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Prensa


malba.cine / Comunicado de prensa
27 de abril de 2005


PROGRAMACIÓN MAYO 2005


1. La rebelión de las formas.
La vanguardia alemana de los años 20 + Lotte Reiniger
Del jueves 5 al domingo 22. Un ciclo organizado por Malba y el Goethe Institut.

2. Estreno internacional
La captive de Chantal Akerman
Sábados a las 20:00 y domingos a las 22:00

3. Estreno Film del mes XIV
Cielo azul, cielo negro de Paula de Luque y Sabrina Farji (Argentina, 2004)
Viernes y domingos a las 20:00

4. Continúa Film del mes XIII
Oscar de Sergio Morkin (Argentina, 2004)
Viernes a las 22:00

5. Trasnoches I
Freaks de Tod Browning
Jueves a las 24:00

6. Trasnoches II
Buscando a Reynols de Néstor Frenkel
Viernes y sábados a las 24:00

7. Tecnología de punta. Usos y abusos de la ciencia
Presentado por la revista La cosa y el laboratorio Cinecolor
Del viernes 27 al domingo 29

8. Espacio ADF
Organizado por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina
(ADF). Un recorrido por la historia de la dirección de la fotografía en el cine.
Sábado 28 a las 18:00

21 Gramos de Alejandro González Iñárritu (EUA, 2004)


9. Festival de Mar del Plata en malba.cine
Vitrina Argentina
Del jueves 26 al domingo 29


10. Programación día por día





1. La rebelión de las formas.
La vanguardia alemana de los años 20 + Lotte Reiniger
Del jueves 5 al domingo 22. Un ciclo organizado por Malba y el Goethe Institut.


1. Ciclo Lotte Reiniger

Lotte Reiniger fue una figura única e irrepetible dentro de la Historia del cine. Cultivó, hasta llegar a alcanzar la más absoluta perfección, un arte singular: el de las siluetas recortadas y luego animadas gracias a la cámara cinematográfica. Munida de un par de tijeras y papel negro era capaz de crear universos hechizados, criaturas maravillosas, zarzales encantados, cigüeñas negras, mágicas mantillas voladoras, hacer crecer palacios voladores desde la nada, o demonios malévolos que nos acecharan por siempre.
Nació en 1899, en el barrio de Chartottenburg, en Berlín. Tuvo una larga vida, a la que ella contribuyó a dotar el mundo de belleza y encanto. Junto a su marido, Carl Koch, compañero inseparable y sostén técnico de la mayoría de sus filmes, realizó más de cuarenta películas, todas con la técnica excluyente de las siluetas recortadas. Y casi todas ellas fueron cortometrajes excepto un único y excepcional largometraje Las aventuras del príncipe Achmed, el primer largo de animación de la historia. A los ochenta y dos años, muere en el pueblo de Dettenhausen, ubicado en la en la región de Tubinga, en el centro de Alemania. Más allá de la importancia que posee su obra dentro de la historia del cine de animación y de la fascinación que produce su visión, lo cierto es que los filmes de Lotte Reiniger sirven también como un estupendo vehículo para introducirnos en el análisis y conceptualización de tres de los modos expresivos cinematográficos más interesantes y singulares: los llamados cines de “vanguardia”, “abstracto” y “experimental”. Al combinar lo actual de siluetas perfectamente recortadas, con bordes nítidos, que dejan presumir perfectamente la organicidad de las figuras presentadas, pero, a la vez, sustrayéndole a esas mismas figuras los atributos diferenciales, los detalles que nos permitirían reconocerlas como totalidad, Reiniger pone en evidencia lo que otros dispositivos cinematográficos disimulan: la tensión entre lo orgánico y lo inorgánico, entre lo representativo actual y la imagen virtual que solo habita en nuestra imaginación, en nuestras mentes. Es esa tensión, que se despliega sobre la idea de Movimiento, la base común que liga a la vanguardia con la abstracción y a estas dos con el incómodo término de “experimental”.
Lo cierto es que las películas de Reiniger sugieren más de lo que muestran. Hacen estallar, en los momentos precisos, unos ojos por donde todo el amor o todo el odio se precipitan. Ocultan o velan esos detalles que nos harían conferirle a sus criaturas características “realistas”. El arte de Lotte fue el de renegar de la lógica utilitaria del realismo convencional, aquel que constituye nuestra torpe realidad cotidiana, para potenciar aún más los afectos, la pasión y la emoción. Sus aventuras son las de un alma errante en busca de la intensidad de la luz.

PROGRAMA 1
Jueves 5 de mayo

Imágenes en movimiento (Bewegte Bilder)
Color, 1976, 36 min.
Un extraordinario documento fílmico donde la propia Lotte Reiniger repasa no solo parte de su obra sino la producción de los más importantes artistas cinematográficos de vanguardia de la década del veinte. Así, desfilan ante nuestros ojos fragmentos de películas de Walter Ruttmann, Oskar Fischinger, Hans Richter, Viking Eggeling, George Grosz y otros.

Dr. Doolittle
Blanco y negro, 1928.
Primera parte: El viaje hacia África (Reise nach Afrika), 10 min.
Segunda parte: En tierra de Caníbales (Dr. Doolittle in Gefahr), 9 min.
Tercera parte: En la cueva del león (In der Höhle des Lowen), 8 min.
Se trata de la primera adaptación cinematográfica de los cuentos de Hugh Lofting que luego conocerían varias versiones cinematográficas. Aquí, el encanto de las imágenes, muy simples en comparación a los trabajos más elaborados, anteriores y posteriores, de Reiniger y de su esposo y eterno colaborador Carl Koch, trasportan a un mundo mágico, donde los animales,

sus siluetas en realidad están en perfecta armonía con la música, la naturaleza y el espíritu humano.

PROGRAMA 2
Viernes 6 de mayo

La danza de las siluetas (Dancing Silhouettes)
Blanco y negro/ color, 1983, 27 min.
Lotte Reiniger enseña ella misma la técnica de animación con siluetas. Valiéndose simplemente de unas pequeñas tijeras y papel negro, esta extraordinaria artista supo construir un mundo nuevo. Un cosmos lleno de magia y esplendor. Así el final del documental podemos ver fragmentos del único filme a color que llegó a realizar.

Carmen
Blanco y negro, 1933, 9 min

Papageno
Blanco y negro, 1935, 11 min.

La bella dormiente (Dornröschen)
Blanco y negro, 1954, 10 min.

Calif la cigüeña (Kalif Storch)
Blanco y negro, 1954, 10 min.

El gato con botas (Der gestiefelte Kater)
Blanco y negro, 1954, 10 min.

La hormiga y el saltamontes (Heuschreck und Ameise)
Blanco y negro, 1954, 10 min.

Dos de los últimos trabajos realizados en Alemania por el matrimonio Reiniger/ Koch se encuentran entre lo mejor de su producción, Carmen y Papageno, esta última con música de la inmortal Flauta mágica de Mozart, serían una maravillosa despedida del suelo germano. Luego vendrían la guerra y el exilio por varios países. Es en Londres donde, gracias a Louis Hagen jr. (descendiente del banquero que en la década del veinte había hecho posible ese milagro llamado Las aventuras del prícipe Achmed), y su productora “Prinrose Films”, finalmente podrán seguir trabajando y recreando cuantos populares europeos. El año de mayor producción con la “Prinrose” es el de 1954. Es el año en que los pájaros volverán a desplegar sus gráciles alas negras en Calif la cigüeña. El mismo año en que la laboriosa hormiga salvará de la muerte al saltamontes, comprendiendo que su alegre violín es tan indispensable para la vida como el trabajo, en El saltamontes y la hormiga.
Todas las garzas son negras si uno viaja hacia las regiones del alma de Lotte. Ella las descubrió, las inventó, les dio vida, es decir, movimiento. Ella inventó pájaros negros, de largas patas estilizadas, que nunca después se moverían ni volarían con tanta gracia, con tanto garbo. Es que Lotte compuso sus movimientos, sus plumajes, sus detalles, siempre en veinticuatro cuadros por segundo, haciéndolos simplemente perfectos. Y al hacerlo, los dotó de un nuevo vuelo, una nueva libertad nunca antes imaginada. (Del séptimo seminario online, “La rebelión de las formas”, www.goethe.de/buenosaires/seminario)


PROGRAMA 3
Sábado 7 de mayo

El arte de las siluetas de Lotte Reiniger (Ein Scherenschnittfilm entsteht)
Blanco y negro, 24 min. Aprox.
En otro documento de sumo interés, Reiniger cuenta nuevamente el origen de su arte y la forma en que ella lo perfeccionó. Se ven fragmentos de películas de su autoría muy difíciles de ver en la actualidad, como “Rueda la rueda”.




Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed)
Versión con los teñidos en color y música originales, 1923/ 26, 65 min.

“Tres años de trabajo insumió la realización de Las aventuras de príncipe Achmed. Tres años fecundos, pródigos de ideas, donde Reiniger contaría con la colaboración, además de su inefable Carl Koch, de Walter Ruttmann y Berthold Bartosch, quien sería un colaborador habitual de las películas alemanas de Reiniger y que crea, para Achmed una extraordinaria tormenta en el mar que termina con el naufragio del bote en el que se encuentra Aladino. (…) Si lo consideramos atentamente, podemos ver en Las aventuras… el despliegue de un verdadero campo de batalla donde la abstracción más pura y la organicidad total se enfrentan sin obtener ninguna la supremacía absoluta sobre la otra. Aunque, más bien, tratándose de Reiniger, deberíamos hablar de “campo de paz”. Efectivamente, todo en su vida y su obra parece lograr emanar un profundo sentimiento de sosiego y de profunda paz. En Achmed los opuestos se equilibran. La abstracción absoluta, que es la marca de Walter Ruttmann, quién no dudó en trabajar bajo las órdenes de Reiniger para lograr las magnificas formas que se presentan al comienzo de la película, o el genio de Berthold Bartosch, encontraran en la narración y las siluetas de bien definidas de Lotte su punto de proporción. Las aventuras… es abstracta, pero no tanto como para que en ella no podamos reconocer la silueta humana. Es orgánica, pero no lo suficiente como para que nos perdamos en la identificación masiva. Las representaciones- siluetas de Lotte, siempre guardan un costado oscuro, inaccesible para nosotros.” (Del séptimo seminario online, “La rebelión de las formas”, www.goethe.de/buenosaires/seminario)

PROGRAMA 4
Domingo 8 de mayo

Repetición de los programas 1,2 y 3


2. Ciclo La vanguardia alemana de los años veinte

“Hubo un momento en que el cine supo ser algo más que un instrumento para contar historias. Un momento glorioso e irrepetible en que se atrevió a cruzar todas las fronteras, a derribar todos los límites. Un momento en que palabras como revolución, experimentación y vanguardia estaban en la boca de todos y prometían un futuro nuevo y mejor. Hubo un momento, y la memoria nos hace pensar que no fue hace tanto tiempo, en que las formas se rebelaron contra las cadenas narrativas y bailaron la danza de la luz, el color y el movimiento.
Berlín, Paris y Moscú eran en esos momentos las usinas generadoras de un arte nuevo, es decir, de una conciencia nueva. Una conciencia que nacía y se desarrollaba gracias a la inteligencia de una máquina generadora de movimiento (porque al movimiento hay que ser capaz de crearlo, no preexiste): la cámara cinematográfica. En París, este invento nuevo, que forjaba nuevas posibilidades expresivas, invitaba a una fiesta de las formas y el movimiento que atrajo inmediatamente la atención de pintores vanguardistas como Fernand Leger, Marcel Duchamp o Hans Richter. Fotógrafos de avanzada, como Man Ray tampoco pudieron sustraerse al embeleso del nuevo arte que, según Ricciotto Canudo, el primer teórico del cine, vendría a reemplazar y superar a todas las otras artes anteriores.
Grandes poetas y dramaturgos como Antonin Artaud, al menos en un principio, también quisieron participar de la fiesta con caracolas y clérigos que Germaine Dulac transformaría en imágenes. Dalí y Buñuel, a su vez, aportarían su perro inmortal. Abel Gance una rueda que llevaría el movimiento hacia el paroxismo, etc.
Pero es Berlín la cuna del cine más absolutamente abstracto. Es en Berlín donde Walter Ruttmann, hacia fines de la década del diez, ofrecerá al mundo su Opus I, donde, luego, creará el primer filme concebido para ser trasmitido por radio, donde nos hará oír las sinfonías de las grandes ciudades y finalmente la melodía del mundo entero. Es Berlín el lugar donde Oskar Fischinger hará que el jazz pueda verse a colores y el espacio de una caminata de más de cuatrocientos kilómetros se comprima en tres minutos. Donde Lotte Reiniger dotará a la luz y las siluetas de una magia y seducción nunca antes vistas.
En fin. Se trata de un momento único e irrepetible de la historia del cine que extiende su influjo hasta el cine de experimentación y “underground” de hoy en día”. (Del séptimo seminario online, “La rebelión de las formas”, www.goethe.de/buenosaires/seminario)


PROGRAMA 1

Juego de Luces Opus I(Lichtpiel Opus 1)
De Walter Ruttmann, Blanco y negro, 1919/21, 10 min.

Sinfonía en diagonal (Diagonal Sinfonie)
De Viking Eggeling, b/n, 1923, 10 min.

Ritmo 21 y 23 (Rhythmus 21 und 23)
De Hans Richter, b/n, 1921/23 y 1923/24 respectivamente, 3 min. c/u.

Opus II
De Walter Ruttmann, b/n, 1922, 3 min.
Opus III
De Walter Ruttmann, b/n, 1923/25?, 4 min.
Opus IV
De Walter Ruttmann, b/n, 1923, 4 min.

El sueño de los halcones (Falkentraum)
De Walter Ruttmann, b/n, 1925, 1 min.

La maravilla (Das Wunder)
De Walter Ruttmann, b/n y coloreado, 1925, 3 min.

Composición I/22 y II/22 (Komposition I/22 und II/22)
De Werner Graeff, b/n, proyecto de 1922, realizado en 1970, 6 min.

Kipho
De Guido Seeber, b/n, 1925, 10 min.

El secreto de la marquesa (Das Geheimnis der Marquise)
De Lotte Reiniger, blanco y negro, 1922?, 3 min.

Rolle 12
Juego de luces, negro- blanco- gris (Lichtspiel schwarzweiß- grau)
De Laszlo Maholy Nagy, b/n, 1930, 6 min.

Barcarole
De Rudolf Pfenninger, b/n, 1932, 10 min.

Presentamos aquí una serie de trabajos heterogéneos que pretenden brindar, sin embargo, un panorama general del cine de vanguardia y experimentación realizado en Alemania durante la década del veinte. Comenzando por el Juego de luces, Opus I de Walter Ruttmann que puede ser considerado el primer filme abstracto de la historia. Seguimos con la única película que llego a terminar Viking Eggeling, muerto prematuramente a los 45 años de edad, esa maravilla llamada Sinfonía diagonal. Se trataba de conseguir una suerte de ritmo visual- sonoro autónomo cinematográfico, fuera de cualquier tipo de referente analógico exterior a la representación fílmica. La continuidad, en el sendero abstracto, de Walter Ruttmann, se verifica en sus Opus 2, 3 y 4 como también en su colaboración con la película de Fritz Lang, Los Nibelungos 2, La venganza de Krimhilda en el segmento El sueño de los halcones. También se incluye uno de los comerciales realizados por Ruttmann hacia mediados de la década del veinte, La maravilla, así como las primeras películas “películas de rollo” (pintadas, antes de ser filmadas en largos rollos de papel de hasta 50 mts.) de Hans Richter. Una rareza es Kipho de Guido Seeber, uno de los pioneros del cine alemán, operador de cámara de más de 500 filmes durante el período mudo, y antes las Composición I/22 y II/22 de Werner Graeff, basadas en el trabajo sobre figuras geométricas dibujadas. También se proyectará una de las primeras películas de siluetas de Lotte Reiniger, El secreto de la marquesa. Finalmente veremos el Juego de luces… del húngaro Laszlo Maholy Nagy originalmente diseñado cuando éste aún se encontraba enseñando en la Bauhaus. Estilos y técnicas distintas, pero una inigualable maravilla común.


