Malba - Fundación Costantini - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
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Prensa

malba.cine / Comunicado de prensa
28 de marzo de 2005


PROGRAMACIÓN ABRIL 2005


1. Chantal Akerman. Una autobiografía
Retrospectiva fílmica: del 7 de abril al 1 de mayo
D´Est. Al borde de la ficción. Video instalación (1995): del 8 de abril al 30 de mayo
Charla abierta libre y gratuita con la directora: sábado 9 de abril a las 18:00


2. Buenos Aires VII Festival Internacional de Cine Independiente
(BAFICI)
Del 12 al 24 de abril
La acreditación al BAFICI debe realizarse a través del site del festival: www.bafici.gov.ar


3. Continúa Film del mes XIII
Oscar de Sergio Morkin (Argentina, 2004)
Viernes y sábados a las 22:00


4. Prohibidas por la censura, autorizadas por la justicia
Presentado por la revista La cosa y el laboratorio Cinecolor
Del viernes 29 de abril al domingo 1 de mayo


5. Espacio ADF
Organizado por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF)
Un recorrido por la historia de la dirección de la fotografía en el cine.
Hero, de Zhang Yimou (Hong Kong- China, 2002)
Sábado 2 de abril a las 18:00


6. Programación día por día







La programación completa puede consultarse en www.malba.org.ar y en las carteleras del museo. Entrada general: $5.- Estudiantes y jubilados: $2,50. BAFICI – Entrada general: $5.- Estudiantes y jubilados: $3

Las entradas se pueden retirar con anticipación en Malba – Colección Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6507 | F +54 (11) 4808 6598/99 | info@malba.org.ar | www.malba.org.ar

Gracias por su difusión. Contacto de prensa: Elizabeth Imas / Guadalupe Requena | T +54 (11) 4808 6520/6507 | F +54 (11) 4808 6599 | eimas@malba.org.ar | prensa@malba.org.ar |





1. Chantal Akerman. Una autobiografía
Retrospectiva fílmica: del 7 de abril al 7 de mayo
D´Est. Al borde de la ficción. Video instalación (1995): del 8 de abril al 30 de mayo

Charla abierta libre y gratuita con la directora: sábado 9 de abril a las 18:00

Malba - Colección Costantini presenta, en el marco del Buenos Aires VII Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), un homenaje a la cineasta belga Chantal Akerman (Bruselas, 1950), una de las mas grandes exponentes del cine contemporáneo, distinguida por su variedad de registros, desde el documental hasta los ensayos mudos pasando por los musicales y las ficciones lúdicas.

Junto a la presencia de la cineasta en Buenos Aires podrá verse, por primera vez en Latinoamérica y acompañadas de una video instalación, Chantal Akerman, una autobiografía, una retrospectiva fílmica que recorre toda la obra de la cineasta y que incluye sus primeros cortometrajes así como sus largometrajes más característicos.

Exceptuando Un diván en New York (1996), la obra de Chantal Akerman permanece aún inédita en la Argentina. Esta retrospectiva nos permite recorrer su obra casi por completo, comenzando por su primer cortometraje filmado a los dieciocho años en Bruselas Saute ma ville (1968), como también su primer largometraje (Je Tu Il Elle), de 1974, que, al igual que su primera película, la tiene como protagonista. Jeanne Dielman, 23, Quai de commerce, 1080, Bruxelles (1975), es, sin dudas, la película mas importante de la directora belga: una especie de manifiesto del cine de la duración y de la radicalidad narrativa donde se narran tres días de la vida de una prostituta amateur.

Luego, Akerman toma como tema los recorridos citadinos, por un lado, con News from home (1976), una película ensayo que describe momentos precisos en New York y, por otro, los recorridos de Anna por Europa en Les rendez vous d´Anna (1978). Esta posición frente a la ciudad se hará luego evidente con Toute une nuit (1982), en donde una coreografía incesante de encuentros y desdencuentros en una nocturna Bruselas la convertirá en una de las cineastas cuyas películas serán una y otra vez revitalizadas por la crítica. Podrán verse, además, entre otros títulos, la trilogía de documentales D´Est, Sud y De l´autre côté y también Golden Eigthies (1986), un musical que narra la vida de una galería de compras, Hotel Monterey (1972), una película muda que explora un hotel para indigentes de New York, y La captive (1999), la historia de un amor obsesivo y enfermo.



D´Est. Al borde de la ficción
Video instalación (1995)
Del 8 de abril al 30 de mayo
Inauguración: jueves 7 de abril a las 19:00. A las 21:00 se proyectará el film Chantal Akerman par Chantal Akerman (1996)

El documental D’ Est (1993) es la primera película a partir de la cual Akerman realizó una video instalación en 1995, y se verá ahora en las salas de Malba durante dos meses. Desde entonces, su incursión en el espacio del arte ha sido habitual, realizando hasta la fecha seis video instalaciones, que se han exhibido en importantes espacios como el Centre Pompidou de París, Documenta Kassel (Alemania), Bienal de Venecia, Musée d´Art Contemporain de la Ville de Paris, The Jewish Museum (Nueva York); San Francisco Museum of Modern Art y la Galerie National du Jeu de Paume de París.

Filmada en super 16 mm para la televisión, y rodada en Alemania, Polonia, Rusia y Moscú, D´est refleja la poética y la política formal de la autora. Tomando rostros impenetrables o grupos de gente, Akerman hace un registro íntimo de Europa del Este que ella describe como
un “mundo desorientado, con esa impresión de posguerra en el que cada día vivido parece una victoria.”


La película forma parte de una trilogía de obras que exploran situaciones históricas específicas, a través de una mirada atenta a los modos en que dichos contextos están internalizados en los sujetos y sus entornos, en las impresiones cotidianas y en los paisajes. Luego de D’ Est, Akerman filmó Sud (1998), acerca de la violencia racial al sur de los Estados Unidos, y De l’ autre coté (2002), una obra sobre la frontera entre la ciudad norteamericana de San Diego y la mexicana de Tijuana.

Biografía
Chantal Akerman nació en Bruselas (Bélgica) en 1950, de una familia de judíos emigrados polacos. Muy joven, comienza a realizar sus propias películas, terminando su primer film a los 18 años: Saute ma ville (1968). Estudia en la Universidad Internacional de Teatro en Paris. Se instala en Nueva York, donde toma contacto con el cine experimental: especialmente, con las películas de Andy Warhol, Jonas Mekas y el canadiense Michael Snow. Filma su primer mediometraje, Hotel Monterrey, en 1972. En 1974 filma Je tu il elle, donde además es la protagonista. En 1975 realiza Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, una película que es considerada su obra maestra. La obra es un éxito de crítica; el Festival de Venecia le dedica una retrospectiva. En 1979, después de vivir un año en Los Angeles, regresa a Bélgica, donde realiza una serie de proyectos para televisión. En 1982 filma Tout une nuit. En 1983 realiza un documental sobre la coreógrafa alemana Pina Bausch y en 1985 filma Golden Eighties, una comedia musical. En 1988 regresa a los Estados Unidos a filmar Histories d’ Amerique, su primer largo en lengua inglesa. En 1993 realiza D’ Est, que presenta como instalación multimedia en 1995, en una muestra itinerante que se inicia en Estados Unidos y pasa por Paris, Bruselas, Valencia y Wolfsburg, Alemania. A partir de entonces, realiza otras video-instalaciones partiendo de sus films: Selfportrait: Autobiography in Progress, 1998, presentada en el Centre Georges Pompidou, Woman Sitting after Killing, 2001 presentada en la Bienal de Venecia de 2001, y From the Other Side, 2002, presentada en la documenta de Kassel, de 2002.




Retrospectiva fílmica

Chantal Akerman par Chantal Akerman
[Chantal Akerman por Chantal Akerman] (Francia/ 1996/ 63’/ Color)

Una película realizada para la serie de televisón Cinéma de notre temps [Cineastas de nuestro tiempo]. Akerman no entrega un autorretrato, sino que se enfrenta al espejo exigente de sus imágenes. La revisión es la oportunidad para delimitar los núcleos que trabajan por dentro su obra, como la trasgresión o la duración.

“El espectador debe ser un verdadero Otro, el cine no debe ser una máquina que incorpore y absorba al espectador. De ahí la frontalidad de mis planos o el tiempo recompuesto que representa una experiencia física. El espectador no debe olvidar el tiempo y ser engullido por la historia. Creo que en mi cine el espectador nunca puede olvidarse a sí mismo y, por lo tanto, no puede estar en una relación de idolatría”. Chantal Akerman.

