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Prensa
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19 de octubre de 2004
Para difusión inmediata

PROGRAMACION NOVIEMBRE 2004


1. Continúa
Retrospectiva Ingmar Bergman
Durante todo el mes

2. Estreno
Saraband de Ingmar Bergman (Suecia, 2003)
A partir del jueves 11

3. Retrospectiva - Alain Robbe-Grillet en la Argentina
Del jueves 4 al domingo 7

4. Continúa
Film del mes XII: El amor (Primera parte) de Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, Juan Schnitman (Argentina, 2004).
Sábados y domingos a las 20:00

5. Homenaje a Víctor Iturralde (1927-2004)
Del jueves 4 al domingo 7

6. Trasnoches
Óperas primas: Coppola – Scorsese – Lucas - Carpenter
Viernes y sábados a las 24:00

7. Una ventana al cine mexicano
Del jueves 11 al domingo 14

8. Rostros de Cine (una muestra de agradecimiento)
Sábado 20 y domingo 21

9. Rescate del mes: Foxtrot de Arturo Ripstein (México / Gran Bretaña, 1976)
Viernes 19 a las 22:00

10. Ciclo ADF – malba.cine
100 años, luz (un recorrido por la historia de la dirección de fotografía en el cine)
Sábado 27 a las 18:00

14º encuentro
24 Hour Party People de Michael Winterbottom (Inglaterra, 2002). Con Steve Coogan, John Thomson, Nigel Pivaro.

11. Festival Videopoesía 2004
Domingo 28 a las 22:00

12. Programación día a día





1. Continúa
Retrospectiva Ingmar Bergman
Durante todo el mes

Durante noviembre continúa la muestra dedicada a Ingmar Bergman. Esta retrospectiva, realizada por malba.cine gracias a la colaboración entre Filmoteca Buenos Aires, Artkino Pictures, el Cineclub Núcleo y APROCINAIN, incluye títulos poco o nada vistos desde su estreno, como Música en la noche (rescatada en copia nueva por Malba gracias al aporte de Kodak y Cinecolor), Vergüenza, El huevo de la serpiente y El toque (adquiridas por Filmoteca Buenos Aires en el exterior).


Música en la noche (Musik i morker, 1947) c/Maj Zetterling, Birger Malmsten, Bengt Eklund, Gunnar Björnstrand. 87’. Copia nueva en 35 mm, gestionada por Malba gracias a la colaboración de Kodak y Cinecolor.
A causa de un episodio desafortunado, un joven músico queda ciego. Mientras todo su universo se derrumba, el amor de una joven humilde se le presenta como la única esperanza. El director considera a esta película una historia sencilla pero importante, dado que fue su primer éxito popular.

Puerto (Hamnstad, 1948) c/Nine-Christine Jönsson, Bengt Eklund, Mimi Nelson, Erik Hell, Berta Hall. 100’.
Un suicidio que no consuma, el marinero que la salva y el pasado que la condena, son los elementos principales de este film con tintes de melodrama. El amor que se tienen no es más fuerte que la vergüenza, y enfrentar los prejuicios es tan difícil como intentar huir de sí mismos.

El demonio nos gobierna (Fängelse, 1948) c/Doris Svedlund, Birger Malmsten, Eva Henning, Hasse Ekman, Stig Olin. 78’.
Un maestro propone a un antiguo alumno, ahora director de cine, que haga una película sobre el infierno. El joven no lo toma en serio, seguro de que tal film es imposible de realizar. Sin embargo, a su alrededor, la vida es descripta como un lugar diabólico donde la muerte se presenta como una eventual salida.

La sed (Törst, 1949) c/Eva Henning, Birger Malmsten, Birgit Tengroth, Mimi Nelson, Hasse Ekman, Bengt Eklund. 83’.
Con artilugios menos explícitos que en El demonio nos gobierna, Bergman presenta una nueva visión infernal del mundo. Temas como el fracaso amoroso, el temor, los celos, el aborto y la esterilidad surgen en la oscuridad de los personajes. El director indaga también en las relaciones homosexuales pero la censura de su país hizo que un encuentro entre mujeres sea más críptico de lo que él deseaba.

Un verano con Mónica (Sommaren med Monika, 1952) c/Harriet Andersson, Lars Ekborg, John Harryson, Georg Skarstedt, Dagmar Ebbesen. 91’.
El agobio de la casa paterna y el mundo poco virtuoso que la rodea obligan a Mónica a desear una escapatoria. La comunicación primitiva se transforma en nuevas formas de cansancio y las salidas se resumen en un instante pasado y desconocido.

El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1956) c/Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Nils Poppe, Bibi Andersson, Bengt Ekerot. 96’. Copia nueva en 35 mm, gestionada por APROCINAIN, gracias al aporte de Kodak y Cinecolor.
Surgido inicialmente de la pieza en un acto Pintura sobre madera, el guión original fue rechazado alguna vez antes de convertirse en esta especie de road movie en la que el hombre inicia el paradójico viaje metafísico hacia su propio fin. Oponiendo la razón a la fe y sublimando su propio miedo a la muerte, el director asegura: “es una de las pocas películas que verdaderamente llevo cerca del corazón”.

Cuando huye el día (Smultronstallet, 1957) c/Victor Sjöstrom, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand. 91’.
Isak Borg debe viajar para recibir un premio honorífico por sus cincuenta años de profesión. Un sueño particular lo decide repentinamente a conducir su automóvil en lugar de ir en avión como tenía previsto. Egocéntrico y distante de todo su entorno, inicia una aventura que lo enfrenta a su pasado, a sus afectos y a un futuro que se acorta cada vez más.

Tres almas desnudas (Nara livet, 1957) c/Ingrid Thulin, Eva Dahlbeck, Bibi Andersson, Erland Josephson. 84’.
El despojamiento material es aparente y engañoso: oculta la profundidad con la que el film se introduce en el tema de la maternidad. Tres vidas diferentes se cruzan en un relato de austeridad formal pero de gran crudeza en el que Bergman indaga en el misterio de la vida, en la pasividad del hombre ante un destino que lo excede, y en el dolor silencioso ante la aceptación de lo innombrable.

La fuente de la doncella (Junfrukällan, 1959) c/Max von Sydow, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom. 89’.
Igual que en El séptimo sello, la Edad Media es el escenario maniqueo para hablar ahora del dolor ante la pérdida de un hijo, la venganza y la redención. Inspirada en una balada anónima del siglo XIV y sin estilizar las escenas brutales, oscila entre la impotencia y el perdón, entre la virtud y la inocencia, en una atmósfera de plena religiosidad. Además de obtener un Oscar, el film aumentó la popularidad y el prestigio de Bergman.

El mago (Ansiktet, 1959) c/Max von Sydow, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Naima Wifstrand, Bengt Ekerot. 100’.
Una compañía de actores ambulantes es detenida por la policía mientras recorre la Suecia de mediados del siglo XIX. Los poderes del hipnotizador que los encabeza son puestos a prueba por escépticos personajes que esperan burlarse de él. El ilusionista tendrá que demostrar ser un verdadero portador de magia y hacer conocer a sus acusadores la fuerza de lo irracional.