PROGRAMA 2

Estudio fílmico (Filmstudie)
De Hans Richter, b/n, 1926, 4 min.

Rebelión matutina- Fantasmas a la hora del desayuno (Vormittagsspuk)
De Hans Richter, b/n, 1927/28, 10 min.

Inflación (Inflation)
De Hans Richter, b/n, 1927/28, 3 min.

Todo cambia, todo se agita (Alles dreht sich, alles bewegt sich)
De Hans Richter, b/n, 1929, 4 min.

La magia de los dos centavos (Zweigroschenzauber)
De Hans Richter, b/n, 1928/29, 3 min.

Everyday
De Hans Richter, b/n, 1929 aprox. 30 min

Construcciones del alma (Seelische Konstruktionen)
De Oskar Fischinger, b/n, 1926/30, 9 min.

Munich- Berlín Caminando (München-Berlin Wanderung)
De Oskar Fischinger, b/n, 1927, 3 min.

R-1, Un juego de formas (R1- Ein Formspiel)
De Oskar Fischinger, b/n, 1927 ?, 2 min.

Walter Ruttmann, Viking Eggeling y Hans Richter constituyeron en su momento la avanzada del cine abstracto alemán. Ruttmann y Richter pasarán luego de la abstracción absoluta de sus primeros filmes a otro tipo de abstracción, conseguida ahora por el trabajo con la cámara y técnicas de montaje muy particulares. Aquí se podrá ver un filme de transición de Richter, el Filmstudie, que combina la técnica tradicional del filme de rollo con filmaciones puestas en negativo, aceleradas o volteadas. Esas últimas técnicas son las empleadas en filmes como Fantasmas a la hora del desayuno, tal vez la película más conocida de Richter, Todo cambia, todo se agita, La magia de los dos centavos, Everyday que intentan captar la vertiginosidad tanto de la circulación del dinero acelerada como la vida alocada de la ciudad. De allí el hecho de que Richter tienda más a trabajar con afecciones, con sensaciones que con hechos concretos, como ocurre con su Inflación donde trata de reflejar el estado de ánimo de los alemanes en los últimos días de la República de Weimar, donde la hiperinflación devoraba el valor del dinero.
La continuidad en la abstracción iniciada por Ruttman y Eggeling la encontramos, por otro lado, en la obra de ese genio que fue Oskar Fischinger. En sus Construcciones del alma emplea su famosa “máquina de cera”. Se trataba de una especie de cortadora de fiambre que sacaba rebanadas de un largo “salchichón” hecho de cera de distintos colores. A cada corte de la cuchilla circular correspondía una toma de la cámara. Así, se componían figuras abstractas maravillosas, mágicas. Pero también podremos ver, en este programa, uno de sus filmes más extraordinarios: Munich- Berlín Caminando, película rodada a lo largo de casi tres meses, el tiempo que le insumió recorrer a pie los más de quinientos kilómetros que separan Munich de Berlín. Cada tanto, Fischinger fue rodando una toma, deteniéndose en un paisaje, en un rostro o en un atardecer. El resultado: la construcción de una conciencia gaseosa que parece flotar por sobre la unidad de la realidad cotidiana. Finalmente el R- 1. Un juego de formas es una película abstracta parcialmente coloreada que juega con las líneas verticales que, ocasionalmente, se engrosan para formar rectángulos o cuadrados.


PROGRAMA 3

Estudios 5, 7 y 8 (Studie 5, 7 und 8)
De Oskar Fischinger, b/n y color, 1930, 1930/31 y 1931, de 3, 3 y 4 min. Respectivamente.


Círculos (Kreise)
De Oskar Fischinger, color, 1933, 2 min.

Intervención de Muratti (Muratti greift ein)
De Oskar Fischinger, color, 1934, 3 min.

Composición en azul (Komposition in Blau)
De Oskar Fischinger, color, 1934/35, 4 min.

Alegretto
De Oskar Fischinger, color, 1936, 3 min.

Estudios 9, 10, 11 y 12 (Studien 9, 10, 11 und 12)
De Oskar Fischinger, b/n , 1931, 1930/32, 1931/32 y 1932, de 3, 7, 4 y 5 min. Respectivamente.

Motion painting N°1
De Oskar Fischinger, color, 1947, 11 min.

Experimento en cera (Wachsexperiment)
De Oskar Fischinger, b/n, 1921/26, 4 min.

Contraponiéndose a las formas geométricas cerradas de los primeros trabajos de Richter tenemos las formas curvas o romboidales de los filmes de Fischinger quien habría de ser el último continuador del filme abstracto alemán. En ese sentido sus Estudios (llegó a realizar 13, algunos contando con la colaboración de su hermano Karl) marcan una suerte de cima o estadio de perfección en la historia del filme abstracto. Pero el camino de Fischinger se torna cada vez más solitario a medida que va perfeccionando técnicas y estilos de composición abstractos en combinación cada vez más fluida con la música. De ese modo, aquí podremos apreciar uno de sus filmes más elaborados, Komposition in Blau, donde se hace difícil imaginar mayor belleza, mayor perfección de las formas y el movimiento. Como en Alegretto o en Círculos, allí Fischinger utiliza la película color desarrollada por el húngaro Bela Gaspar, el Gasparcolor, para crear percepciones visuales de una intensidad pocas veces luego repetidas. Entretanto, como Ruttmann o Reiniger, Fischinger se mantenía realizando algunos filmes publicitarios como Intervención de Muratti, sobre una marca de cigarrillos muy conocida en Alemania a comienzos de los treinta. Por último, también podremos ver uno de sus últimos trabajos, Motion painting N°1 realizado ya en los EE.UU., donde Fischinger había emigrado huyendo del nazismo y donde su trabajo sería metódicamente ignorado y destruido.


PROGRAMA 4

Berlín, sinfonía de una gran ciudad (Berlin- Die Sinfonie der Großstadt)
De Walter Ruttmann, B/N, 1927, 65 min.
Según una idea de Carl Mayer.
Fotografía: Karl Freund, Reimar Kuntze y Robert Babertske
Música original: Edmund Meisel
Lejos de considerar a como Berlín… un corte en la filmografía de Ruttmann y una inmersión en lo como lo que habitualmente se conoce como “cine documental”, pensamos que el filme es una continuación y profundización de sus experiencias con la representación abstracta. Es cierto que, a diferencia de las Opus, aquí sí hay formas reconocibles. Pero el objeto sigue siendo el mismo: el movimiento como entidad abstracta. Se trata de reflejar el devenir diario de la vida de Berlín, pero lo cierto es que esto se consigue desde el mismo espíritu, el mismo objetivo de desintegración de nuestra estática, sólida, percepción cotidiana para dar paso a una percepción dispersiva, líquida, que rítmicamente fluye entre las personas y los objetos.

Weekend
De Walter Ruttmann, 1929, sonido únicamente, 10 min.
Se trata de un registro sonoro efectuado utilizando la banda óptica del celuloide. Nada se ve en la pantalla, pero todo se imagina en la mente de los espectadores a partir de los sonidos de la

cotidianeidad de una mañana cualquiera. Hasta lo eructos de un borracho contribuyen a crear un clima fantástico, irreal.