“Chantal Akerman parece casi disculparse por su aparición al inicio de Chantal Akerman par Chantal Akerman. Lo que ocurre es que, ella dice, que nosotros la forzamos a introducir algunas imágenes y palabras suyas, en esta película encomendada por Janine Bazin y André Labarthe por la serie “Cinéastes de notre temps”.
Chantal Akerman comienza por explicar que ella considera “con desaliento el artificio de la sinceridad”. Ella se corre a un borde de cuadro, vestida de negro, en plano general, leyendo un texto preparado para la ocasión. Qué ha devenido el cuerpo de la cineasta que se precipitaba en las imágenes de “Saute ma ville” o “Je Tu Il Elle”, quizás sin la más completa sinceridad pero, como dice al presentar(se), “sin vergüenza”.” **


Saute ma ville
(Salteo mi ciudad, Bélgica, 1968) c/ Chantal Akerman. 13’.

“[...] Cantando. O riendo, saltando como en mi primera película, aullando y cantando ¿No soy yo, mi imagen, o algo de ese estilo, que mientras tanto se volvía loca? ¿Pero entre qué y qué? En el fondo, podría haberme detenido ahí. Canto, bailo, como, limpio, salto.
Pero no, el cine ya me poseía. Como una libertad y una esclavitud. Ambas. He terminado esta película y ahora ¿Y ahora cuál será la siguiente? ¿Y la siguiente, y la siguiente?”

En “La heladera está vacía. Podemos llenarla” por Chantal Akerman.*

Hotel Monterey
(Bélgica, 1972)
Fotografía y cámara: Babette Mangolte, Montaje: Geneviève Luciani, 63’.

[...] Ya no vemos un pasillo, sino rojo, amarillo, materia, como por ejemplo en Hotel Monterey. La materia de la película. En una suerte de ir y venir entre lo abstracto y lo concreto.
Pero lo concreto, me parece, no es lo contrario de lo abstracto. La materia de la película también es concreta.
Y además, hay un momento en el que nos acordamos de que ese amarillo brillante es un pasillo y de que ese rojo oscuro es un puerta, una puerta que necesariamente debe conducir a una habitación y que esa habitación esté tal vez ocupada por una anciana, la misma que vimos abajo, en el vestíbulo del hotel, con su sombrero y sus piernas todas flacuchas.
Sí, se pueden pensar tantas cosas cuando se ve por mucho tiempo un pasillo vacío de un hotel, sobre todo cuando mucho antes se ha visto quién iba a sentarse en un momento u otro en un banco en ese mismo hotel.
Y un árbol. Si se lo filma en el sur de los Estados Unidos, si está allí desde hace un tiempo, podemos recordar que en ese mismo sur, hace no mucho, se colgaban a hombres y mujeres.”

En “La heladera está vacía. Podemos llenarla” por Chantal Akerman.*



La chambre
(La habitación, Bélgica, 1972)

Fotografía y Cámara: Babette Mangolte, Montaje: Geneviève Luciani,
Interpretación: Chantal Akerman. 11’

Una larga y lenta panorámica describe, reiteradamente y sin detenerse, el espacio de una habitación. En una cama Chantal Akerman, primero sentada inmóvil; luego, cuando la cámara vuelve a panear, comiendo una manzana. Se trata tanto de un autorretrato de la cineasta en su lugar predilecto, como también del equivalente para su cine, de una naturaleza muerta: el rejunte de sus motivos mobiliarios en una descripción repetitiva para luego darles un nuevo uso.**


Le 15/08
(El 15/08, Bélgica, 1973)
Guión, Fotografía y montaje de Chantal Akerman y Samy Szlingerbaum. Con Chris Myllykoski

“ [...] En 1973, Chantal Akerman filma, con la ayuda de su amiga y cineasta Samy Szlingerbaum, a otra estudiante extranjera durante su estadía parisina – la finlandesa Chris Milykosky. La película, sin embargo, no se llama Chris à Paris, sino Le 15/08. De la relación entre una adolescente en plena formación y una ciudad cargada de Historia, sólo queda una fecha estival, sinónimo de vacaciones y de calor excesivo.”

Fragmento de “Le 15/08” por Patrice Blouin.*


Je Tu Il Elle
(Yo tu él ella, Bélgica, Francia, 1975)

“¿Dónde estamos?

[...]“En la habitación de una joven mujer que tiene hambre, que tiene frío. Que escribe cartas a un(a) destinatario desconocido(a), poco a poco vacía su habitación de sus objetos inútiles, un poco como se vacía el alma de sus angustias. Sólo queda un colchón. Esta habitación, empieza a ser el lugar de una experiencia íntima de la cual la joven mujer sería a la vez la rata de laboratorio y la analista salvaje. Una experiencia física de la soledad, donde ella se pierde en los ciclos del tiempo – con el riesgo de perderse a secas. Una tentativa de agotamiento de un lugar (que se vacía), de una escritura (que se deseca), luego de sí mismo (que se encierra; que se cansa, que se olvida)”.

En “Je Tu Il Elle” por Magalie Genuite y Philippe Azoury.**


Jeanne Dielman, 23, Quai de Commerce, 1080, Bruxelles
(Bélgica, Francia, 1975)

“[...]Cuando Delphine Seyrig está sentada en un sillón durante minutos enteros en Jeanne Dielman, no sólo pensamos en un pasado cercano o remoto, de pronto nos damos cuenta de que si ella tenía tan bien organizada su vida era para no dejar ningún hueco en su día, era para no dejar lugar a la angustia del hueco.
¿A la suya solamente? No. No solamente.
Además, ella, sentada siempre con un delantal de cuadraditos azules y blancos en un sillón de terciopelo dorado, puede evocar también a otra mujer. Una mujer de los años cincuenta, o sesenta, o setenta, u ochenta, o noventa, o inclusive una mujer de hoy en día.
Y si el plano no estuviera ahí más que por algunos segundos, los segundos suficientes para hacer avanzar la narración, ¿tendría el tiempo de hacer pensar en todas esas mujeres y también en esos hombres sentados en algún momento de su vida? No, estoy segura de que no.


El tiempo no se encuentra sólo en el plano, existe también en el espectador que lo mira de frente. El espectador siente este tiempo en él. Sí. Aunque se haga el que se aburre. Y aunque realmente se aburra y espere el plano siguiente.
Esperar el plano siguiente es también sentirse vivir, sentir que uno existe. [...] ”.

En “La heladera está vacía. Podemos llenarla” por Chantal Akerman.*


News from home
(Noticias de casa, Bélgica, Francia, 1976)

Con travellings o largos planos fijos de Nueva York (subterráneo, calles, fachadas), que cuentan a los saltos su vida cotidiana, la cineasta lee en inglés cartas enviadas desde Bélgica por su madre, cordón umbilical que la vuelve a unir a su novela familiar.
La palabra y la imagen, una en el umbral de la otra, terminan por confundirse cuando la ciudad cede el plano al cielo y al agua. Del otro lado del mar, la madre.**


Les rendez-vous d’anna
(Los encuentros de Anna, Bélgica, Francia, Alemania, 1978)

[...] Me acuerdo de un momento preciso durante la preparación de los Rendez-vous d’Anna. Para esto es necesario saber que Chantal se ocupa de todo en sus películas, en particular del vestuario. Y sabemos que una vez que el vestuario está puesto y los zapatos en los pies, se puede empezar a entrar de a pasitos en el trabajo. Ella me hablaba mucho del par de zapatos que debía llevar Anna. La altura, el ruido de los tacos sobre el suelo. Fuimos juntas a hacer las compras. Era una manera suya, entre tantas otras, de hacerme entender quién era Anna. Recorrimos muchas tiendas durante mucho tiempo. Salíamos con las manos vacías. El día que encontramos esos “zapatos”, supe que podía encajar en mis zapatos y en el cuerpo de Anna.
Entendía también y, sobretodo, la importancia de subir y de bajar, ir derecho, los pies en el suelo con el paso glacial de las estaciones de Alemania. Partir, atravesar la multitud, los andenes, volver y continuar. A través de esto, ella contaba la historia de Europa, a través del vagabundeo de Anna. [...]