El ojo del diablo (Djavulens oga, 1960) c/Jarl Kulle, Bibi Andersson, Stig Järrel, Nils Poppe, Gertrud Fridh, Axel Düberg. 87’.
La castidad de una joven se convierte en un desafío para Satanás, quien, atareado y lleno de preocupaciones, elige a Don Juan para que lo represente. Después de tres siglos de inactividad, Don Juan debe seducir a la muchacha y, por qué no, a todo su entorno. El humor, poco usual en Bergman, es un condimento esencial en esta película que roza el juego filosófico y la exploración teatral. El director demuestra pasión y ductilidad en la comedia mientras aborda temas como la castidad, la sexualidad y la familia.

Detrás de un vidrio oscuro (Sasom i en spegel, 1961) c/Harriet Andersson, Gunnar Björnstrand, Max von Sydow, Lars Passgard. 89’.
Una joven salida de un centro psiquiátrico cree tener citas con Dios en el cuarto de arriba de su casa. Un marido con el que no se entiende sexualmente, un padre más ligado a su profesión que a sus vínculos afectivos, y un hermano reprimido por no conocer el verdadero deseo, son los actores de esta puesta en escena de inspiración autobiográfica.

Luz de invierno (Nattvardsgästerna, 1962) c/Gunnar Björnstrand, Ingrid Thulin, Max von Sydow, Gunnel Lindblom. 81’.
El film atraviesa dos líneas paralelas, sin resignar ninguna. Por un lado, con el amor enfermo de una mujer por un pastor, explora el drama de la convivencia. Por el otro, el pastor no puede corresponder a ese sentimiento estéril mientras lo desgarran dos pérdidas terribles: la muerte de su esposa y el abandono del Dios de su fe.

El silencio (Tystnaden, 1963) c/Ingrid Thulin, Gunnel Lindblom, Jörgen Lindström, Haakan Jahnberg, Birger Malmsten. 96’.
Si hay algo concreto en la profundidad semántica del film, es la idea de la propia desintegración; un lugar y lenguaje extraños no fuerzan ningún acercamiento y la distancia es tanto mayor cuanto más penetrante es la soledad. Varias escenas son recordadas y no sólo por vehiculizar la incomunicación: la relación entre las hermanas se mueve en una delgada línea entre el resentimiento y el deseo, y la relación madre-hijo se torna más de una vez incómoda para el espectador.





Persona (1965) c/Bibi Andersson, Liv Ullmann, Margaretha Krook, Gunnar Björnstrand, Jörgen Lindström. 85’.
Una actriz queda sorpresivamente muda después de una representación. Se interna en una clínica para reponerse y allí conoce a una enfermera que exterioriza todo lo que ella no puede. En una suerte de vampirización, las dos mujeres transforman un juego de oposiciones en la cercanía más absoluta.

Vergüenza (Skammen, 1967) c/Liv Ullmann, Max von Sydow, Sigge Fürst, Ingvar Kjellson. 103’.
Una pareja de músicos se descubre inmersa en una contienda bélica que los devora poco a poco. El tópico del artista frente a la sociedad se mueve en el ominoso terreno de la asimilación de la violencia. Un silencio opresivo empuja a la degradación moral mientras el aislamiento se convierte en una redefinición del mal. La violencia colectiva e individual se identifican con las dos partes de la película: una primera parte sobre la guerra y una segunda parte sobre sus efectos.

El toque (Beröringen / The touch, Suecia / EUA, 1971) c/Bibi Andersson, Elliot Gould, Max von Sydow, Elsa Ebbesen. 112’.
La monótona vida matrimonial es la excusa para el triángulo amoroso. Una vida sin sobresaltos deviene en un deseo en apariencia inexplicable y un amante moviliza instintos, al menos, vitales. Las expectativas metafísicas de otros films se transforman aquí en interrogantes sobre la pareja que el film no responde sino con un claro lenguaje metafórico.

Escenas de la vida conyugal (Scener ur ett äktenskap, 1974) c/Liv Ullmann, Erland Josephson, Bibi Andersson, Jan Malmsjö. 155’.
Mientras otros se desgarran a su alrededor, una aparente felicidad parece proteger al matrimonio de Johan y Marianne. Sin embargo, esa imagen ilusoria está fabricada con los restos de un amor que no es suficiente para mantenerlos unidos. La desesperación sigue al engaño mientras la soledad deviene en perdón.

El huevo de la serpiente (Das schlangenei / The Serpent´s Egg, Alemania Federal / EUA, 1977) c/David Carradine, Liv Ullmann, Gert Fröbe, Heinz Bennent. 120’.
La acción tiene lugar en Alemania, poco antes del ascenso de Hitler. Abel Rosenberg, un artista de circo judío, debe sobrevivir, entre otras cosas, a la muerte de su hermano en una Berlín en plena decadencia. La ciudad prehitlerista no es sólo un marco para Abel sino la abstracción que incorpora enemigos cada vez menos identificables. Con la idea del voyeur en mente, Bergman construye un film donde todos pueden ser observados y donde la paranoia y la culpa obligan a los personajes a desear su castigo.

De la vida de las marionetas (Aus dem Leben des Marionetten, Alemania Federal / Suecia, 1980) c/Robert Atzorn, Christine Buchegger, Martin Benrath, Rita Russek. 104’.
El asesinato de una prostituta pone en marcha la investigación. Aunque el caso no necesita un culpable, sí espera una explicación. El asesino es un hombre que ha soñado con matar a su esposa. La comunicación es apenas posible donde los cuerpos hablan más que todo lenguaje articulado. La infidelidad, la sexualidad, el desamor y la envidia son formas aparentes de un desgarramiento real que encuentra sólo salidas ilusorias.



2. Estreno: Saraband, de Ingmar Bergman (Suecia, 2003)

A partir del 11 de noviembre, malba.cine exhibirá, en calidad de estreno Saraband, el último film escrito y dirigido por Ingmar Bergman. La película fue realizada en digital y Bergman se negó a aceptar su transcripción a 35 mm, por lo cual será exhibida en su formato original.

“De pronto descubrí que estaba esperando un niño otra vez”, declaró el realizador. “Igual que Sara en la Biblia, yo estaba, para mi sorpresa, embarazado a una edad avanzada. Al principio eso me hizo sentir bastante enfermo, pero luego resultó a la vez divertido y sorprendente sentir el deseo de regresar. Lo cierto es que el deseo volvió y reservé tres meses para mi nuevo embarazo, para concentrarme en escribir.”
El film fue realizado entre septiembre y diciembre de 2002 y editado durante la primera mitad de 2003. Hay una conexión con otro film de Bergman, Escenas de la vida conyugal (1973), ya que reaparecen sus protagonistas Johan (Erland Josephson) y Marianne (Liv Ullmann), pero no se trata de una secuela. “Los conozco tan bien que sentí posible fantasear sobre el destino de ambos.”
Saraband transcurre treinta años después. Marianne vuelve a buscar a Johan, quien se ha mudado a la casa de su familia en el campo. Henrik, hijo de Johan de un matrimonio anterior, y Karin, la hija de Henrik, viven con él. Ambos son cellistas y padecen la ausencia de Anna, mujer de Henrik, fallecida poco tiempo antes. “Anna representa los sentimientos perdidos”, dice Bergman. “Fue una persona de ésas que hacen más fácil la vida (tales personas existen) pero ahora no está y reina el caos. Cuando llega Marianne se encuentra en medio de un conflicto.”
“El título Saraband evoca la hermosa suite para cello de Bach. En realidad, una zarabanda es una danza para parejas. Se la describe como muy erótica y fue prohibida en la España del siglo XVI. Luego pasó a ser una de las cuatro danzas establecidas en las suites instrumentales barrocas, primero como el último movimiento y después como el tercero. El film sigue la estructura de la zarabanda: siempre hay dos personas que se encuentran. Tiene diez escenas y un epílogo.”
Saraband es una contemporánea historia de amor de Ingmar Bergman, tan compleja y perdurable como todos sus films: un amor que se niega a morir.
(Declaraciones de Ingmar Bergman tomadas de Sight & Sound, Londres, septiembre de 2002.)