PROGRAMA 5


Melodía del Mundo (Melodie der Welt)
De Walter Ruttmann, blanco y negro, 1929, 55 min.
Colaboración de: Heinrich Mutzenbecher
Cámara: Wilhelm Lechne, Rudolph rathmenn.
Sonido: Karl Brodmerkel, Paul Holzki, Reimar Kuntze
Música: Wolfgang Séller
Intérpretes: J. Kowal Samborski, Reneé Stobrava
Producción: Hamburg- América- Linie y Tobis.

El proyecto de Berlín, sinfonía… encuentra su prolongación en Melodía del mundo. Creada por encargo, para una compañía naviera que quería publicitar sus viajes de placer, la película profundiza en la idea de generación de una conciencia líquida que fluye ahora por el mundo entero. Es el ritmo interno, el movimiento, el devenir del mundo el que ahora da aliento a las imágenes obtenidas por la cámara liberada de Ruttmann. Se trata de prolongar hasta el infinito la idea de “filme absoluto”, aquel que no hace otra cosa, según Ruttmann, que proponer una música visual.

En la Noche (In der Nacht)
De Walter Ruttmann, Blanco y negro, 1931, 10 min.
Fotografía: Reimar Kuntze
Música: Robert Schuman
Aquí el dispositivo se invierte. Ya no se trata de descubrir el ritmo, la melodía interna guardada secretamente en la materialidad del mundo circundante. Se trata de partir de la música, previamente establecida, para darle una nueva forma, nuevos colores.



Mas información www.goethe.de/buenosaires/seminario



2. Estreno internacional
La captive de Chantal Akerman
Sábados a las 20:00 y domingos a las 22:00


En pos del nuevo desafío del ciclo de estrenos internacionales, iniciado con los siete capítulos de la miniserie The Blues – A musical journey, producida por Martin Scorsese, malba.cine estrena durante el mes de mayo La Captive (Bélgica/ Francia, 2000, 108´), una de las últimas películas de Chantal Akerman.

Chantal Akerman dirigió cuarenta películas las cuales, en su gran mayoría, han confromado Chantal Akerman, una autoboigrafía, retrospectiva organizada por Malba en el marco del VII BAFICI. Sólo Un diván en New York, película que Akerman filmó en Hollywood, fue estrenada en el Argentina.

Filmada en el año 2000, La Captive adapta parte de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust, “Albertina prisionera”. Esta película podría definirse, siguiendo una línea que alcanza prácticamente a toda la obra de la realizadora, como una íntima adaptación de la obra de Proust pero también como una adaptación del espacio a donde transcurre la narración: París. Gracias a un manejo preciso y explícito de los escenarios reales, las calles de París, los departamentos, los paseos y el deambular de los personajes por las desérticas veredas se vuelven una extraordinaria experiencia que no hace sino remitir a aquellas calles que otrora fueran rocorridas por Marcel Proust.

Es en La Captive donde Chantal Akerman convoca por primera vez a Sylvie Testud como actriz, quien luego será también protagonista y, a su vez, alter ego de la realizadora en su última película Mañana nos mudamos. A continuación, se publica la traducción del texto que la actriz escribió a raíz de La Captive en el catálogo que acompañó la retrospectiva en homenaje a Chantal Akerman, producida por el Centro Georges Pompidou, de París, en el año 2004.

Manuel Ferrari


La captive

Luego de haber visto Les Rendez-vous d’Anna , Jeanne Dielman e Histoires d’Amérique… voy a conocer a Chantal Akerman.
Tengo 26 años y leo un guión “La Captive”, una adaptación de uno de los libros de Marcel Proust, En busca del tiempo perdido, “Albertina prisionera”.
La historia de Ariane y de Simon.
Apenas puedo dormir cuando cierro el guión.
He cerrado el guión y tengo esta sensacióon de haber cerrado un mundo que apenas acabo de percibir.
He leído durante una hora y media. Me encontré sumergida en un universo que no creo entender.
Sé que no he entendido. Sé que me faltan algunos elementos. Sé que estoy alterada ¿Por qué? ¿Cómo es posible?
Sí, quiero conocer a Chantal Akerman.
Estoy impresionada.
Ojalá que la serenidad y el sentimiento de libertad que he experimentado en la lectura no me dejen. El tiempo se detuvo en mi departamento, en mi habitación. Sólo estaban Simon y Ariane.
Chantal Akerman no me responde. Chantal me sonríe. Descubro a un ser claro y generoso.
Hay un actor, Stanislas Méhrar. Vamos a decir este texto delante de su autora.
El tiempo vuelve a detenerse.
Hemos terminado de decir el texto. Tengo la sensación de nuevo de no haber tratado de actuar. Stanislas tampoco.
¿Por qué? Las preguntan se enlazan en mi cabeza ¿Por qué no tratamos? ¿Este actor tiene la misma sensación que yo? Creo no haber tratado por temor a estropear las líneas. Evitar la vulgaridad de la voluntad.
Este texto es más fuerte que la idea, más fuerte que toda decisión, lo siento ¿Quién es esta mujer que nos ha puesto en este estado? No hemos hecho buenas pruebas. Lo sabemos, Chantal lo sabe. Charlamos un poco los tres.
- ¿No tienes miedo de la pasividad de Ariane? me pregunta Chantal.
Estoy sorprendida.
- No sé exactamente quién es ella. No la imaginaba pasiva. La imaginaba libre.
Chantal me sonríe.
No nos conocemos, pero sabemos que Ariane no necesita probar su existencia. Está segura de que existe aunque nadie lo testifique.
- Es Simon el verdadero cautivo, dice Stanislas.
Stanislas y yo vamos a trabajar con Chantal durante dos meses. Seremos Ariane y Simon. Otros actores más experimentados habrían podido filmar esta película. No, poco importa eso. Ella dice: Sylvie y Stanislas.
No he visto todas las películas que ha hecho Chantal.
Veo sus documentales. Su trabajo con Delphine Seyrig, Aurore Clément…
Veo un cortometraje: J’ai faim, j’ai froid.
Nunca olvidaré a esas dos chicas, ligeras, con la voz clara, entrando en esos restaurantes para burgueses, esas brasseries para pudientes. Cantan a todo volumen: ¡Tengo hambre, tengo frío!
Nunca olvidaré esos dos pequeños payasos tristes. Su mirada chispeante, su gran sonrisa, su alegría y su emoción que era la mía.
La imagen tan fuerte de estos dos seres que prefieren sonreir.
Están tan cerca de Chantal, quien en Saute ma ville se ríe de todo. Incluso hasta de su propia muerte.
La sonrisa de Chantal es tan luminosa.
Tan luminosa… Que…
- ¿Es necesario nombrarla?
- No, no lo sé.
- ¿Debo intentar explicarlo?
- No, no puedo.

Cuando abordé por primera vez un texto de Chantal Akerman, estaba feliz de acordarme del texto de Paul Claudel, Partage de midi:
“No hay que entender mi querida, hay que perder conocimento…”.

Por Sylvie Testud
Traducción Clara Picasso, Manuel Ferrari.



3. Estreno Film del mes XIV
Cielo azul, cielo negro de Paula de Luque y Sabrina Farji (Argentina,
2004)
Viernes y domingos a las 20:00


Sinopsis
Esta no es una película lineal, todo cuanto pasa está ordenado de un modo cronológico, pero aún así, las cosas podrían ser diferentes, podrían tener otro orden, no es eso lo que importa en esta historia.
Empecemos por el final: Vemos a Ana y a Gabriel, dos seres detenidos en la sala de espera de un hospital público. Se necesitan aunque no lo saben del todo. Se tienen aunque no se conozcan.
Y en el mismo hospital hay un hombre que agoniza, Abel. Sabemos que sueña, que se sueña a sí mismo. Su hija, su pasado, el paraíso perdido, su caída, vuelven una y otra vez a su sueño. Pero su sueño es como una ficción.
Y vemos como Violeta filma todo, y cree ver en cada imagen una señal que le indica un destino a seguir, una cantidad de reglas de un juego inventado por ella, que sólo ella conoce, pero quien sabe, tal vez sea un juego universal.
¿Hubiera sido así de todos modos?, si las cartas hubieran estado ordenadas de otra manera, si Ana, y Gabriel, y Abel no se hubieran cruzado por su camino exactamente en el momento en el que se le cruzaron, ¿hubiera sido igual?
Como Alicia, en el país de la maravillas, Violeta persigue una quimera hasta encontrarse con su propio espejo.
La oruga le había propuesto un juego: una carrera adentro de un círculo, sólo hay que correr sin parar, hasta que en algún momento alguien diga Fin...