En “Mon amie Chantal Akerman, écrivain-cinéaste” por Aurore Clément.**


Aujourd’hui, dis-moi/ dis moi
(Hoy, dime/ dime,Francia, 1982). Película realizada para la serie de televisión Grand-mères [Abuelas]

Chantal Akerman parece tomar al pie de la letra el título de la serie televisiva propuesto por Jean Frapat, “Grand-mères” [abuelas], en plural: dado que no se tratará de ir a filmar a su abuela para hablar de sus cuestiones familiares, para decirse (“dime”), sino de un mismo movimiento de visitar y de evocar abuelas. Las tres entrevistas se suceden alrededor de una figura ausente, la abuela materna de Chantal Akerman, deportada cuando tenía treinta años.
Estas mujeres no son elegidas al azar: judías, todas ellas han experimentado la migración de países del este hacia Francia, y a su vez la deportación. Pero el gesto de Akerman no es generacional, ella no intenta dibujar el retrato de su abuela mediante trayectos que se le acerquen. Más bien lo contrario, no cesa de mezclar las generaciones: las tres mujeres no tienen la misma edad, una incluso parece joven para ser abuela, las tres se entretienen con su relato sobre generaciones diferentes.

En “Aujourd’hui, dis-moi/ dis moi“ Por Stéphane Delorme.**


Toute une nuit
(Toda una noche, Bélgica, Francia, 1982)

Toute une nuit ha sido […] una película decisiva y liberadora. Marcada por una evidente libertad de filmar, beneficiada por la rigurosa radicalidad de las películas anteriores, la cineasta


conquistó entonces una confianza intuitiva más grande aún en la musicalidad del montaje. Los planos secuencias no se encadenan según las leyes de un seguimiento narrativo detrás de los personajes. Son pequeños bloques anecdóticos que, separados, importarían poco, sin duda. Pero unidos, cualquiera sea el orden, forman una constelación empática, una suerte de vía láctea sentimental a merced del vagabundeo nocturno en una ciudad.

En “Toute une nuit” por Dominique Païni.**

L’homme à la valise
(El hombre de la valija,Francia,1983). Película realizada para la serie Télévision de chambre [Televisor de habitación] encargo del INA (Institut National de l´Audiovisuel)

En 1981, el INA encargó a varios cineastas la filmación de un mediometraje de ficción con una única restricción: unidad de lugar. Chantal Akerman pone en escena una experiencia real. Durante una larga ausencia, Akerman había prestado su departamento a unos amigos. A su regreso, cuando tenía que trabajar en la escritura de Golden Eighties (cuyos fragmentos musicales aparecen frecuentemente en esta película), uno de ellos vuelve y se instala. La película es el diario íntimo de esta convivencia no deseada y obsesiva. A medida que pasan los días, la realizadora va desarrollando los más variados avatares desopilantes: sorpresa, desdén, hostilidad, espionaje, evasión, atrincheramiento y, finalmente, alivio.

“La película comienza con un cartel: “Primer día. Luego de dos meses de ausencia durante los cuales le había prestado mi departamento a un amigo, regreso a mi casa para trabajar”. Ruido de ascenso de escaleras. Akerman está sobre el umbral. De la película y del departamento. Hay una vacilación, ínfima, pero bien comprensible, al volver a encontrarse con su antro, al comenzar su nueva película (dos de hecho, esta película pero también la que Ella debe escribir, razón por la cual regresa a su departamento). Ella entra.”

En “El hombre de la valija” por Dick Tomasovic.**


Golden eighties (la galerie)
(Dorados años ochenta -la galería-, Francia,Bélgica,Suiza, 1986)

“Golden Eighties [...]parece por un lado no emocionar porque se cantan obritas ingeniosas y malas palabras, porque se llevan vestimentas amarillas y naranjas y grandes aros típicos “golden eighties”. Y del otro, el encantador príncipe Robert quien ya ha sido comido por el lobo Lili vestido de rojo. Todo esto sobre una galería comercial en un subsuelo, privada de la luz del día.
La vida circula en todo sentido. Es un desorden orquestado. Los extras pasan de vez en cuando a primer plano y empujan a los personajes principales. En esta galería se producen encuentros, se reencuentra, se traiciona, se viven esperanzas y renuncias. Excepto una breve escapada en una sala de cine, el espacio íntimo ya no existe. Todo se ve, todo se oye o todo se sabe en esta galería comercial donde las vidrieras y los probadores niegan que las personas tiene cosas para decir que sólo tienen que ver con ellos. Y no con “toda la galería”.”

En Golden Eigthies por Claire Vassé.**


Letters home
(Cartas a casa, Francia, 1986)

Registro de un espectáculo puesto en escena por Françoise Merle en 1984. A partir de la correspondencia de Sylvia Plath, seleccionada por Amelia Plath, Fotografía y cámara: Luc Benhamou, Montaje: Claire Atherton, Producción: Jacor Productions Théâtrales – Centre Simone de Beauvoir, Con Delphine Seyrig, Coralie Seyrig. 104’.






“¿De dónde viene entonces esta sensación de rabia y de alegría cuando el espectador ve esta película? ¿De dónde surge esta angustia, este presentimiento previo a la catástrofe? ¿Por qué estamos pasmados, en este punto, por ese viento de libertad a la vez en la realización y en cierta atmósfera de suspenso psicológico?
Sin duda porque el cine ha sabido unir dos voces para componer una suerte de concierto desgarrador de una madre que se sabe que no podrá hacer nada para proteger a su hija, una joven que sabe que no puede luchar contra el desbordamiento de su ser que, por esencia, la condena a desaparecer.”

En “Cartas a casa” por Laure Adler.**


Histoires d’amérique: food, family and philosophy
(Historias de América: comida, familia y filosofía,Francia-Bélgica, 1988)

“Histoires d’Amérique es [...] una película de fantasmas, filmada en una ciudad fantasma, que afronta una violencia sorda del trabajo simbólico de la muerte. “No estoy ni muerta ni viva” dice Eszter Balint. “Tal vez somos fantasmas” dice un transeúnte a otro. “¿Pero fantasmas que vienen de dónde?” “¡No lo sé y no quiero regresar!” Chantal Akerman nos hacer atravesar ese Styx que constituye el East River donde ondula el reflejo, ahora melancólico, de rascacielos de Nueva York de los años 80, su barca nos hace penetrar en el reino de los muertos y trata de responder a esta pregunta aún esencial para nuestro tiempo: “¿cómo se puede hacer cine luego de Auschwitz?”.”

En “Histoires d’Amérique” por Berenice Reynaud.**


Les trois dernières sonates de Franz Schubert
(Las tres últimas sonatas de Franz Schubert, Francia, 1989)

Dispositivo minimalista y transparente de la escucha a la que se somete la cineasta: el gran pianista Alfred Brendel ejecuta las sonatas de Schubert y es filmado o bien en plano entero, de perfil, o bien en primer plano, con la cara frente a cámara. No solamente se trata de no distraer la escucha, de no agregar otros contenidos a la música, sino también de revelar, únicamente a través del poder del registro, cómo la música resuena en el cuerpo de su intérprete.**


Nuit et jour
(Noche y día, Francia, Bélgica, Suiza, 1991)

Nuit et jour, a pesar de las ilusiones onomásticas, no es una reescritura de Jules et Jim. A Julie, Jack y Joseph les pasa otra cosa. No es que solamente la muerte no está al final; es que viven otra experiencia. El trío de Jules et Jim vivía la aventura de una gran felicidad: no del todo el paraíso de los amores infantiles por supuesto, pero en fin, no tan lejano. El de Nuit et jour vive más bien el descubrimiento de la desgracia.

En “Nuit et jour” por Stéphane Bouquet


Le déménagement
(La mudanza, Francia, 1992)

Clavado a la pantalla por un zoom antes que lo aluda durante los 45 minutos de la película, el hombre se convierte, como la pequeña foto al fondo del departamento de Wavelength de Michael Snow, esta fase intensiva de una imagen tan cercana que todo el espacio podría repentinamente ser aspirado: lejanamente él se extrae y dice finalmente, frente a cámara, solo: “aquí estoy”.