Ficha técnica
Dirección y libreto: Ingmar Bergman / Imágenes: Stefan Eriksson, Jesper Holmström, Per-Olof Lantto, Sofi Stridh, Raymond Wemmenlöv / Diseño del film: Göran Wassberg / Edición: Sylvia Ingemarsson / Productora: Sveriges Television. Con Liv Ullmann (Marianne), Erland Josephson (Johan), Börje Ahlstedt (Henrik), Julia Dufvenius (Karin), Gunnel Fred. Duración original: 120’. Proyección digital.







3. Retrospectiva - Alain Robbe-Grillet en Argentina
Del jueves 4 al domingo 7
Entrevista con Robbe-Grillet: jueves 4, a las 20:00
Charla abierta con el público: domingo 7 a las 18:00

Hace cincuenta años, el escritor francés Alain Robbe-Grillet (n. 1922) inauguró una forma de ficción que fue conocida como el Nouveau Roman y que básicamente intentaba una descripción objetiva y necesariamente parcial de la realidad, aceptando su naturaleza compleja, negando ciertos recursos de la interpretación poética y cuestionando los límites de las estructuras tradicionales del relato. En 1960 trasladó esas inquietudes al cine, escribiendo para el director Alain Resnais el clásico Hace un año en Marienbad, y luego inició una filmografía propia que se destaca por su constante actitud de búsqueda e incondicional libertad expresiva. Aunque tanto el Nouveau Roman como Marienbad pertenecen a un período propicio para la experimentación y la ruptura, su influencia todavía repercute en el relato contemporáneo.

En noviembre, malba.cine tendrá el privilegio de recibir a Alain Robbe-Grillet, quien dará una charla abierta el domingo 7 a las 18:00. Además de Marienbad, se exhibirán tres de sus películas más importantes, nunca estrenadas comercialmente en Argentina: La inmortal (1963), El hombre que miente (1968) y El edén y después (1970).

“El Nouveau Roman fue, sobre todo, una puesta en cuestión del relato. En mis películas, en mis novelas y en el Noveau Roman en general, la propia narración pone en cuestión lo que se narra. La narración no está allí para expresar un relato sino para ponerlo en cuestión, en tanto relato. Y eso, hoy en día, es algo que se rechaza. Las historias que se cuentan deben ser sólidas y lineales, y cuando no lo son se dice que ‘no se entienden’. Todos mis libros y películas surgen de una lucha interior con la escritura. Hay en ellos polos narrativos que luchan entre sí. Ahora, esto es insoportable para el gran público.
Pretendíamos generar una reflexión sobre la naturaleza de la realidad. Digámoslo de este modo: en la realidad, todo es complejo; las historias pasionales, los crímenes, la ciudad... En la realidad, la estructura de las ciudades es muy compleja. En cambio, en el relato “realista” tradicional todo está siempre muy claro. Puede que al principio haya algo incomprensible, una intriga, como en las películas de Hitchcock. Pero al final todo se aclara. Mientras que para mí, en los grandes films, cuanto más avanza el relato, menos claro es todo. Daría como ejemplo La conversación (The Conversation, 1974), que me parece el mejor film de Coppola: a medida que avanza, uno entiende menos. Y ni siquiera el protagonista entiende nada.
Creo que una de las funciones del arte es precisamente poner en cuestión la realidad porque ésta es compleja, ambigua, inestable, contradictoria. Es curioso: la ciencia admite la contradicción, la psicología admite la contradicción, desde Hegel la filosofía también admite la contradicción. Pero la literatura y el cine no la admiten. Es necesario un mundo de certezas, un mundo fabricado para sentir seguridad. Y eso ha cambiado mucho desde los 50 y 60. El trastorno de la guerra mundial creó, incluso en el público, una impresión de incertidumbre y búsqueda; la realidad había perdido su sentido y por lo tanto el sentido quedaba abierto. Uno podía buscarlo en cualquier parte. Mientras que ahora se ha cerrado completamente en torno al relato “realista”. Para mí el “realismo” es lo contrario a lo real, porque en ese “realismo” todo tiene sentido y ese sentido es claro. En lo real el sentido se mueve sin cesar, está lleno de agujeros, de ausencias, de contradicciones.
(...) Marienbad es un film muy raro porque verdaderamente tiene dos autores. Podría decir que Resnais psicologizó un poco el guión, pero en general respetó todo de un modo notable. Él quería hacer un film sobre la memoria y yo quería hacer un film sobre la persuasión. La idea de la memoria es una cuestión totalmente imaginaria: todo sucede en el presente, ahora, aquí. Un extranjero llega, vaga por ese hotel y se detiene en una mujer que le gusta. Inventa entonces una historia completamente clásica: “Yo la he visto hace un año en Marienbad”. Ella dice que nunca estuvo en Marienbad. Eso es todo. Un hombre conoce a una mujer pero se desencuentran.
A veces me preguntan si Marienbad es acerca de un hombre que quiere persuadir a una mujer para que lo siga. Yo respondo que no, que es acerca de un escritor que quiere persuadir a un director para hacer un film de vanguardia”.

(Extractos de una entrevista realizada por Fernando Martín Peña a Alain Robbe-Grillet: para Film, Buenos Aires, diciembre / enero de 1994-1995)


Fichas técnicas

Hace un año en Marienbad (L’anée dernière a Marienbad, Francia / Italia, 1961) de Alain Resnais, sobre libreto de Alain Robbe-Grillet, c/Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoëff, Françoise Bertin. 94’.

La inmortal (L’immortelle, Francia / Italia / Turquía, 1963) de Alain Robbe-Grillet, c/Françoise Brion, Jacques Doniol-Valcroze, Guido Celano, Sezer Sezin. Aprox. 90’.

El hombre que miente (L’homme qui ment, Francia / Checoslovaquia, 1968) de Alain Robbe-Grillet, c/Jean-Louis Trintignant, Dominique Prado, Sylvie Bréal, Zuzana Kocúriková, Josef Kroner. 95’.

El edén y después (L’eden et après, Francia / Checoslovaquia, 1970) de Alain Robbe-Grillet, c/Catherine Jourdan, Pierre Zimmer, Richard Leduc, Lorraine Rainer. 93’.