Una opinión
...Bella sorpresa, dentro de la sección Cineastas del Presente, indudablemente la más interesante del Festival por su sentido experimental y de vanguardia, la argentina Cielo azul, cielo negro se vale de la danza contemporánea para construir una gramática creativa y un lenguaje nuevo donde cabe lo surreal y lo inesperado, narrado con un montaje de una libertad asombrosa. La riqueza expresiva de la danza, la marcada gestualidad, se convierten en cifra estilística de la dimensión interior, donde lo onírico y lo real se funden creando una atmósfera lírica sobre el fondo de una Buenos Aires alucinada. (Christophe Martella, Festival de Locarno).


Ficha técnica
Cielo azul, cielo negro (Argentina, 2004) Dirección y libreto: Paula de Luque, Sabrina Farji / Fotografía: Alejandra Martín / Música: Kevin Johansen / Dirección de arte: Cecilia Buldain / Edición: Ian K / Sonido: Jessica Suárez / Productor delegado: Marcelo Shapces / Con Boy Olmi, Luis Ziembrowsky, Andrea Carballo, Inés Rampoldi, Marielouise Alemann, Diana Lamas, Zoe Trilnik Farji, Martín Borisenko, Silvana Sosto, Violeta Naón. Duración original: 95’.


Biografías

Paula de Luque es realizadora de cine, coreógrafa y bailarina, egresada del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. En 1987 comenzó a dedicarse a la Danza Contemporánea participando como intérprete en diversos grupos de Buenos Aires. En 1993 empezó a dedicarse a la realización del Video y a la experimentación entre los lenguajes del cine y de la danza. Pertenece a la primera generación de realizadoras del género Vidodanza de nuestro país. Ha participado en numerosos festivales de Video y de Danza Contemporánea en Argentina y en el exterior. Ha realizado los cortometrajes en formato de Videodanza El banquete, El otro espejo y El territorio. Ha recibido premios nacionales e internacionales como realizadora y bailarina. Ha producido, realizado y conducido el programa de televisión “Edición Danza” para Multicanal. Su obra escénica Bella Noche, estrenada en 2004 ha ganado el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas. Cielo azul cielo negro es su primer largometraje.



Sabrina Farji es Egresada de la Carrera de Dirección Teatral de la Escuela Municipal de Arte Dramático. Productora, Realizadora y Guionista. Trabaja en la producción audiovisual desde 1990, especialmente en el campo del video arte. En abril de 2002, el Museo de Arte Moderno realizó una retrospectiva de su obra en video. Su obra es parte de las colecciones de el Museum of Modern Art de New York , el Museu de Imagem y du Som de Sao Paulo Brasil y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Ha realizado, entre otros trabajos, Estúpida mas no zonza (1990), codirigido con Silvina Cafici, Nin (1991), Farji # (1992), Algunas Mujeres (1992), Lo bueno y lo bello (video instalación, 1993), Las cuatro estaciones de un año (1994), Como un cuerpo ausente (1994) co-realizado con Carlos Trilnick, Video d'Automne (1994), De niño (1995) co-realizado con Carlos Trilnick, Danza de niño (1995), Efectos personales (Videoinstalación, un canal de video y objetos, 1995), Girones de mi soledad (Performance multimedia co-realizada con la coreógrafa Mariana Belloto, Girones (Performance multimedia co-realizada con Mariana Bellotto, 1996), Un espacio al olvido (2000) y Che Lulu Hotel (2004). Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales Cielo azul, cielo negro es sus primer largometraje.















4. Continúa Film del mes XIII
Oscar de Sergio Morkin (Argentina, 2004)
Viernes a las 22:00

“Este notable documental de Sergio Morkin rescata la figura de Oscar Brahim, un hombre que se gana la vida como taxista, pero que -en esencia- es un apasionado artista callejero. Anarquista, "justiciero", rebelde con causa, mezcla de filósofo de barrio y profeta antiglobalizador, este verdadero antihéroe se convirtió en el terror de las corporaciones y de las agencias de publicidad con sus explosivas intervenciones sobre todo tipo de afiches y carteles.
Irónico y provocador, este artista -tan o más creativo que los cotizados "creativos" del marketing- es seguido durante más de tres años por la cámara de Morkin en su obsesivo e irreverente accionar, mientras la progresiva crisis económica que afecta a su familia sirve como metáfora perfecta -incluso mucho más que varios documentales premeditadamente sociopolíticos- del derrumbe del país que tuvo su estallido en 2001.
Ni siquiera el costado muchas veces ingenuo y risible de este personaje quijotesco pudo desacreditarlo. Así, no extrañó que desde los popes de la publicidad hasta el ámbito académico posaran su atención en él y lo convocaran para conocer de cerca su visión ideológica y artística.
En el caso de Morkin, su mérito no reside sólo en la persistencia para seguir durante mucho tiempo las desventuras de Brahim, sino también en haber logrado construir con tanto material filmado un relato elegante, ágil, prolijo y atrapante. Así, entre la profundidad del retrato psicológico, el espíritu audaz y provocativo de su protagonista y la solidez formal de la narración, "Oscar" surge como una de las sorpresas más agradables de la producción nacional de 2004.” Diego Batlle (La Nación)


Ficha técnica

Oscar (Argentina, 2004). Una producción de Nicolás Avruj y Sergio Morkin / Dirección: Sergio Morkin / Cámara: Federico Serafín, Nicolás Avruj, Sergio Morkin, Sebastián Menacé / Música: Miguel Rausch / Edición: Andrea Yaninno, César Custodio, Sebastián Schindel, Federico Martignoni Tilbe, Nicolás Avruj, Sergio Morkin / Sonido: Carolina Sandoval, Gaspar Scheuer / Producción: Nicolás Avruj, Sergio Morkin / Productora: Morkin-Avruj- / Coproductora: El Salto Producciones. Con el apoyo del Fondo Nacional de las artes y la Fundación Alter-cinè - Agencia Española de Cooperación Internacional Duración original: 61’. DV-Cam.


Biografía

Sergio Morkin (Buenos Aires, 1969) al terminar sus estudios secundarios comenzó a cursar Psicología en la Universidad de Buenos Aires. Tres años más tarde abandonó esa carrera para estudiar cine. En 1992 egresó de la escuela de Cine Contemporáneo de Vicente López y en 1996 comenzó a dar clases allí. Ha realizado desde entonces cursos de actuación y dirección de actores. Ha dirigido cortometrajes de ficción, videos institucionales y publicidades. Oscar es su primer largometraje.



5. Trasnoches I
Freaks de Tod Browning
Jueves a las 24:00

Más que un film de terror, Freaks es un melodrama macabro con sentido del humor, señalado por la crítica como “una obra maestra” en 1962, poco antes de la muerte de su director, Tod Browning.