En “Le déménagement” por Cyril Beghin


D’Est
(Del Este, Francia, Bélgica, 1993)

“Rodada en Alemania, Polonia, Rusia y Moscú, D´Est, lejos de toda pretensión realista, de exhaustividad o de análisis erudito del “fin del comunismo”, restituye la experiencia de un sujeto enfrentado a la opacidad duradera de las cosas y de los hechos: “Todo lo que me conmueve. Rostros; calles que terminan; autos que pasan y autobuses; estaciones y llanuras; ríos y mares; riachos y arroyos; árboles y bosques. Campos y fábricas, y de nuevo caras; comida; interiores, puertas y ventanas, y la preparación de la comida. Mujeres y hombres; jóvenes y viejos que pasan o que se detienen, sentados o de pie, a veces hasta acostados. Días y noches; lluvia y viento; nieve y primavera”. Ni investigación ni diario de viaje, sino “escrito” realizado al regresar de una estadía para preparar un proyecto sobre la poetisa Anna Akhmatova (en el “después” de las impresiones, los recuerdos y las emociones), la película registra una multitud de impresiones visuales y sonoras ―los accidentes ínfimos de un paisaje desolado, de una ruta desierta o de un cielo gris atravesado por nubes, las escenas comunes de la vida cotidiana extrañamente banal de la ex URSS.”

En “D’Est: Variaciones Akerman” por Catherine David*


La captive
(La cautiva, Francia-Bélgica, 1999) / color

“Tengo 26 años y leo en un guión: “La Captive”, una adaptación de uno de los libros de Marcel Proust.
La historia de Ariane y de Simon.
Apenas puedo dormir cuando cierro el guión.
He cerrado el guión y tengo esta sensación de haber cerrado un mundo que apenas acabo de percibir.
He leído durante una hora y media. Me encontré sumergida en un universo que no conozco.
Sé que no he entendido. Sé que me faltan algunos elementos. Sé que estoy alterada ¿Por qué? ¿Cómo es posible?
Sí, quiero conocer a Chantal Akerman.”

En “La Captive- J´ai faim, j´ai froid” por Sylvie Testud.**


Sud
(Sur, Francia-Bélgica, 1999)

“También tengo ganas de ir a ver allí cuál es el precio del milagro americano, sobre la espalda de quién se carga en este mismo momento la acumulación de riquezas más importante que se haya visto nunca pero también, y sobre todo, si este paisaje conserva los rastros o el recuerdo de alguna otra cosa que no sea su propia belleza. Y agregaba: filmar la naturaleza, naturaleza que esconde sangre y osario. Ese reflejo del sol sobre una ciénaga barrosa.”

En “La heladera está vacía.Podemos llenarla” por Chantal Akerman*, fragmento de una carta
de Chantal Akerman escrito a raíz de Sud.


De l’autre côté
(Del otro lado, Bélgica, 2002)

[...]“Y esas filas, esas estaciones, todo aquello resonaba en mí, era el eco de ese imaginario, de ese hueco en mi historia… Y en el sur, cuando veía esos árboles, inquietante familiaridad, y aún más familiar en el agujero de mi imaginario.
En De l’autre côté, la frontera bordeada de lámparas halógenas de vigilancia, no me atrevo a decir en lo que eso me hacía pensar.
Le mostré esos planos a mi madre, en mi cocina, donde Claire y yo comenzábamos a editar, y le pregunté: mamá, ¿esto te hace acordar de algo? Simplemente me respondió: ¿por qué me preguntas eso, si ya lo sabes?”

En “La heladera está vacía. Podemos llenarla” por Chantal Akerman*.


*En Chantal Akerman, una autobiografía. Edición Malba-Colección Costantini, 2005. Catálogo publicado en el marco de la retrospectiva de Chantal Akerman en Malba- Colección Costantini.

**En Chantal Akerman, autoportrait en cinéaste. Éditions Cahiers du cinéma/ Éditions du Centre Georges Pompidou publicado en el 2004 en el marco de la retrospectiva integral organizada en el Centre Pompidou, París en homenaje a Chantal Akerman.


Funciones especiales en homenaje a Chantal Akerman

A modo de complemento de la retrospectiva de Chantal Akerman, también se proyectarán las películas de dos de los máximos exponentes de la llamada post-nouvelle vague: Philippe Garrel y Jean Eustache; y un corto de Agnés Varda, directora belga con quien se suele comparar la obra de Akerman.

La mamá y la puta, de Jean Eustache
(La maman et la putain, Francia, 1973)
Guión y dirección: Jean Eustache, Fotografía: Pierre Lomé, Con Bernadette Lafont, Jean-Pierre Léaud, Françoise Lebrun, Vincent Lindon. 200´.

Mientras Chantal Akerman preparaba su primer largometraje y filmaba el medio metraje Le 15/8, Jean Eustache filmaba los legendarios doscientos minutos de La maman et la putain. El crítico Serge Daney llegó a definir esta película como “el mejor film francés de los setenta. Sin él no conservaríamos ningún rostro que nos sirviera para recordar a los hijos perdidos de Mayo del ‘68. Perdidos y ya avejentados, parlanchines y obsoletos: Lafont, Léaud y sobre todo Françoise Lebrun, su chal negro y su voz obstinada. Sin él, no quedaría nada de todo esto.”


El ministerio del arte, de Philippe Garrel
(Les ministères de l´art, Francia, 1988)
Philippe Garrel entrevistó a varios cineastas de su generación, entre ellos, Chantal Akerman, Jacques Doillon, André Téchiné y Léos Carax quienes conversan con Jean-Pierre Léaud y Juliette Berto.

Esta película permite poner en contexto a Chantal Akerman con sus contemporáneos, como a su vez conocer su opinión acerca de los avatares del cine y del rol del cineasta en su tiempo.

Elsa la rose, de Agnés Varda (1966)






2. Buenos Aires VII Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI)
Del 12 al 24 de abril
Durante el mes de abril Malba será, nuevamente, una de las sedes del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, que en 2005 realiza su séptima edición.
Además de la retrospectiva fílmica Chantal Akerman, una autobiografía, producida íntegramente por Malba para el festival, se exhibirá en el auditorio del museo una selección de la programación que incluye, entre otras propuestas, una retrospectiva dedicada al cine producida por artistas como Matthew Barney, Dominique Gonzalez-Foerster, Ange Leccia, Martín Sastre, Shelly Silver, Bruce Connor y Tracey Emin, incluyendo trabajos de los reconocidos fotógrafos Henri-Cartier Bresson y Nan Goldin; un ciclo dedicado a la obra cinematográfica del fotógrafo Robert Frank; la presentación de Ronda nocturna, último film de Edgardo Cozarinsky; y una retrospectiva dedicada a Caroline Leaf, una de las máximas realizadoras del cine de animación.

Cine de artistas

Programa 1 : Borderlines

CAVE TRILOGY: LASSO, CAVE, THRILLER
Trilogía de la cueva: Lasso, Cave, Thriller
Finland 2000-2003, 3 x 10’, DVD
dir: Salla Thika
c/Tuomo Aho, Saija Lentonen
Cortesía de la Galerie Yvon Lambert, Paris / New York

“El artista vive como ejemplo para toda la sociedad en situaciones fronterizas, confronta con tales perversiones y pesadillas, que provoca miedo en otras personas”. Esta cita de la artista francesa Annette Messager, se puede usar muy bien para las películas de Salla Tykkä, que se vale de recursos clave del psicoanálisis y el cine de género para realizar cortos sobre el desarrollo sexual de una chica que se convierte en mujer. La trilogía Cave cuenta 3 situaciones, filmadas en 35mm, que muestran a una joven (interpretada por tres actrices distintas) en distintas aventuras y encuentros misteriosos. Las tres películas mantienen un alto grado de emoción pero el suspenso nunca se resuelve, dando la idea de ser fragmentos de un relato mayor.
Salla Tykkä nació en 1973, vive y trabaja en Helsinki. Ha realizado varias exposiciones Irrumpió con el corto Lasso en la Bienal de Venecia, 2001


LOVE IS A TREASURE
Finland 2002, 55’, 35mm.
dir: Eija-Liisa Ahtila
Prod.: Crystal Eye, Helsinki
Con Amira Khalifa, Ullariikka Koskela, Marjaana Maijala.