4. Film del mes XII: Continúa El amor (Primera parte) de Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, Juan Schnitman (Argentina, 2004).
Sábados y domingos a las 20:00

Ficha técnica
El amor (Primera parte) (Argentina, 2004) Guión y Dirección: Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, Juan Schnitman / Fotografía: Soledad Abot Glenz, Martín Mohadeb, Soledad Rodríguez, Laura Caligiuri / Música: Gabriel Chwojnik / Dirección de arte: Nuri Garabano, Agustina Liendo / Montaje: Andrés Pepe Estrada / Post-producción: Daniel Casabé / Post-producción de sonido: Andrés Pepe Estrada / Sonido directo: Luciano Moreno / Coordinadora de Producción: Delfina Castagnino / Producción: Mariano Llinás. Con Leonora Balcarce, Luciano Cáceres. Duración original: 100’. DV-cam / Betacam SP.

Sinopsis
La historia de una joven pareja, desde su inicio hasta su conclusión, desde las euforias del enamoramiento hasta los desdibujados y oscuros días finales, es observada con ojo analítico y afán investigador. ¿Cómo y por qué dos personas se enamoran? ¿En qué momento? ¿Cuándo comienzan a ser una pareja? ¿Qué imprevisibles mecanismos ponen en marcha la convivencia? ¿En qué momento secreto las cosas, imperceptibles, comienzan a marchar hacia el final? ¿Cuándo termina una relación, y cuándo debería terminar? Pedro y Sofía, con su sencilla historia de amor, se convierten en representantes de todos aquéllos que, a los veinticinco años, hayan estado enamorados.

Biofilmografías
Martín Mauregui (San Miguel del Monte, Provincia de Buenos Aires, 1980) estudió en la Universidad del Cine. Realizó numerosos cortometrajes, entre los que se destacan La oreja de Dalí, A ningún lado y Banco de plaza. La escritura de guiones y textos literarios ocupa su tiempo.
Santiago Mitre (Buenos Aires, 1980) cursó estudios en la Universidad del Cine, donde filmó El escondite, Un regalo para Carolina y Ayer. En 2002, El escondite obtuvo el Primer Premio de Ficción del Festival Sueños Cortos.
Alejandro Fadel (Tunuyán, Mendoza, 1981). En la Universidad del Cine, donde cursó sus estudios, filmó ¿Qué hacemos con Pablito?, Felipe (premiado en BAFICI 2003) y otros cortometrajes. Trabaja, además, como asistente de dirección.
Juan Ángel Schnitman (Buenos Aires, 1980). La muerte de Ricardo Lee y el premiado Yakuza abarcan, en líneas generales, sus trabajos en la Universidad del Cine, acompañados luego por numerosos cortometrajes y video clips. Actualmente dirige cortos de publicidad.


El amor y nosotros
Por Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre y Juan Schnitman

Siempre supimos que íbamos a hacer una película de amor. El tema, que (a algunos más, a otros menos) nos había ocupado en nuestros cortometrajes previos, estuvo sobrevolando el proyecto desde el primer momento en que decidimos embarcarnos en él. Sabíamos también que la situación era extraña: el amor es esencialmente íntimo; cada uno lo vive de un modo particular y único. Nosotros éramos cuatro, de historias y vidas diferentes, a veces opuestas. ¿Cómo conciliar en un solo film las opiniones y concepciones sentimentales de cada uno? ¿Cómo hacer una película que no fuera una sucesión de contradicciones, una discusión permanente o una vaguedad? Desde
un primer momento decidimos que no buscábamos un film episódico, en el quecuatro alter egos se hicieran cargo de nuestras visiones y puntos de vista.
El film se ocuparía de un romance único: nuestras miradas lo atravesarían permanentemente, como si fuéramos científicos ante un objeto de estudio. Un fósil, una civilización primitiva, una enfermedad incurable. A lo largo de la escritura del guión ocupamos más de la mitad del tiempo en infinitas conversaciones, que partían de teorías irrefutables y acababan, una y otra vez, en la confesión personal y a menudo en la depresión. Las sesiones de escritura solían ser reemplazadas por sobremesas alcohólicas en algún bar, y los nombres de los personajes daban paso rápidamente a los de nuestras novias. Con el tiempo, con el guión increíblemente

terminado, acabamos por comprender que la verdadera identidad de la película era ésa; que no era un relato que fuera a aportar definiciones, sino que lo central era aquello que se filtraba en medio de nuestras opiniones, aquello que, sin saberlo, compartíamos. Nada de lo que decíamos en aquellas noches de escritura era demasiado cierto ni demasiado importante; pero algo, secreto e invisible, nos había llevado hasta allí. De eso, precisamente, está hecho el film.

Ahora, sólo basta repasar el año que nos tomó escribir y filmar la película: cada uno de nosotros se enamoró, o se separó, o fue abandonado, o se fue a vivir con su chica, o estuvo a punto de irse, y sufrió, y tuvo momentos buenos. El film, curiosamente, acabó por ser un documental sobre nosotros mismos. Todo eso que pensábamos era cierto.

Primavera del 2004




5. Homenaje a Víctor Iturralde (1927-2004)
Del jueves 4 al domingo 7
En el marco del Tercer Festival de Cine para la Infancia y la Jventud

Se llamaba Víctor Aytor Iturralde Rúa, a veces firmaba como VAIR, y fue realizador, animador, documentalista, docente, escritor, crítico, erudito, investigador, historiador, cineclubista, anarquista, bohemio. Ya en 1962 un artículo sobre él declaraba “Su labor es vastísima”, y desde entonces ésta no hizo más que aumentar proporcionalmente. Sólo lo detuvo la enfermedad, que en los últimos años fue apagándolo de a poco.
Muchos le debemos nada menos que la conciencia de nuestra vocación, ya sea por haber asistido a los muchos cineclubes para niños que coordinó, a las innumerables clases que dictó, a los talleres de animación que dirigió o al legendario programa de TV Cineclub Infantil, que creó y condujo. En esos y en otros espacios se dedicó a la difusión sistemática de material no convencional. Documentales, films de animación independiente, cine mudo primitivo y obras abstractas de todo tipo obligaban a sus espectadores a redefinir lo que consideraban cine.
Como buen librepensador, Iturralde privilegiaba aquellos films en los que la creación artística pura se demostraba tan posible como en la pintura o en la literatura, es decir, prescindente de las ataduras industriales y comerciales. Al mismo tiempo, enseñaba que el cine entendido de ese modo también era de realización accesible para cualquiera y apostaba al estímulo de la imaginación, la curiosidad, los valores humanistas, la comunicación. El arte y el conocimiento como caminos directos hacia una verdadera libertad individual.
Este homenaje procura ofrecer apenas una muestra del cine de Víctor Iturralde. Por la naturaleza de su trabajo, esta evocación no puede incluir únicamente las obras que él realizó, sino también las que amó y difundió. Los cuatro programas de la muestra, que proponen recorrer los principales ejes de su trabajo, están integrados en su mayor parte por films de su cinemateca personal, donada por su familia a la Filmoteca Buenos Aires. También incluyen sus principales cortometrajes como creador, que podrán verse por primera vez en muchos años tras haber sido rescatados y restaurados.
Fernando Martín Peña