“El director Tod Browning (1882-1962) conocía el ambiente de los circos y las ferias ambulantes porque en su juventud había trabajado en una de ellas sentía verdadera inclinación por lo extravagante y lo horroroso. Quizá por eso había sido el mejor director para el actor Lon Chaney, que disfrutaba asumiendo papeles tortuosos. Juntos habían hecho varias obras mayores como La bruja (The Unholy Three, 1925), El tuerto de Mandalay (The Road to
Mandalay, 1926) y El hombre sin brazos (The Unknown, 1927), todas ellas sobre hombres que, abrumados por circunstancias adversas y maldecidos con alguna deformidad bizarra, aspiraban a la normalidad enamorándose de bellas muchachas. Por lo general, éstas resultaban incapaces de devolver ese afecto y provocaban, voluntaria o involuntariamente, la perdición de los protagonistas. Con esos antecedentes no resulta sorprendente que Browning se sintiera muy interesado en un cuento de Clarence Robbins denominado Spurs, que le alcanzó el actor liliputiense Harry Earles: allí se narraba la relación sadomasoquista entre una bella trapecista y un enano de circo. Tras lograr un importante éxito comercial con Drácula (1931), que lanzó al
estrellato a Bela Lugosi, el realizador tuvo carta blanca para hacer lo que quisiera y la aprovechó para llevar a cabo una adaptación de Spurs. Con el acuerdo del productor Irving Thalberg, cerebro mayor de la Metro-Goldwyn-Mayer, el director decidió que todo su film estaría interpretado por auténticos fenómenos de circos y ferias ambulantes. Seguidamente, el estudio se llenó de freaks convocados en distintos espectáculos donde trabajaban: siameses y siamesas, un hombre torso, dos hermanos con “cabeza de alfiler”, los liliputienses Harry y Daisy Earles, hermafroditas, un muchacho sin piernas y el enano Angelo Rossito, el único
de todo ese elenco que tuvo una larga carrera en Hollywood (se lo puede ver, por ejemplo, en la tercera parte de Mad Max). Browning aprovechó el ambiente circense para brindar un contexto de normalidad a lo anormal: el circo es el único sitio donde sus freaks pueden vivir ajenos al prejuicio y a la segregación. En ese sentido, Freaks no es tanto un film de terror -aunque tiene un climax pesadillesco memorable- como un melodrama macabro con sentido del humor, donde diversos gags surgen del modo natural en que sus protagonistas se adaptan a las circunstancias que les han tocado y viven su vida como mejor pueden. En palabras de Charly García, el film transmite una admirable filosofía existencial: “Bancate tu defecto”.
En su momento, Freaks fue recibida con duras críticas que la repudiaron, constituyendo un notorio fracaso comercial. A tal punto que la MGM se deshizo de ella cediéndola a Dwain Esper, un distribuidor de cine exploitation que la mantuvo en circulación en el mercado de clase Z con
títulos como Nature’s Mistakes y Forbidden Love. Sólo tiempo antes de la muerte del director en 1962, en una edición del Festival de Venecia, Freaks fue redescubierta y señalada como una obra maestra. Poco a poco, gracias a la revisión de la historia del cine y a las nuevas generaciones de críticos, la película adquirió la categoría de culto que tiene en la actualidad.
Ésta es la primera vez en muchos años que Freaks puede verse en Argentina en fílmico. Se exhibe en copia nueva, adquirida recientemente por Fabio Manes.” Fernando Martín Peña





6. Trasnoches II
Buscando a Reynols de Néstor Frenkel (Argentina, 2004)
Viernes y sábados a las 24:00


“El film, que llevó un año y medio de realización, emprende una búsqueda aguda y destellante sobre la entidad musical llamada Reynols. Reynols es una agrupación argentina conocida en buena parte del mundo por sus extrañas incursiones sonoras y por el hecho de que su baterista y cantante Miguel Tomasín tiene síndrome de Down. El documental no pretende encontrar respuestas sino plantear el placer de la duda y lo inexplicable acerca del espíritu que anima a la particular banda. Reynols está integrada por Miguel Tomasín, Moncho Conlazo, Pacu Conlazo y Alan Courtis, y se fundó en 1993 con Miguel como líder. El grupo hace música experimental y tiene editados más de cien discos en todo el mundo, a través de sellos norteamericanos, ingleses, alemanes, franceses y japoneses. En Argentina, el grupo lanzó sólo No disco, un material que como su nombre lo dice no encierra contenido musical alguno. Pocas fueron las presentaciones de Reynols en Buenos Aires, pero numerosas las invitaciones a eventos internacionales, entre los que se destacan una presentación en el Lincoln Center de Nueva York en abril de 2000 y un recital junto con Sonic Youth. “La idea de Buscando a Reynols no surgió precisamente de haber escuchado a la banda sino del mito que circula alrededor de la curiosa formación”, aseguró Néstor Frenkel, cuyo trabajo fílmico se inicia con un resumen mediático que compila imágenes de archivo de Crónica TV y programas de Mario Socolinsky y Lía Salgado a modo de introducción. El hilo conductor que descubre los misterios del mundo de Reynols va de la mano de los testimonios del periodista Pablo Schanton, un conocedor de la historia del grupo. “La intención fue reunir gente que hable sobre Reynols más que tenerlos a ellos hablando de sí mismos”, contó Frenkel. Por eso en el documental conviven tanto los testimonios de Marcelo Delgado (director del Centro de Experimentación del Teatro Colón), Gustavo Rodríguez (musicoterapeuta), Eduardo Martí (fotógrafo), y amigos de la banda como el doctor Mario Socolinsky y el rappero Jazzy Mel.” (Extractado de El Ciudadano, Rosario, 23 de junio de 2004)


Ficha técnica

Buscando a Reynols (Argentina, 2004). Dirección y libreto: Néstor Frenkel / Imagen: Diego Poleri / Arte: Néstor Frenkel / Sonido: Javier Farina / Música: Reynols / Edición: Martín Mainoli / Producción: Mariana Fonseca / Productora: A. C. Cine. Documental. 75’.



7. Tecnología de punta. Usos y abusos de la ciencia
Presentado por la revista La cosa y el laboratorio Cinecolor
Del viernes 27 al domingo 29


THX 1138 (EUA, 1971) de George Lucas, c/Robert Duvall, Donald Pleasence, Maggie McOmie, Don Pedro Colley, Ian Wolfe. 88’.
Hoy es una marca relacionada con salas de cine bien equipadas, pero en un principio fue el título del primer largometraje de Lucas, una pesadilla futurista que amplió ideas temáticas y formales de un cortometraje universitario. En el ritmo del film y en sus imágenes -a veces rabiosamente experimentales- no hay nada que permita anticipar algo parecido a La guerra de las galaxias. En cambio, la visión aterradora de lo que vendrá se aproxima a la de Orwell en 1984 y las ingeniosas soluciones visuales para representar el mundo futuro con bajo presupuesto recuerdan a Alphaville de Godard.

El robot humano (The Terminal Man, EUA-1974) de Mike Hodges, c/George Segal, Joan Hackett, Richard Dysart, Jill Clayburgh, Donald Moffat. 107’. Doblada al castellano.
Tras padecer violentos ataques luego de un accidente, un brillante científico se somete a una operación quirúrgica experimental: una microcomputadora, implantada en su cerebro, le permitirá recuperar la salud perdida. Como puede preverse, la operación es demasiado experimental para que salga bien y las consecuencias nefastas no se hacen esperar. El film se basa en una novela de Michael Crichton, autor, entre otras, de Coma y Jurassic Park.

Escape de Nueva York (Escape from New York, EUA-1981), de John Carpenter, c/Kurt Russell, Lee Van Cleef, Ernest Borgnine, Donald Pleasence. 99’.
Obligado por una bomba de tiempo microscópica, inyectada en su torrente sanguíneo, Snake Plissken se interna en la ciudad de Nueva York para rescatar al presidente de los Estados Unidos. El problema es que la ciudad de Nueva York se ha convertido en una gigantesca prisión sin ley. Clásico de clásicos, se exhibirá en fílmico y en formato original de pantalla ancha por primera vez en muchos años.