Eija-Liisa Ahtila pone en escena mujeres en situaciones psicológicamente extremas, tanto en sus películas como en instalaciones de video, de uno y del otro lado de la frontera que separa patología y la locura. Trabaja con equipos grandes y efectos especiales minuciosos, que interumpen como incidentes la vida cotidiana de sus protagonistas. Para todas sus películas recurre a historias de enfermedades reales, que usa después de largas entrevistas para sus dramas cortos de apariencia realista. Para Love is a treasure utilizó cinco de sus obras, normalmente mostradas como instalaciones multi-canal (entre otras La casa y El viento).
Eija-Liisa Ahtila nació en 1959, vive y trabaja en Helsinki. Realizó exposiciones en Berlin, Paris y Nueva York. Tuvo sus primeros grandes éxitos en la Bienal de Venecia de 1999 con su instalación Consolation Service.


Programa 2 : ARTE CARNAL

ANGELA E ALFONSO
Italia 2001, 6’, DVD
Dir: Constantino Costa
Cortesía de Galleria Massimo de Carlo

Una pelicula tensa, fuerte y shockeate sobre una mutilación corporal. Artista de performance, Diego Perrone cuenta la historia de una herida cruel y aparentemente sin sentido. Un hombre corta, durante una tarde en un auto, la oreja de su novia con aprobación de ésta. No se indica la prehistoria o la secuela de la situación, porq lo que el film podría funcionar como prólogo de Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986) de David Lynch, que empieza, como sabemos, con el hallazgo de una oreja cortada en el césped.
Diego Perrone Nació 1970 en Asti. Vive y trabaja en Berlín y Milán. Participó en varias exposiciones de grupos internacionales, como la Bienal de Venecia 2003.


ORLAN, CARNAL ART
Francia 2002, 75’, 35mm.
Dir.: Stéphan Oriach
Prod.: Myriapodus Films, Paris

Normalmente se usa el bisturí del cirujano para salvar vidas. El punto de partida de la performance de la artista francesa Orlan es totalmente distinto: el bisturí sirve como instrumento para producir arte. Y la obra de arte es la artista misma. Desde hace casi treinta años Orlan usa su cuerpo como instrumento pictórico y al mismo tiempo como tela. Este documental muestra operaciones quirúrgicas montadas como performances en las que Orlan se hace transformar la propia cara poco a poco en un puzzle de pinturas famosas, mientras tanto recita poemas y textos. Su tema es la identidad femenina, y el objetivo de su trabajo, transformar la Orlan real en una ficticia, una persona de la historia del arte y del cine
Orlan. Nació en Algeria en 1949. Vive y trabaja en Paris y Nueva York. Desde mediados de los setentas realiza performances en las que aparece como Santa Orlan. En 1990 se hizo la primera operación cosmética. Desde entonces realizó varias exposiciones particulares, en Paris, Bombay o Nueva York. Actualmente colabora con el director canadiense David Cronenberg en un película sobre su arte.


Programa 3 : CARNAVAL Y CIVILIZATION

UNDER TOW
Alemania 2003, 3’30’’, DVD

ACT OF CONTRITION
Alemania 2004, 2’40’’, DVD

Dir.: Anthony Goicolea
Cortesía de Galerie Aurel Scheibler, Cologne

El español Goicolea describe en sus breves clips pesadillas de la vida de jóvenes en su pubertad: observa una polución nocturna, tira a un chico -con pies en betún- a una pileta o transforma un confesionario, en el que otro muchacho reza, en un ascensor que sube y baja. Sus temas son la sexualidad masculina, el catolicismo, la educación, la Iglesia y la homosexualidad. Siempre utiliza trucos fílmicos en decorados aparentemente realistas para conseguir el efecto surreal deseado. Sus películas deben aparecer como una imagen pintada o fotográfica.
Anthony Goicolea nació en 1971 en España. Vive y trabaja en Nueva York. Ha realizado varias exposiciones de sus fotos y dibujos y, desde hace dos años, también de sus videos.


MEMORY BUCKET
Gran Bretaña, 2003, 21’45’’, DVD


Dir.: Jeremy Deller
Cortesía de Galerie Art / Concept, Paris

Durante una beca de dos meses en Texas, el artista conceptual inglés captó sus impresiones en un video que transcurre básicamente en dos lugares: Crawford, rígida zona republicana, patria de la familia Bush, y Waco, donde en 1993 tuvo lugar el sitio de una secta por el FBI, que derivó en masacre. Deller visita ambos lugares, habla con un sobreviviente de Waco y combina entrevistas, documentos, fotos y documentales con el tema dominante de su arte desde hace 10 años: la musica. Deller recibió el premio de arte inglés mas importante –el Turner- el año pasado con este film.
Jeremy Deller nació en 1966 en Londres. Desde 1992 ha realizado varias exposiciones particulares en galerias, pero también en Museos en Londres, Paris o Toronto.


BOLIVIA 3
Uruguay, 2004, 12’, DVD
Dir.: Martín Sastre
Cortesía de Martín Sastre Foundation, Madrid

Como en sus videos anteriores Videoart y Montevideo, Martín Sastre se proyecta a un futuro lejano que le permite echar una mirada atrás al tiempo real. Un tiempo real en el estado Bolivia 3, cuya capital es Potosí. En un traje de oro el superhéroe Sastre aparece recorriendo un caos cómico de fragmentos de películas –sobre todo de películas animadas- y también de noticias televisivas y material de archivo. Se evoca también la era de la caída de Hollywood, antes de la escalada de un nuevo orden, en el cual el arte y el artista tienen un papel importante.
Martin Sastre nació en Montevideo en 1976. Vive y trabaja en Madrid. En sólo 4 años pasó a ser uno de los artistas de video mas importantes de Sudamérica, con participaciones en exposiciones en grupos en París, Oslo o Buenos Aires y también en la bienal de La Habana en 2004 y la bienal de San Pablo.


DE LAMA LAMINA
Estados Unidos / Brasil 2004, 30’, 35mm
Dir.: Matthew Barney
Cortesía de Barbara Gladstone Gallery, New York

Desde el éxito mundial de su espectacular Cremaster Cycle, Barney se nombra como la gran estrella de los artistas contemporáneos de los Estados Unidos. Su ultima película De lama lamina, que tendrá su estreno en el BAFICI, fue filmada durante el carnaval en Salvador de Bahia. Se trata de una performance en vivo con el tema el cuerpo, la sexualidad y la máquina, que esta acompañado de música del guitarrista Arto Lindsay y su banda.
Matthew Barney nació en 1967 en San Francisco. Vive y trabaja en Nueva York. Después de hacer videos en los que documenta performances propias, ha producido y filmado el ciclo Cremaster, de cinco partes, cuyos intérpretes son estrellas de la escena cultural como Norman Mailer o Richard Serra. Ha realizado exposiciones particulares, entre otros en el Museo Ludwig, Colonia y en el Museo Guggenheim en Nueva York.


Programa 4: TECNOLOGÍA Y DESEO

WHAT I’M LOOKING FOR
Estados Unidos, 2004, 15’, DVD
Dir.: Shelly Silver
Prod.: House Productions, New York

Una mujer está de paseo por Manhattan con su cámara y se detiene a sacar fotos en lugares públicos de gente que no conoce, en momentos íntimos. Por internet busca a esta gente, coordina un lugar de encuentro y va a la primera cita con su camera. Las mujeres evitan la cita, pero con algunos hombres se establece un contacto. Otros no vienen o se niegan a

participar. La mujer saca fotos de sus interlocutores, una nuca, una pequeña vena reventada, una mano. Con cientos de imágenes fijas se arma una película casi policíaca y ciertamente emocionante sobre encuentros posibles y imposibles.
Shelly Silver nació en Nueva York en 1957. Vive, trabaja y da clases de cine en esa ciudad. Tras pasar por la Universidad de Arte vivió largamente en el exterior. Desde 1980 ha filmado una docena de películas, entre otras el largometraje Suicide, que fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

TEKNOLUST
Estados Unidos, 2002, 83’, 35mm
Dir.: Lynn Hershman Leeson
Prod.: blue turtle /epiphany entertainment/hotwire productions / ZDF
Con Tilda Swinton, Jeremy Davies, James Urabiak
Después de Conceiving Ada (1997), la artista Lynn Hershman Leeson trabaja de nuevo con su actriz favorita Tilda Swinton, que aparece en cuatro papeles. Teknolust trata acerca de la lujuria, el deseo y la manipulación genetica. Tres hermanas clonadas en un experimento de una científica, Rosetta Stone, viven juntas en un departamento. Cada una tiene su temperamento particular, sus propios deseos y sueños, pero todas tienen dos cosas en común: son extremamente propensas a los gérmenes patógenos de las ciudades y sólo pueden equilibrar sus organismos con esperma masculino.
Lynn Hershman Leeson nació en 1941 en Cleveland. Vive y trabaja en San Francisco. Desde hace treinta años realiza obras de arte con video y performaces. Después de varias exposiciones particulares con instalaciones y largometrajes experimentales, en 1997 filmó su primer largometraje, Conceiving Ada.