Programa 1 – Niños
Para muchos, Víctor Iturralde es sinónimo de cine para niños. Fue pionero en esa difícil disciplina y su capacidad para lograr la complicidad de su público infantil se basaba en una milagrosa combinación de respeto, paciencia, ingenio e histrionismo. Este programa contiene algunos films con los que Víctor se acercó a ese público.
Crónica en Maciel (Argentina, 1958) de Víctor Iturralde. 25’.
Documental sobre una experiencia educativa primaria en la Isla Maciel. Es el único documental de VAIR que se conserva completo.
El juglar de Notre Dame (Le jongleur de Notre Dame, Francia, 1965) de Stephano Lonatti e Italo Bettiol. 19’.
Cortometraje multipremiado, realizado con muñecos animados cuadro a cuadro.
El pato Saturnino (Saturnin, le petit canard, Francia, 1964) de Jean Tourane. 15’.
Tenía una voz inolvidable, llevaba un moño y jugaba a desempeñar oficios del curioso mundo de los humanos adultos. Hoy, la Sociedad Protectora de Animales lo objetaría, pero en los inconscientes años 60 la serie del Pato Saturnino marcó a una generación. Se veía como sección fija en el programa Cineclub Infantil de VAIR.
El globo rojo (Le ballon rouge, Francia, 1956) de Albert Lamorisse. 30’.
Clásico del cortometraje, protagonizado por un niño solitario y un globo con vida propia.

Programa 2 – Un mundo mejor
Una serie de films que representan diversas aplicaciones de la tecnología, con la ilusión de un planeta mejor comunicado y más humano.
El ferroviario (The Railrodder, Canadá, 1965) de Gerald Potterton, con Buster Keaton. 25’.
El legendario Buster Keaton hace turismo de un extremo a otro de Canadá a bordo de una pequeña zorra motorizada. Los gags de este film evocan el humor visual del mejor cine cómico mudo.
Comercial para Télam (Argentina, 1970) de Víctor Iturralde. 3’.
Corto esgrafiado directamente sobre el celuloide, sobre la consigna “Para Télam el amor también es noticia”.

¡Hola! (Allo! Allo!, Rumania, 1962) de Ion Popescu-Gopo. 9’.
Una breve historia de la comunicación humana realizada en dibujos animados.

Cosmic Zoom (Canadá, 1968) de Eva Szasz. 8’.
El “Zoom cósmico” del título permite primero dirigirse desde el hombre hacia la infinidad del universo y luego invertir el proceso para penetrar en la infinidad microscópica. En uno y otro caso la obvia moraleja es que no somos nada.
Los tres inventores (Les trois inventeurs, Francia, 1980) de Michel Ocelot. 13’.
Una familia de inventores debe enfrentar los prejuicios de su entorno en este cortometraje realizado con puntillosos recortes animados cuadro a cuadro. Obtuvo una larga lista de premios internacionales.

Programa 3 – Cine mudo + música en vivo
Para Iturralde, el cine primitivo (es decir, preindustrial) era un espacio de gozo y libertad comparable a cualquier infancia. Todos los films de este programa serán acompañados con música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina Fernando Kabusacki.
Un sueño hacia la luna (Rêve à la lune, Francia, 1905) de y con Ferdinand Zecca. 3’.
Disparate onírico-alcohólico.
¡A la conquista del polo! (A la conquête du pôle, Francia, 1912) de Georges Méliès. 8’.
Obra emblemática de Méliès, realizador de creatividad desbordante que Iturralde adoraba especialmente. Uno de sus últimos proyectos consistió, precisamente, en el rodaje de un corto que evocara la estética del cineasta francés.
El elixir de las energías (Francia, c. 1910) Producción Pathe. 5’.
Un hombre se libera de toda atadura física y social gracias a un producto químico que le proporciona fuerza sobrehumana.
Max lanza la moda (Max lance la mode, Francia, 1912) de Max Linder. 5’.
Perfecto ejemplo de la obra del primer gran divo del cine cómico.
El reparador de cerebros (Le retapeur de cervelles, Francia, 1911) de Emile Cohl. 6’.
El animador Emile Cohl se anticipó a los extremos visuales del surrealismo en este film que ilustra las imágenes producidas por una mente perturbada.
El gato Félix (Felix the Cat, EUA, 1927) de Otto Messmer y Pat Sullivan. 6’.
La primera estrella del dibujo animado fue el gato Félix, que cautivó al público de su época por la libertad de su línea y su humor.
Estudio nº 5 (Studie nº 5, Alemania, 1930) de Oskar Fischinger. 3’.
En su búsqueda de una síntesis entre la pintura, el cine y la música, Fischinger realizó varios cortos experimentales como éste, en el que grupos de figuras abstractas se mueven rítmicamente.
Entreacto (Entr’acte, Francia, 1924) de René Clair, con Jean Börlin, Inge Frïss, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Man Ray, Darius Milhaud. 22’.
Film emblemático del dadaísmo, concebido para proyectarse en el intervalo de un ballet de Erik Satie.
Ideítas (Argentina, 1952), Hic...! (Argentina, 1953), Puna (Argentina, 1954), Piripipí (Argentina, 1956), Baladita (Argentina, 1956), todos de Víctor Iturralde.
Primeros cortometrajes experimentales de Iturralde, realizados con diversas técnicas de trabajo directo sobre el celuloide. Contra lo que se supone, estos films fueron hechos antes de que Iturralde conociera la obra del escocés Norman McLaren.

Programa 4 – El ojo oye, el oído ve
La frase es de McLaren y designa la voluntad de realizar un tipo de cine que pueda deshacerse de los límites convencionales de la percepción. Iturralde fue uno de los mayores impulsores de la obra del cineasta y de otros que siguieron el mismo camino estético. Esta selección reúne algunos de ellos.
Discurso de apertura (Opening Speech, Canadá, 1960) de y con Norman McLaren. 7’.
McLaren realizó y protagonizó este cortometraje animándose cuadro a cuadro a sí mismo.
Betty Boop en el país de las maravillas (Betty in Blunderland, EUA, 1934) de Dave Fleischer. 6’.
Durante dos décadas, los hermanos Max y Dave Fleischer fueron los únicos creadores del dibujo animado que compitieron con Walt Disney. Su obra se destacó no sólo por sus desbordes de humor delirante, sino también por el ingenuo erotismo de Betty Boop, su personaje más memorable.

Estudio nº 7 (Studie nº 7, Alemania, 1931) de Oskar Fischinger. 3’.
Una pieza de Brahms determina el movimiento de una serie de curiosas figuras en esta obra experimental.
Opus 3 (Canadá, 1966) de Pierre Hebert. 7’.
Juego de imágenes y sonidos sobre una estructura libre.
Boogie Doodle (Canadá, 1948) de Norman McLaren. 4’.
Film dibujado a mano por McLaren, sobre un tema de Oscar Peterson.
El Danubio azul (Argentina, 1980) de Luis R. Bras. 7’.
La danza de los cubos (Argentina, 1982) de Luis R. Bras. 6’.
Con Iturralde, el rosarino Luis R. Bras fue el único cineasta argentino que siguió sistemáticamente los postulados de McLaren, inventando técnicas propias.
Danza cuadrada (Dance Squared, Canadá, 1961) de René Jodoin. 3’.
Juego geométrico sobre un tema musical popular.
Comercial para Sugus (Argentina, 1957) de Víctor Iturralde. 2’.
Petrolita (Argentina, 1958) de Víctor Iturralde. 5’.
Dos ejemplos del cine sin cámara de Iturralde. Petrolita, síntesis ecológica contundente y de plena vigencia, ganó diversos premios internacionales y se verá en copia nueva de 35 mm, en formato original de pantalla ancha.
El cuento de una silla (A Chairy Tale, Canadá, 1957) de Norman McLaren y Claude Jutra, con Claude Jutra. 12’.
Un lector no puede realizarse como tal por culpa de una silla rebelde. Es uno de los más importantes films de McLaren.