La mosca (The Fly, EUA-1986) de David Cronenberg, c/Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz, Joy Boushel. 100’.
Un científico inventa el modo de teleportar objetos y seres vivos pero los celos lo impacientan y lo llevan a tomar decisiones catastróficas. Cronenberg puso toda la carne en el asador, literalmente, a la hora de graficar el deterioro físico de su protagonista en este film paradigmático del subgénero “Cuidado con la ciencia”.



8. Espacio ADF
Organizada por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF)
Un recorrido por la historia de la dirección de la fotografía en el cine.

21 Gramos de Alejandro González Iñárritu (EUA, 2004)

21 gramos es la última película de Alejandro González Iñárritu. Al igual que en su anterior trabajo (la festejada Amores perros) el tiempo retuerce la estructura narrativa. La historia se mueve con fluidez entre el pasado y el presente, pero siempre se encamina hacia una promesa de redención en el futuro. El espectador debe convertirse en un participante activo desde la primera escena. Dice el productor Robert Salerno: “El público se va enterando sobre la marcha de lo que ocurre y cómo encaja todo entre sí”.
El director de fotografía, Rodrigo Prieto, dice haber rodado el film con un estilo “absolutamente realista”, el cual le parecía el más adecuado para una película cuyos personajes “nacen, viven y mueren”. Sobre el director, Prieto dice: “Alejandro es como si fuera de mi familia. Tenemos una excelente relación de trabajo y una buena amistad, por fortuna sin ningún elemento competitivo. Yo admiro y respeto a Alejandro. Si para una escena quiere algo en particular, hago lo que sea para conseguirlo, porque confío en su visión y sé que está en lo cierto. Sabe arriesgarse y anima a su equipo a hacer lo mismo. No teme cometer errores porque aunque te equivoques estás explorando una alternativa. Nos gusta planificar las cosas -hacemos un desglose, no un story board- pero cuando vamos a rodar y los actores hacen algo diferente a lo previsto, nos adaptamos”.
Casi todos los planos de la película están rodados cámara en mano, creando una sostenida tensión que será percibida por el público. Prieto, que es también el operador, dice que prefiere el método de cámara en mano por “su inmediatez, da la sensación de que puede ocurrir cualquier cosa. Yo reacciono a lo que hace el actor en cada momento: sé casi siempre lo que va a ocurrir pero intento olvidarlo y sentir tan sólo “el momento”. Intento sintonizar con lo que están sintiendo los actores. Un director de fotografía puede distraer a un actor o hacerle perder la concentración cuando se le acerca con el visor y se pone a darle instrucciones. Intento evitar eso, ser más sensible a la situación”.
Respecto de la búsqueda estética comenta: “Los 21 gramos del título no se representan visualmente. Pero los personajes de la película están cerca de morir o alguien cercano a ellos muere. Es la muerte lo que hace avanzar las cosas en sus vidas. A través de la muerte descubren la vida. La historia es bastante fuerte pero las imágenes no lo son. El look general de la película es de una textura realista pero con aristas. La vida es bella incluso en toda su dureza”.
Ficha técnica

21 gramos (21 Grams - EUA, 2002) Dirección: Alejandro González Iñárritu / Guión: Guillermo Arriaga / Fotografía: Rodrigo Prieto / Música: Gustavo Santaolalla / Con Sean Penn, Naomi Watts, Benicio Del Toro. Duración: 124’









9. Festival de Mar del Plata en malba.cine
Vitrina Argentina
Del jueves 26 al domingo 29

“La segunda edición de la sección Vitrina Argentina, en el último Festival de Cine de Mar del Plata, cumplió con el objetivo propuesto: dar cuenta de la diversidad de las voces que hoy conforman nuestro horizonte audiovisual. Y esta selección, de diez películas y dos cortos, posibilita un acercamiento al criterio general de la totalidad de la sección: establecer un diálogo plural donde se mezclan y confrontan formatos, géneros y estéticas, quizás antitéticas, pero que sirven para reflexionar sobre la multiplicidad de las búsquedas expresivas encaradas por los creadores contemporáneos en los diferentes estratos existentes dentro de la producción local. Situada entre el documental y la ficción, la experimentación y la narración, Vitrina Argentina abre su abanico para promover tanto la difusión nacional como la proyección internacional del cine y del video nacionales. Y queda claro que si el cine argentino fuese un mapa, a diferencia de la llanura que reinaba unas décadas atrás, ahora el relieve es más que un pequeño accidente geográfico: es la base de un paisaje cada vez más imprevisible y poco afín a las legitimaciones fáciles.” Gregorio Anchou y Diego Trerotola


Los Buenos Aires, de Homero. Duración: 86'.
Entre realidad y ficción, entre Buenos Aires y Colonia, entre lo público y lo privado, la película es una experiencia de límites imprecisos, raros, imprevisibles. Los Buenos Aires resiste desde una firme mirada extraña y extrañada de lo cotidiano y del tiempo. Como vía de escape del porteñismo tradicional, Homero plantea perspectivas inusuales que generan nuevas vibraciones urbanas. Un retrato vivo perdido en el tiempo de la imaginación sensorial. Diego Trerotola


Camino por donde se hace, de Tadeo Nicolás Suárez, Fabricio Basilotta, Mariana Klas, Lucas Molina, Martín Zarlenga. Duración: 63'.
Realización colectiva de un grupo de estudiantes de la Universidad de La Plata que transita un nuevo género que se caracteriza por la búsqueda de maneras inéditas de resolver el proceso narrativo a partir de la experiencia documentalista. En este caso se utiliza el reconocimiento documental como plataforma para la evolución de un espacio sobrenatural, haciendo coincidir al primero con la modorra cotidiana de Las Flores, una pequeña ciudad de la provincia de Buenos Aires y al segundo con la llanura fantasmagórica que la cobija. Goyo Anchou


Cruzaron el disco, de Fernando Cricenti. Duración: 63'.
Esta ópera prima reúne episodios conectados desde el estilo visual, y no desde una idea de progresión narrativa. Y eso habla de una gran lucidez cinematográfica: Cricenti piensa el cine desde la puesta en escena, desde el corazón mismo de su manera de ser, no desde lo periférico y circunstancial. Pero Cruzaron el disco no es un ejercicio de cine puro, es un film felizmente contaminado por un humor aplicado a un paisaje de lo más heterodoxo que enlaza fumigadores, futbolistas, tangueros y un perro pekinés; un paisaje extraño e innovador para el cine argentino de hoy, de ayer y de siempre. DT


Días enteros bajo las piedras, de Gustavo Galuppo. Duración: 65’.
Clara y Nataniel viven en Timoka, encerrados en un espacio artificial meticulosamente regulado. La vida cotidiana de esta pareja está ajustada conforme a una regla cuya razón nunca se determina y que la reduce a una serie de acciones uniformadas y cuyo producto tampoco llega a abarcarse en su unidad. La muerte o la rebelión serían aquí las únicas salidas planteadas. Gustavo Galuppo construye en este largometraje un umbral perceptivo hacia un mundo hipnótico de ritmos y colores, ensamblados en función del goce del espectador, meta a veces olvidada en la experimentación formal. GA




Hola, de Ana Ynsaurralde. Duración: 63' + Tuercas, de Lucia Las Heras y Andrea Leiva. Duración: 3’.
Comedia urbana sobre el itinerario vital de tres jóvenes cordobeses durante el aprendizaje teórico/práctico de las técnicas de marketing, motivación y estímulo del empleado necesarias para su subsistencia laboral. El desarrollo de los efectos de esta educación profesional está desplegado a través de una novedosa puesta en escena que aplica un encuadre aleatorio que busca descentrar la mirada del espectador sobre los objetos y los personajes de manera tal que la historia sea entendida a través de un eje perceptivo recortado. GA

La exhibición de Hola será acompañada por Tuercas, corto ganador de la competencia de animación con un jurado formado por el animador Pablo Rodríguez Jáuregui, el investigador Raúl Manrupe y Nora Araujo, Licenciada en Artes.