Programa 5: SUSPENSO

SUDIJATA / THE JUDGE
Macedonia 2001, 102’, DVD
Dir.: Zaneta Vangeli
Prod.: Mazedonisches Fernsehen
con Aleksandar Stankovski, Jovo Brahms, Hellen Walz, Mirce Donevski

Como un policial metafísico con referencias al cine de espionaje, Sudijata cuenta la historia de un joven director que está filmando su primera película: el retrato de una encarnación de demonio llamada Diabo. Este malvado infernal procura estancar la política, las finanzas y el arte de toda Europa. Filmada en blanco y negro, la película pasa de una locación a otra y de un personaje al siguiente a la manera de un thriller político, a la vez que resulta un ejemplo inteligente de cine dentro del cine.
Zaneta Vangeli nació en 1963 en Bitola, Macedonia. Vive y trabaja en Skopje. Después de pasar por la Universidad de Arte en Skopje y Frankfurt, realizó exposiciones particulares como pintora en, por ejemplo, la bienal de Venecia 2003. Sudijata es su primer largometraje.


Programa 6: MÁTALOS

D.I.E.
Suecia, 2001, 31’, DVD
Dir.: Annicka Larsson
Cortesía de Gallery Andrehn-Schiptjenko, Stockholm

Las películas de Annika Larsson tratan de ritos de violencia masculina sin sentido. Los hombres mandan, se torturan, se matan, sin explicar por qué. Sus películas son presentadas como coreografías, muchas veces influenciadas por el cine de genero. En D.I.E. muchos encuadres son copias exactas de películas de Hollywood. La acción del film transcurre en un gimnasio, donde hombres de negocios en trajes elegantes se ven forzados a realizar ejercicios absurdos al mando de un entrenador autoritario. Como si estuvieran aprendiendo el oficio de matar.

Annika Larsson nació en 1992 en Estocolmo. Vive y trabaja en Nueva York. Ha filmado hasta ahora diecisiete películas y videos, y realizó exposiciones particulares en museos de Grenoble, Basel, Ámsterdam y Gent, entre otros.

TOP SPOT
Gran Bretaña, 2004, 62’, Beta
Dir.: Tracey Emin
Prod.: Revolutions Films
Con Keidi Noddings, Helen Laker, Frances Williams.

Conocida por sus instalaciones provocativas, que siempre tratan sobre sexo y tienen que ver con su propia biografia, Tracey Emin es la artista más conocida y controvertida de los exitosos jóvenes artistas ingleses. Tambien Top Spot es todo sobre Tracey Emin, aunque ella misma no aparazca en absoluto. En su lugar hay un grupo de muchachas de Margate, sitio donde Emin creció. En entrevistas ficticias, las chicas reconstruyen la juventud catastrófica de la artista: abuso sexual, intento de suicidio, drogas, fuga. Diálogos explícitos y la explicación minuciosa de métidos para suicidarse de alternan con imágenes pintorescas de la playa y del puerto en Margate, donde lo idílico se convierte fácilmente en pesadilla.
Tracey Emin nació en 1963 en Croydon y crecio en Margate. A principios de los ’90 se hizo famosa de pronto por la exposición en Londres Sensations. Emin reconstruye en sus instalaciones los sitios y las cosas que han tenido una gran importancia en su vida: la cama de sus años en la universidad, por ejemplo, o la carpa donde recibió a sus amantes. A partir de Sensations realizó muchas exposiciones particulares. Top Spots, producida por Michael Winterbottom, es su primer largometraje.


Programa 7: EL FILM COMO MATERIAL CRUDO

PLAY
Alemania, 2002, 7’20’’, Beta
Dir.: Christoph Girardet - Matthias Müller

MANUAL
D 2002, 9’30’’, Beta
Dir.: Christoph Girardet - Matthias Müller

Girardet y Müller, artistas de video y directores experimentales alemanes premiados en varias oportunidades desde 1999, han investigado sistemáticamente las posibilidades del trabajo con “Found Footage”, literalmente, “metraje encontrado”. Toman fragmentos particulares de películas y series de televisión, cuyo argumento importa sñolo parcialmente, y lo combinan en una nueva película muda buscando el modo de desarrollar una nueva intensidad poetica. Play se concentra totalmente sobre tema del aplauso. Es un himno maravilloso al escenario, antes que se abra y se cierre el telón. Manual parece una sinfonía del mundo de las máquinas, aparatos diversos para el estudio de la imagen y el sonido que se independizan y se convierten a protagonistas.
Christoph Girardet nació en 1966 en Langenhagen. Vive y trabaja en Hannover. Desde hace principios de los ‘90 realizó unos veinticuatro trabajos de video e instalaciones. Desde 1999 y a partir de la obra Phoenix Tapes, sobre películas de Alfred Hitchcock, colabora constantemente con Matthias Müller.
Matthias Müller nació en 1961 en Bielefeld, donde vive y trabaja. Su primer cortometraje, un ataque contra la escuela, fue filmado antes de terminar el secundario. Desde entonces hizo
varias películas y obtuvo premios internacionales. Es el primer director de películas experimentales de su generación que muestra su trabajo sistemáticamente en galerías de arte y ayudo asimismo a superar el abismo entre cine y arte.

FICTION ARTISTS
Alemania, 2004, 45’, Beta
Dir.: Christoph Girardet – Volker Schreiner

El tema de Fiction Artists es la exposición de artistas en el cine. Pero en vez de combinar simplemente fragmentos de películas, los autores trabajaron y aislaron digitalmente secuencias particulares, agregaron música y estructuraron una cantidad inmensa de materiales

en distintos capítulos. En cada uno de ellos se exponen diversos estereotipos contra los que los artistas en el cine deben luchar, desde el fracasado pobre y desafortunado hasta el efervescente Dandy. Poco a poco desaparece la distancia del espectador durante la proyección y se involucra en las diferentes existencias del artista en la pantalla.
Volker Schreiner nació en 1957 en Isingerrode. Vive, trabaja y da clases en Braunschweig. Cursó estudios de arte en esta ciudad y desde 1982 realiza varios videos propios, entre los cuales se cuentan cinco colaboraciones con Christoph Girardet.


ROLES PEOPLE PLAY – OPEN DOORS
Estados Unidos, 2002, 3’40’’, DVD
Dir.: Maureen Conner

Desde hace treinta años Maureen Conner trabaja en esculturas, instalaciones y videos sobre la identidad feminina, en relación a la exposición de la mujer en los medios masivos y, sobre todo, en el cine. Para la serie Roles People Play, Conner reunió fragmentos de películas que muestran conductas de género arquetípicas. En este corto muestra hombres y mujeres que se encuentran a sí mismos ante la necesidad de abrir puertas. O no.
Maureen Conner vive, da clases y trabaja en Nueva York. Su última gran retrospectiva se inauguró en el museo de Queens en 2001. Algunas de sus instalaciones fueron compradas por colecciones grandes como la del ZKM en Karlsruhe.

LUKE
Estados Unidos, 2004, 22’05’’, DVD

Siempre es una sensación presentar una nueva película de Bruce Conner. Desde mediados de los ’50, el artista vive retirado al norte de San Francisco, y no sólo trabaja con dibujo y collage, sino también con el cine. Su trabajo A Movie, a partir de material recuperado de la basura de los estudios de cine en 1958, lo hizo rápidamente famoso. Aproximadamente cada diez años Conner produce un nuco film, y Luke acaba de estrenarse en Nueva York. Se trata de una edición de viejas tomas que recuperó en los sesenta, descartadas del film La leyenda del indomable (Cool Hand Luke, Rosemberg-1967), a la que el artista agregó una banda sonora que compuso especialmente. El resultado es una nostálgica declaración de amor al Hollywood de la vieja escuela, y un homenaje al material rayado y descolorido que hoy – 40 años después del rodaje original- desarrolla su propia dinámica y poesía.
Bruce Conner nació en Kansas en 1933 en Kansas. Se hizo conocido al principio de los años ‘50 con exposiciones de objetos encontrados en la calle, que transformó en esculturas. Con su primera película A Movie invento el trabajo con Found Footage y es considerado un pionero del vieoclip por su uso del montaje rápido.