6. Trasnoches
Óperas primas: Coppola – Scorsese – Lucas - Carpenter
Viernes y sábados a las 24:00. Estos films se exhiben por gentileza de la distribuidora CGI.

Durante el mes de octubre las trasnoches de malba.cine estarán dedicadas a los primeros largometrajes de cuatro de los directores más influyentes del cine norteamericano contemporáneo: George Lucas, Martin Scorsese, John Carpenter y Francis Ford Coppola. Los cuatro se iniciaron en la más absoluta independencia, con obras que anticipan temas, géneros y motivos de su cine posterior.

Demencia 13 (Dementia 13, EUA, 1963) de Francis Ford Coppola, c/William Campbell, Luana Anders, Bart Patton, Mary Mitchell. 81’. Doblada al castellano.
En realidad, la ilustre filmografía del director de El padrino se inició con una película nudie titulada Tonite for sure, pero su primer opus comercial fue este eficaz film de terror producido por Roger Corman y rodado en Irlanda. Coppola logró lo máximo posible a partir de un presupuesto exiguo gracias a un elaborado clima de suspenso y a un par de escenas fuertes, a medio camino entre La noche del cazador de Charles Laughton y Los inocentes de Jack Clayton. El peso trágico de las relaciones familiares, tema recurrente en su obra posterior, ya se encuentra en este film. Demencia 13 nunca se estrenó en cines en Argentina, pero hace muchos años se la pudo ver por TV.

¿Quién golpea a mi puerta? (Who’s That Knocking at My Door?, EUA, 1968) de Martin Scorsese, c/Harvey Keitel, Anne Collette, Leonard Kuras. 90’.
Tras realizar algunos cortometrajes, Scorsese volcó en su primer largo casi todas sus constantes futuras: la represión católica, la estrecha relación entre sexo, violencia y religión, la cinefilia (que a esta altura era más europea que norteamericana), el suburbio, la desenfrenada imaginación formal. Incluso algunos colaboradores, como Harvey Keitel y la montajista Thelma Schoonmaker, iniciaron aquí su larga asociación con el director. En Argentina se estrenó con varios años de atraso, tras la repercusión local de films como Taxi Driver.

THX 1138 (EUA, 1971) de George Lucas, c/Robert Duvall, Donald Pleasence, Maggie McOmie, Ian Wolfe. 88’.
Hoy es una marca relacionada con salas de cine bien equipadas, pero en un principio fue el título del primer largometraje de Lucas, una pesadilla futurista que amplió ideas temáticas y formales de un cortometraje universitario. En el ritmo del film y en sus imágenes –a veces rabiosamente experimentales– no hay nada que permita anticipar algo parecido a La guerra de las galaxias. En cambio, la visión aterradora de lo que vendrá se aproxima a la de Orwell en 1984 y las ingeniosas soluciones visuales para representar el mundo futuro con bajo presupuesto recuerdan a Alphaville de Godard.

Dark Star (EUA, 1974) de John Carpenter, c/Dan O’Bannon, Dre Pahich, Brian Narelle. 83’.
Tres astronautas de extracción claramente hippie se pasean por el espacio haciendo estallar planetas inestables. Sus principales herramientas son bombas inteligentes, capaces de sostener interesantes conversaciones sobre fenomenología. Esta comedia negra con música surf fue escrita por Carpenter y Dan O’Bannon con la evidente intención de burlarse de la solemnidad de 2001 de Kubrick. En parte funciona también como un anticipo de Alien, escrita después por O’Bannon. Nunca fue estrenada comercialmente en Buenos Aires y se la exhibirá por primera vez en fílmico en copia adquirida recientemente en Estados Unidos por el coleccionista Fabio Manes.





7. Una ventana al cine mexicano
Del jueves 11 al domingo 14

Cuatro largos y seis cortometrajes, todos inéditos en Argentina, integran esta muestra organizada por la Embajada de México.

Un embrujo (1998) de Carlos Carrera, c/Blanca Guerra, Daniel Acuña, Guillermo Gil, Vanessa Bauche, Elpidia Carrillo. 122’.
Situada en el sureste mexicano, en el puerto de Progreso, Yucatán, a finales de los años veinte, esta película que se mueve entre la realidad y la magia es la historia de un adolescente y sus amigos, de su amor por su maestra y de su destino alejado de sus sueños. Es también la historia de la maestra que cree en un mundo mejor; sin las barreras de la incomprensión y la intolerancia.

El cometa (1998) de Marisa Sistach, c/Diego Luna, Ana Claudia Talancón, Patrick Le Mauff, Gabriel Retes, Carmen Maura. 90’.
Al ser testigo del arresto de su padre por dedicarse a imprimir publicaciones "subversivas" en contra del dictador Porfirio Díaz, Valentina huye con un saco de monedas de oro que tiene que llevar al rebelde Francisco I. Madero, quien se encuentra en San Antonio, Texas. En su largo viaje desde la Ciudad de México hasta la ciudad texana como miembro de un circo trashumante, encuentra el amor al lado de Víctor, quien al descubrir el cinematógrafo se dedica a filmar todo lo que sucede frente a sus ojos, en tiempos de gran turbulencia política.

Un dulce olor a muerte (1999) de Gabriel Retes, c/Karra Elejalde, Ana Álvarez, Diego Luna, Héctor Alterio, Ignacio Retes. 98’.
La aparición del cadáver de Adela, joven muerta en circunstancias desconocidas, provoca una ola de rumores en el pueblo. El odio aviva la sed de venganza de Ramón, enamorado secreto de Adela, que promete matar a quien todos señalan como el asesino: El Gitano.

Rito terminal (2000) de Óscar Urrutia Lazo, c/Guillermo Larrea, Soledad Ruiz, Rafael Velasco. 112’.
La celebración de la fiesta patronal en una comunidad indígena es el marco donde un joven fotógrafo pierde su sombra. Para recuperarla, deberá recorrer un camino iniciático junto con los pobladores de la comunidad, compartiendo una forma distinta de aproximarse al entorno.

Se exhibirán, además, los cortometrajes El Muro de Sergio Arau, Largo es el camino al cielo de José Ángel García Moreno, Sístole-diástole de Carlos Cuarón, Sin sostén de René Castillo y Antonio Urrutia, Pronto saldremos del problema de Jorge Ramírez y En el espejo del cielo de Carlos Salces.