La pasión según Ander, de Nicolás Grandi. Duración: 75'
Afincada en escenarios asfixiantes, reducida a un cruce rutinario pero angustioso y sentimental de zombis urbanos, la ficción de esta película está anclada en lugares claustrofóbicos pero también logra navegar en una puesta en escena alucinatoria. Ensimismada, La pasión según Ander es un disparo de color en la noche con la intensidad de los neones que iluminan una soledad desesperada, pero que a veces se parece bastante a la existencia más pasional. DT


Las sábanas de Norberto + Ojos, de Hernán Khourián. Duración: 66'.
El universo filosófico de Norberto Butler, cimentado a lo largo de una vida de inmovilidad física, es centro del universo de esta creación documental. Las percepciones insólitas de las más pedestres realidades desarrolladas por Norberto tienen su imagen especular en la dramaturgia audiovisual de Khourián, que construye la postración como un estado de potencia onírica superlativa: destellos mentales que disparan un tránsito hipnótico y estilísticamente vivaz. El mediometraje Las sábanas de Norberto se exhibe acompañado de Ojos, un corto anterior sobre ciegos donde, paradójicamente, Khourián prolonga la búsqueda de nuevos puntos de vista en el video documental. DT


Sed, de Mausi Martínez. Duración: 72'.
Ubicada sobre el conflicto del Acuífero Guaraní, la cámara de Mausi Martínez se desliza para encontrar aristas de una elocuencia inédita en el problema de la reserva de agua subterránea para hacerlo trascender de sus fronteras nacionales y regionales a un nivel que pone en crisis la lógica del funcionamiento mundial. Y esa nueva dimensión del problema no sólo saca a la superficie ideas e imágenes literalmente subterráneas sino que logra contener en su mirada una nueva geografía, no sólo inexplorada y sino también dramática. DT


Supermondo Trasho Unleashed, de Mariano Peralta. Duración: 75’.
Ultima producción del grupo Tetard, un conjunto de jóvenes dedicado a subvertir los discursos establecidos sobre el buen cine, el buen gusto y las buenas maneras en general. Agresiva y contestataria, esta película, realizada con el equivalente a media cuota mensual de una escuela privada de cine, presenta una amplia colección de aberraciones, tanto formales como semánticas, que violentarán al espectador más insensible hasta el límite de su tolerancia. GA


Vera Váldor, inolvidable, de Aldo Ventura. Duración: 55'.
“Y bien… Quien me está escuchando y viendo el aspecto de Vera Váldor en estas imágenes, podría preguntarse: ¿Cómo es que una actriz y mujer tan extraordinaria no haya tenido mayor difusión de su imagen y de su capacidad escénica?”, exclama Aldo Ventura, director y manager de la fallecida actriz y poeta. Y es que Vera Váldor dedicó toda su vida al arte sin jamás salir de los circuitos del underground. Un espejo para los valientes de espíritu que hoy bregan bajo la superficie de lo admitido. GA






10. Programación día por día


Jueves 5
13:30 Curso Cangi
16:00 Lotte Reiniger - Programa 1
18:00 Lotte Reiniger - Programa 1 Presentación Lic. Ricardo Parodi
24:00 Freaks de Tod Browning

Viernes 6
14:00 Lotte Reiniger - Programa 2
19:00 Lotte Reiniger - Programa 2 Presentación Lic. Ricardo Parodi
20:00 Cielo azul, cielo negro de Paula de Luque y Sabrina Farji (avant premiere)
23:00 Oscar de Sergio Morkin
24:10 Buscando a Reynols de Néstor Frenkel

Sábado 7
14:00 Las aventuras del príncipe Achmed de Lotte Reiniger
16:00 Las aventuras del príncipe Achmed de Lotte Reiniger
18:00 Las aventuras del príncipe Achmed de Lotte Reiniger Presentación Lic. Ricardo Parodi
20:00 La captive de Chantal Akerman
22:00 Las aventuras del príncipe Achmed de Lotte Reiniger
24:00 Buscando a Reynols de Néstor Frenkel

Domingo 8
14:00 Lotte Reiniger - Programa 1
16:00 Lotte Reiniger - Programa 2
18:00 Las aventuras del príncipe Achmed de Lotte Reiniger
20:00 Cielo azul, cielo negro de Paula de Luque y Sabrina Farji
22:00 Las aventuras del príncipe Achmed de Lotte Reiniger

Miércoles 11
16:30 Curso Schobert

Jueves 12
13:30 Curso Cangi
16:00 Vanguardia - Programa 1
17:10 Curso Schobert
22:00 Rolling
24:00 Freaks de Tod Browning

Viernes 13
14:00 Vanguardia - Programa 2
16:00 Vanguardia - Programa 3
17:00 Curso Schobert
20:00 Cielo azul, cielo negro de Paula de Luque y Sabrina Farji
22:00 Oscar
24:00 Buscando a Reynols de Néstor Frenkel

Sábado 14
14:00 Vanguardia - Programa 4
15:30 Vanguardia - Programa 5
17:00 Curso Schobert
20:00 La captive de Chantal Akerman
22:00 Vanguardia - Programa 4
24:00 Buscando a Reynols de Néstor Frenkel

Domingo 15
14:00 Vanguardia – Programa 1
15:30 Vanguardia – Programa 2
17:00 Vanguardia – Programa 3
18:00 Vanguardia – Programa 5
20:00 Cielo azul, cielo negro de Paula de Luque y Sabrina Farji
22:00 La captive de Chantal Akerman

Jueves 19
13:30 Curso cangi
16:00 Lotte Reiniger - Programa 1
18:00 Vanguardia - Programa 1
20:00 Lotte Reiniger - Programa 2
22:00 Vanguardia - Programa 2
24:00 Freaks de Tod Browning

Viernes 20
14:00 Vanguardia - Programa 3
16:00 Las aventuras del príncipe Achmed
18:00 Vanguardia - Programa 4
20:00 Cielo azul, cielo Negro de Paula de Luque y Sabrina Farji
22:00 Oscar de Sergio Morkin
24:00 Buscando a Reynols

Sábado 21
14:00 Vanguardia – Programa 2
16:00 Lotte Reiniger – Programa 1
18:00 Vanguardia – Programa 5
20:00 La captive, de Chantal Akerman
22:00 Vanguardia – Programa 4
24:00 Función especial Lucky Strike

Domingo 22
14:00 Lotte Reiniger – Programa 1
16:00 Las aventuras del príncipe Achmed
18:00 Vanguardia – Programa 4
20:00 Cielo azul, cielo negro de Paula de Luque y Sabrina Farji
22:00 La captive de Chantal Akerman

Jueves 26
13:30 Curso Cangi
16:00 Días enteros bajo las piedras
18:00 Camino por donde se hace
20:00 Oscar
24:00 Supermondo Trasho Unleashed

Viernes 27
14:00 Las sábanas de Norberto + Ojos
16:00 La pasión según Ander
18:00 Vera Váldor, inolvidable
20:00 Cielo azul, cielo negro de Paula de Luque y Sabrina Farji
22:00 Ciclo “Tecnología de punta. Usos y abusos de la ciencia”
24:00 Ciclo “Tecnología de punta. Usos y abusos de la ciencia”

Sábado 28
14:00 Las sábanas de Norberto + Ojos
16:00 Cruzaron el disco
18:00 Espacio ADF: 21 gramos de Alejandro González Iñárritu
20:00 La captive de Chantal Akerman
22:00 Ciclo “Tecnología de punta. Usos y abusos de la ciencia”
24:00 Buscando a Reynols de Néstor Frenkel



Domingo 29
14:00 Hola + Tuercas
16:00 Los Buenos Aires
18:00 Sed
20:00 Cielo azul, cielo negro, de Paula de Luque y Sabrina Farji
22:00 Ciclo “Tecnología de punta. Usos y abusos de la ciencia”