Programa 8: EL OJO DEL VIAJERO

CENTRAL
Francia, 2001, 10’, 35mm
Dir.: Dominique Gonzalez-Foerster
Prod.: Anna Sanders, Paris

Central es un poema corto tomado en un puerto de alguna parte, quizás Hong Kong, donde llega y sale gente, y donde la vida cotidiana significa esperar los barcos y también la llegada
de otra gente. Una de las primeras películas en mostrar la observación de los viajes, cuyo argumento se desprende de su estructura interna y no de la acción.
Dominique Gonzalez-Foerster nació en Strasburgo en 1965. Vive y trabaja en Paris. Es la artista francesa mas conocida de su generación. Toca temas cinematográficos en sus instalaciones de espacios y reconstrucciones de escena y época, que se presentan como decorados. Realizó varias exposiciones en museos, desde Hamburgo hasta París, y participó en exposiciones grupales como la Documenta o la bienal de Berlin.

AZÉ
Francia, 2003, 70’, 35mm
Dir.: Ange Leccia


Prod.: Camera Lucida, Paris

Una historia que mezcla viaje, ficción, imágenes reconstruidas e imágenes tomadas en el lugar del viaje. El titulo se refiere al viento y el lugar del viaje es el Medio Oriente. El destino es una mujer o la imagen de una mujer. Las impresiones de la vida cotidiana y las imágenes de la televisión local cambian. El viaje conduce tanto a una situación políticamente amenazadora como a un lugar de salida interna. Desde hace años el arte de Leccia se aleja mas y mas de la escultura y la instalación con productos de la industria hechos para el mundo del consumo, para dedicarse al examen de este mismo mundo.
Ange Leccia nació en Córcega. Vive y trabaja en Paris. Internacionalmente se hizo conocido por su participación en la Documenta del año 1987.

MALUS
Francia, 2004, 22’, Beta
Prod.: Camera lucida, Paris

Un sobreviviente cuenta una historia en el idioma de los indios navajo. La historia de una catástrofe, provocada por la prueba de una nueva arma, una bomba, en el territorio navajo. Imágenes de un viaje por el Oeste de los Estados Unidos, filmadas en video o súper 8mm., manipuladas técnicamente. El viaje se convierte en una recorrido por el horror de la tecnología, combinado con música y el relato que proporciona un orden a estas imagenes.

DIEU
Francia, 2004, 12’, DVD
Dir.: Valérie Mréjen
Prod.: ARTE
Cortesía: Galerie CentHuit, Paris

En sus películas anteriores Valérie Mréjen trabajó con actores profesionales o no-profesionales. Esta vez, la artista se relaciona por primera vez con la realidad y pregunta a jóvenes israelíes por la relación que tienen en su vida cotidiana con la fe. Cada uno cuenta una historia, una anécdota, que ilustra su sometimiento a la religión que une todo el país.
Valérie Mréjen nació en 1969 en Devoren. Vive y trabaja en Paris. Pasó de hacer instalaciones de video a ser conocida como una maestra del realismo falso. Además de varios retratos, que en sus exposiciones se muestran en varias pantallas al mismo tiempo, en 2001 filmó su primer largometraje, La défaite du rouge-gorge. También escribe novelas.


Retrospectiva Caroline Leaf

En 1984 la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas norteamericana organizó un evento en el que cincuenta críticos y cineastas de todo el mundo eligieron las mejores películas animadas de todos los tiempos. The Street, realizada por Caroline Leaf en 1976, resultó segunda. Como sucede con la mayor parte de los animadores independientes, cuyos cortometrajes suelen acceder a una difusión escasa, el nombre de Caroline Leaf es mal conocido por el gran público. Sin embargo, se trata de una de las más importantes creadores que ha dado el género en toda su historia.
Nacida en Seattle, Washington (Estados Unidos) en 1946, Leaf comenzó a trabajar en animación siendo estudiante en la Universidad de Harvard, hacia 1968. Desde sus primeros pasos en el género se interesó por explorar técnicas alternativas a las convencionales, así
como la relación entre las posibilidades de la animación y la plástica. Pudo realizar la mayor parte de su obra personal a partir de 1972, gracias al apoyo del National Film Board de Canadá, una entidad pública célebre por su trabajo experimental en el cine de animación y documental, y por la libertad creativa que proporciona a los artistas de todo el mundo que trabajan allí.
Los films de Leaf son atípicos en el cine animado, no sólo porque suelen dejar el humor en un segundo plano y porque sus temas son inequívocamente adultos, sino sobre todo por la densidad emocional que es capaz de obtener con recursos puramente visuales y con un lenguaje que evita las convenciones del clasicismo. Tanto The Street como The Metamorphosis

of Mr. Samsa son indudables obras maestras, pero ambas parecen haber sido ser sólo un camino para llegar hasta Two Sisters, que hasta la fecha es la culminación expresiva de la realizadora y se basa en un tema propio, mientras las otras están inspiradas por relatos ajenos. El clima de aislamiento que rodea a las hermanas del título, el afán de una por proteger a la otra, el secreto que las une y el ultraje de ese status quo que supone la inesperada llegada de un hombre, están logrados con una magistral combinación de diseño, técnica, economía narrativa y puesta en escena.
En Argentina, algunos cortometrajes de Caroline Leaf pudieron verse durante los ’90 gracias al programa Caloi en su tinta. Sin embargo, jamás se vieron en 35mm. en una pantalla de cine,

que es el medio para el que fueron realizados. Es un privilegio para el BAFICI exhibir esta retrospectiva, posible gracias a la colaboración del National Film Board y a la Embajada de Canadá, y contar con la presencia de la realizadora, que presentará su obra y la comentará con el público.
Fernando Martín Peña


The Owl Who Married a Goose: An Eskimo Legend (1974)
En esta leyenda de origen inuit, es concebible que un ganso seduzca a un búho, y que el búho quede desconcertado por lo que ocurre a continuación. Las voces hablan en dialecto esquimal, pero las imágenes animadas no dejan dudas respecto a lo que ocurre. La historia posee un sentido del humor absurdo que es característico de muchos relatos esquimales.

The Street (1976)
Este film, que obtuvo diversos premios, no ahorra sentimientos ni encuentra palabras. Se trata de una conmovedora interpretación visual de un cuento de Mordecai Richler, autor nativo de Montreal, y constituye un manifiesto desoladoramente franco sobre el modo en que muchas familias tratan a sus ancianos o enfermos. En simples y suaves dibujos hechos con acuarelas y tinta, la realizadora interpreta las reacciones ante una abuela que agoniza, capturando los sentimientos familiares y plasmándolos como una cruda realidad.

The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977)
Una película basada en el cuento de Franz Kafka La metamorfosis. La historia es narrada por medio de arena, animada cuadro a cuadro sobre un trozo de vidrio. La imaginativa banda sonora y un diseño innovador se combinan para recrear, sin utilizar las palabras, un mundo kafkiano de alineación y culpa.

Interview (1979)
Realizado en colaboración con la artista Veronika Soul, Interview es una experiencia cinematográfica libre: es la obra de dos cineastas que expresan sus percepciones de cada una a través de sus respectivas técnicas de animación. Imágenes y palabras se relacionan de modos sorprendentes. Cada una hace un retrato visual de la otra, basado en gestos característicos e impresiones. Una combinación de técnicas y materiales produce un film de rica textura visual, moldeado por las manos y el talento de dos personas muy distintas.

Two Sisters (1990)
Viola escribe novelas en un cuarto ensombrecido. Marie, su hermana y única compañía, se hace cargo de todas sus necesidades. Juntas están en una isla, tranquilas y completas en su aislamiento. Hasta la abrupta llegada de un extraño convierte el tenue orden de ambas en caos. Un cortometraje sin cámara, ejecutado directamente sobre película entintada de 70mm.

I Met a Man (1991)
Obra breve, realizada en video para MTV.