8. Rostros de Cine (una muestra de agradecimiento)
Programador invitado: Paraná Sendrós. Con el auspicio de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina
Sábado 20 y domingo 21

Este ciclo vendría a ser algo así como un homenaje a los homenajes. Y todo buen homenaje es, en primer término, un agradecimiento. Se agradece aquí la pasión, la dedicación, el talento y el cariño de diversas personas hacia nuestro cine, al que de un modo u otro le han dedicado parte de su vida, y hasta la vida misma. Algunas de esas personas estarán también presentes en la sala, para verse en pantalla por primera vez.
La principal, Margarita Bróndolo, de noventa y tres años, todavía tremendamente lúcida y activa, memoria viva de la época de oro del cine criollo, desde los estudios Side y San Miguel en adelante. Su colega, el montajista Eduardo López –de la familia de montajistas que impusieron su nombre en Aries–, le dedica el documental Margarita, donde ella, por su parte, agradece con admiración a esos maestros que hoy para muchos son apenas un nombre en los libros de texto o en los créditos de las viejas películas.
Gente a la que supo conocer y tratar ese gran conversador llamado Iván Grondona, que repasa su propia vida y evoca al padre idealista, a los bohemios del Bajo, a Ibáñez Menta y otras glorias que hoy pocos registran en El país de Nomeacuerdo, otro de esos retratos que con inspiración y debida captación suele hacer Eduardo Montes Bradley. Hablando también acerca de sí mismo, Cacho Castaña repasa coincidencias con Sandro, vivencias con Goyeneche, experiencias con las mujeres y con el cine, entre publicitarios con Susana Romero y películas de Adolfo Aristarain y Lucho Bender, y además canta, lo que también se agradece, en Traficante de ilusiones, de Miguel Ángel Martínez, digno alumno del Taller Martínez Suárez.
La gente de la productora Bendercine también se agrega, recordando cariñosamente al realizador Lucho Bender con un corto centrado en el rodaje de Felicidades, su único largometraje. Otras evocaciones: Tacholas, un actor galaico-porteño, de José Santiso, y el ingenioso NN, Jorge Giannoni, ése soy yo, donde Gabriela Jaime investiga la peregrina y muy argentina historia de alguien que estuvo en todas: cronista de festivales, alumno de Pasolini, asistente de Rocha y de Fellini, reportero de Rossellini en el Mayo Francés y Palestina, cofundador de cosas que nos benefician todos los días, marido de rubias, morenas y pelirrojas, etc. A la hora de los epígrafes, sin embargo, Jorge Giannoni terminó figurando como NN. Por suerte están los amigos.
Como un final de fiesta a cargo de toda la compañía, Rodolfo Durán presenta Dirigido por..., imprescindible cuadro de conjunto, rico en detalles instructivos y confesiones a cámara, de decenas de autores nacionales, desde los venerables David J. Kohon y Martínez Suárez hasta Adrián Caetano, Sergio Bellotti y Lucrecia Martel, que repasan sus experiencias, desde las discusiones previas al rodaje hasta los días posteriores al estreno, un repaso que tiene lugar entre risas, ilusiones, cansancios, desilusiones, una mesa de amigos y vinos, y nuevas ilusiones.

Programación

El país de Nomeacuerdo (Argentina, 2004) de Cándida Beltrán, c/Iván Grondona. 65’.
Negro sobre blanco (Argentina, 2004) de Eduardo López, c/Margarita Bróndolo. 80’.
NN, Jorge Giannoni, ése soy yo (Argentina, 2000) de Gabriela Jaime. 64’.
Tacholas, Un actor galaico-porteño (Argentina, 2004) de José Santiso, c/testimonios de Antonio Pérez Prado, Graciela Borges, Héctor Olivera, Osvaldo Bonnet y otros. 80’.
Felicidades -Making- (Argentina, 2001) de Lucho Bender. 15’.
Traficante de ilusiones: Cacho Castaña (Argentina, 2003) de Miguel Ángel Martínez, c/Cacho Castaña. 61’.
Dirigido por... (Argentina, 2004) de Rodolfo Durán, c/testimonios de Adolfo Aristarain, Juan Carlos Arch, Patricio Coll, Adrián Caetano, Lucrecia Martel, David José Kohon, Manuel Antin, José Martínez Suárez y otros. 98’.


9. Rescate del mes: Foxtrot, de Arturo Ripstein (México / Gran Bretaña, 1976).
Viernes 19 a las 22:00

Copias nuevas en 35 mm gestionadas por Malba, con el aporte de KODAK y del laboratorio CINECOLOR.

Tres hombres y una mujer quedan varados en una isla, en medio de la segunda guerra mundial. Habiendo perdido todos los medios para escapar, los hombres deciden que “todo lo que hay aquí pertenece a todos”, lo cual implica también a la mujer.
Verdadera curiosidad en la filmografía de Ripstein, Foxtrot fue el único de sus films que contó con estrellas internacionales y que tuvo una versión hablada en inglés. Esa modalidad de producción no implicó que el realizador se traicionara a sí mismo: Foxtrot es una historia de animalización y encierro (al aire libre, pero encierro al fin) que comparte las resonancias sórdidas de sus otros films del período. Fue escrita en colaboración con José Emilio Pacheco, fecundo autor que colaboró con Ripstein en films como El castillo de la pureza, El santo oficio y El lugar sin límites. Curiosamente, en Estados Unidos fue distribuida nada menos que por Roger Corman.


Ficha técnica
Foxtrot (México / Gran Bretaña, 1976) Dirección: Arturo Ripstein / Libreto: H. A. L. Craig, José Emilio Pacheco, Arturo Ripstein / Fotografía: Alex Phillips, Jr. / Música: Pete Rugolo / Montaje: Peter Zinner / Productor: Gerald Green. Con Peter O’Toole (Liviu), Charlotte Rampling (Julia), Max von Sydow (Larsen), Jorge Luke (Eusebio), Helena Rojo (Alexandra), Claudio Brook (Paul). Duración original: 91’.



10. Ciclo ADF – Malba.cine
100 años, luz (un recorrido por la historia de la dirección de fotografía en el cine).
Sábado 27 a las 18:00

14º encuentro
24 Hour Party People, de Michael Winterbottom (Inglaterra, 2002). Con Steve Coogan, John Thomson, Nigel Pivaro. Duración original: 117’.

“Como vengo de allí, me gustó la idea de hacer una película sobre Manchester, y me gustó el período ya que muchos personajes en la historia son casi de mi generación... Parte de la idea original era que el guión fuera algo indefinido. La idea de Factory era casi no planear cosas, no organizar, no trabajar como una compañía, sino como un grupo de gente que permitiera a otra gente hacer lo que tuvieran ganas. Así que la idea fue que la película tuviera el mismo espíritu. Que cualquiera que estuviera trabajando en ella se sintiera tan libre como fuera posible para hacer lo que quisieran... No creo que importe tanto la tecnología como la relación entre las cámaras y los actores. La idea era mezclar 35 mm y DV. Miramos Wonderland (que yo había filmado en 16 mm), Contra viento y marea (que Robby Müller filmó en 35 mm), y algunas cosas que él grabó en DV. Filmamos así para permitir el mayor espacio posible a las interpretaciones y tener una sensación de grabar las cosas mientras suceden, en vez de componerlas y organizarlas.” Michael Winterbottom

Ficha técnica
24 Hour Party People (Inglaterra, 2002) Dirección: Michael Winterbottom, / Libreto: Frank Cottrell Boyce / Fotografía: Robby Müller. Montaje: Trevor Waite, Michael Winterbottom / Productor: Andrew Eaton. Con Steve Coogan, John Thomson, Nigel Pivaro. Duración original: 117’.

