de prensa: Elizabeth Imas / Guadalupe Requena. T +54 (11) 4808 6507/6520 | F +54 (11) 4808 6599 | eimas@malba.org.ar | prensa@malba.org.ar |*Contamos con imágenes en alta definición.

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