Restrospectiva Robert Frank

Uno de los personajes menos accesibles del cine underground norteamericano, Robert Frank es siempre mencionado, sin embargo, en los reportes sobre el movimiento. Frank nació en Suiza en 1924 y trabajó dos décadas como fotógrafo antes de dirigir su primera película. En 1947, un buque lo dejó en el puerto de Nueva York y al poco tiempo trabajaba para la revista de


modas Harper's Bazaar, donde tuvo como compañero a Henri Cartier-Bresson. En cuanto pudo, dejó de fotografiar modelos para hacer notas de viaje, primero en Perú y Bolivia, luego por Europa y Estados Unidos.
En uno de esos viajes conoció a Walker Evans, el autor del libro American Photographs (1938), quien lo alentó a pedir una beca Guggenheim. La ganó con el proyecto de recorrer todo EE UU en automóvil para un gran reportaje fotográfico. El libro resultante, The Americans (1958), tuvo que ser publicado primero en Francia ya que pocos veían en esas imágenes algún valor. Frank había hecho su propia colección de americana con escenas aparentemente incompletas: encuadres que "rebanaban" cabezas, borrones que ocultaban detalles y sugerían movimiento (muchas fotos fueron sacadas desde el volante del auto), o composiciones con personajes inanimados, como un mingitorio o los surtidores de una estación de servicio en el medio de la nada. The americans no sólo percibía la aparatosa grandeza y la alienación urbana del país adoptivo: también cambió la mirada de la gente sobre la fotografía, e influyó en profesionales más jóvenes como Diane Arbus o Richard Avedon.
Los poetas beatniks entendieron en seguida de qué se trataba: la edición norteamericana del libro lleva un prólogo de Jack Kerouac. Frank tenía una gran afinidad con ese movimiento, que por entonces propició su primera aventura cinematográfica. Pull my daisy tenía a varios beats entre los actores y, a falta de sonido ambiente, contó con una narración improvisada por Kerouac.
A partir de allí Frank no dejaría de experimentar, primero mirando a los nuevos directores europeos en busca de ideas, luego entendiendo que la mejor respuesta -la verdad que había buscado en sus fotografías- saldría de la realidad misma. Pero la "realidad" demostraría ser engañosa, lo que lo fue llevando a reducir su radio de acción a la experiencia personal y la vida familiar. Frank es consciente, por ejemplo, de que la mayoría de la gente cambia de actitud cuando es apuntada por la cámara, y busca anular esa distancia haciéndola explícita, rompiendo el pacto habitual entre un director-narrador y un espectador dispuesto a no discutir la veracidad de una historia en tanto ésta sea entretenida.
Otro recurso habitual en él es intervenir en la realidad para provocar el efecto de verdad, lo que lo lleva a mezclar deliberadamente verismo y ficción. Al explorar estas posibilidades en un medio como el cinematográfico, de producción compleja y con muchas mediaciones, Frank tiene la misma intención que al sacar fotos: correr la mirada, modificar el sentido de lo mirado dándole "alma". No obstante, sus últimas películas tienen más preguntas que certezas.
La necesidad de ganar dinero para sobrevivir ha sido una marca importante en la carrera fílmica de Frank. No pudo repetir en ella el sistema de mecenazgo que le había permitido terminar The Americans, y tuvo que volver a la fotografía para bancar sus exploraciones. Tampoco logró que la industria del cine confiara en él, y en ocasiones hasta sus admiradores le jugaron en contra. El ejemplo más conocido es el de Cocksucker blues, la película que filmó por encargo de los Rolling Stones. La banda había quedado encantada con la foto de tapa del disco Exile on Main St -un collage de fotografías de freaks encontrado en la pared de una casa de tatuajes- y lo contrató para hacer un documental de la gira. Frank, que tenía acceso irrestricto, mostró poco interés por lo que pasaba en el escenario, dedicándose a los tiempos muertos y las bizarras diversiones con que los músicos mataban su aburrimiento. Asustados por las consecuencias de semejante sinceramiento, o simplemente aburridos por lo que vieron, los Stones movieron abogados para impedir el estreno comercial de la película, que sólo puede proyectarse con el propio Frank presente (razón por la que no participa de esta retrospectiva).
La larga batalla legal, sumada a la muerte de su hija Andrea y la progresiva enajenación mental de su otro hijo, sumieron a Frank en inacción y depresión. La experiencia le confirmaba que los años de gloria del underground habían terminado y que si no quería sumarse al sistema, tendría que continuar su camino solo.
Desde entonces Frank abandonó el ambiente intelectual que lo había consagrado y se encerró en una escéptica calma, mudándose al Canadá con lo que quedaba de su familia. Con relativa regularidad, registra cortos y mediometrajes que parecen episodios de un diario personal, mezclando la vida familiar con las preguntas de siempre. También hay un largometraje
alegórico, Candy mountain, en el que parece decir a sus admiradores que están perdiendo el tiempo y que más les conviene olvidarlo.
Sus últimos films participan de un clima elegíaco que tiene que ver con lo ya perdido, pero también con el propio envejecimiento. "Es más fácil mostrar la oscuridad que la alegría de vivir" dijo el año pasado en una rara entrevista al medio británico The Observer. "La vida no es siempre hermosa. Podés tener una buena vida, pero te acostás, y mirás al techo, y la


tristeza cae sobre vos. Las cosas cambian, el tiempo pasa, la gente se va y a veces no vuelve". Robert Frank, de profesión observador, tiene 80 años: no importa cuánto rollo le quede en la cámara, siempre sabrá cómo apuntarla para, como dice de él Wim Wenders, "sacar fotos con el rabillo del ojo".

Películas

PULL MY DAISY (1959)
Famosa por una improvisada narración en off de Jack Kerouac, insertada para suplir la falta de sonido sincrónico, Pull My Daisy ya mezcla elementos de ficción y documental, algo que luego sería una marca de estilo en Frank.
Los poetas Allen Ginsberg, Peter Orlovsky y Gregory Corso llegan a la casa de un obrero ferroviario y esperan que vuelva del trabajo mientras conversan con su mujer (Delphine Seyrig). Mientras tanto, un obispo y su familia vienen también de visita, entrando en diálogo con los beatniks, mientras corren las bebidas y suena música de jazz. Frank y el pintor Alfred Leslie adaptaron un fragmento de la obra teatral del primero, The Beat Generation (basada a su vez en una visita a la casa de Neal Cassady, el Dean Moriarty de En el camino).

THE SIN OF JESUS (1961)
Un intento de ficción comercial sin demasiado éxito, basado en un cuento de Isaac Babel. La mujer de un granjero, con quien vive una vida rutinaria, es abandonada por éste al quedar embarazada. En medio de su desesperación recibe la visita de Jesucristo, quien la casa con uno de sus ángeles pero le prohíbe dormir con él, ya que si lo hace éste perderá sus alas. Sigue una fatídica escena de seducción con las consecuencias imaginables. El amargo tono del film, notaron algunos, tenía mucho que ver con los trabajos de Ingmar Bergman, a quien el mundo todavía estaba descubriendo.

OK END HERE (1963)
Retrato de un aburrido día en la vida de un matrimonio: Frank se detiene en los tiempos muertos y las formalidades que sirven para evitar ocuparse de las decisiones importantes. El film obtuvo el premio principal del festival de Bérgamo (Italia), donde algunos lo compararon con el cine de Antonioni por las relaciones que el norteamericano construye entre personajes y espacios.

ME AND MY BROTHER (1965-68)
Este primer largometraje es uno de los films más complejos de Frank: mezclando fotografía color y blanco y negro, hace uso de la pantalla dividida y ensaya un montaje no cronológico para contar una mezcla de ficción y hechos reales. El protagonista es el hermano de Peter Orlovsky, Julius, y el tema es su enfermedad mental y los problemas que le trae para relacionarse con los demás.
El realizador trabajó durante tres años, por momentos perdiendo el hilo de la narración (Julius desapareció durante una lectura de poesía de su hermano), lo que lo llevó a contratar a un actor para interpretarlo. Otro actor (un jovencísimo Christopher Walken) hace del propio Frank, y en una escena el film es exhibido ante el público, cuyos comentarios pueden oírse durante todo el metraje.

CONVERSATIONS IN VERMONT (1969)
La autoreferencia ya es una constante: el relato comienza con un primer plano de Frank limpiando el lente de la cámara que lo está tomando. El director se cuestiona todo el tiempo de qué trata la pelí