Este film se exhibe por gentileza de la distribuidora CGI.




11. Festival Videopoesía 2004
Domingo 28 a las 22:00

VideoBardo es una organización sin fines de lucro fundada en 1996. Surge como una iniciativa de la revista de poesía Bardo al tomar conciencia de que estamos en un tiempo donde el lenguaje audiovisual ha tomado una importancia fundamental en nuestra cultura (cine, tv, pantallas de computadora, etc.) y que el poeta debe intervenir en la formación de este nuevo lenguaje. Entendemos la videopoesía como un nuevo género en formación que incluye aquellas obras audiovisuales que contienen un trabajo especial con la palabra, el lenguaje, la letra y/o los símbolos.
El Festival Videopoesía 2004 en Buenos Aires se propone unir y enriquecer mutuamente países y culturas de distintas latitudes. Que a través de los medios audiovisuales, el idioma del arte y de la poesía ayude a que los pueblos y los seres humanos puedan interrelacionarse para unirse en la paz que dan la creatividad, la justicia, la libertad y la igualdad.

Programación
Diógenes fortuito (Javier Robledo, Argentina) 5’, In Deaths Dream Kingdom (Iván Marino, Argentina) 8’, Señas particulares (Graciela Ciampini, Argentina) 3’, Todo sobre (Alejandro Fontana, Argentina) 3’, Lo sublime (Graciela Taquini, Argentina) 10’, De niño (Carlos Trilnik, Argentina) 7’, Bro sal (Jorg Piringer, Austria) 4’, Visiones fugitivas (Robert Cahen, Francia) 6’, Varios (Marcel Duchamp, Francia) 5’, Iversión III (Fernando Bartolomé, España) 6’, Video is televisión? (Antoni Muntadas, España) 5’, Nembo verso nord (Nicola Frangione, Italia) 4’, Ittosang (N. Frangione, Italia) 5’, Pinocchio all ticket (N: Frangione, Italia) 1’, Father’s Dead Blue (Allen Ginsberg, EUA) 4’, The Red Villa (Michael Mills, Canadá) 16’, Missing Miss (Clemente Padín, Uruguay) 5’, rg_foot (Rainer Golchert, Alemania) 12”, Walking with Planes (Om Feldenberg, Alemania) 3’, To Live Her Life (Sala-manca, Israel) 3’, I Lion You (Joseph Spinzak, Ariel Meyroz, Israel) 5’.



12. Programación día a día


Jueves 4
14:00 Víctor Iturralde: Programa 1
16:00 Víctor Iturralde: Programa 2
18:00 La inmortal de Alain Robbe-Grillet
22:00 El hombre que miente de Alain Robbe-Grillet

Viernes 5
14:00 Víctor Iturralde: Programa 2
16:00 Víctor Iturralde: Programa 1
18:00 El edén y después de Alain Robbe-Grillet
20:00 La inmortal de Alain Robbe-Grillet
22:00 Música en la noche de Ingmar Bergman
24:00 Demencia 13 de Francis Ford Coppola

Sábado 6
14:00 Víctor Iturralde: Programa 3 + mv
16:00 Víctor Iturralde: Programa 3 + mv
18:00 El hombre que miente de Alain Robbe-Grillet
20:00 El amor (Primera parte) de A. Fadel, M. Mauregui, S. Mitre y J. Schnitman
22:00 Hace un año en Marienbad de Alain Resnais
24:00 Demencia 13 de Francis Ford Coppola

Domingo 7
14:00 Víctor Iturralde: Programa 4
16:00 Hace un año en Marienbad de Alain Resnais
18:00 Charla abierta con Alain Robbe-Grillet (entrada gratuita)
20:00 El amor (Primera parte) de A. Fadel, M. Mauregui, S. Mitre y J. Schnitman
22:00 Víctor Iturralde: Programa 4

Jueves 11
14:00 El cometa de Marisa Sistach
16:00 Un embrujo de Carlos Carrera
18:00 Saraband de Ingmar Bergman

Viernes 12
14:00 Rito terminal de Oscar Urrutia Lazo
16:00 El cometa de Marisa Sistach
18:00 El demonio nos gobierna de Ingmar Bergman
20:00 Saraband de Ingmar Bergman
24:00 THX 1138 de George Lucas

Sábado 13
14:00 Un dulce olor a muerte de Gabriel Retes
16:00 Rito terminal de Oscar Urrutia Lazo
18:00 El huevo de la serpiente de Ingmar Bergman
20:00 El amor (Primera parte) de A. Fadel, M. Mauregui, S. Mitre y J. Schnitman
22:00 Saraband de Ingmar Bergman
24:00 THX 1138 de George Lucas

Domingo 14
14:00 Un embrujo de Carlos Carrera
16:00 Un dulce olor a muerte de Gabriel Retes
18:00 Saraband de Ingmar Bergman
20:00 El amor (Primera parte) de A. Fadel, M. Mauregui, S. Mitre y J. Schnitman
22:00 Cuando huye el día de Ingmar Bergman

Jueves 18
14:00 Puerto de Ingmar Bergman
16:00 El ojo del diablo de Ingmar Bergman
18:00 Saraband de Ingmar Bergman
22:00 Un verano con Mónica de Ingmar Bergman

Viernes 19
14:30 Detrás de un vidrio oscuro de Ingmar Bergman
16:00 Luz de invierno de Ingmar Bergman
18:00 El silencio de Ingmar Bergman
20:00 Saraband de Ingmar Bergman
22:00 Rescate del mes: Foxtrot de Arturo Ripstein
24:00 ¿Quién golpea a mi puerta? de Martin Scorsese

Sábado 20
14:00 NN, Jorge Giannoni, ése soy yo de Gabriela Jaime
16:00 Iván Grondona: El país de Nomeacuerdo de Cándida Beltrán
18:00 Negro sobre blanco de Eduardo López
20:00 El amor (Primera parte) de A. Fadel, M. Mauregui, S. Mitre y J. Schnitman
22:00 Saraband de Ingmar Bergman
24:00 Función especial Lucky Strike: ¿Quién golpea a mi puerta? de Martin Scorsese

Domingo 21
14:00 Tacholas de José Santiso
16:00 Cacho Castaña: Traficante de ilusiones de Miguel Ángel Martínez
18:00 Saraband de Ingmar Bergman
20:00 El amor (Primera parte) de A. Fadel, M. Mauregui, S. Mitre y J. Schnitman
22:00 Dirigido por... de Rodolfo Durán

Jueves 25
14:00 Vergüenza de Ingmar Bergman
16:00 Persona de Ingmar Bergman
18:00 Saraband de Ingmar Bergman
20:00 La fuente de la doncella de Ingmar Bergman

Viernes 26
14:00 El séptimo sello de Ingmar Bergman
16:00 Música en la noche de Ingmar Bergman
18:00 La sed de Ingmar Bergman
20:00 Saraband de Ingmar Bergman
22:00 De la vida de las marionetas de Ingmar Bergman
24:00 Dark Star de John Carpenter

Sábado 27
14:00 El toque de Ingmar Bergman
16:00 El mago de Ingmar Bergman
18:00 ADF: 24 Hour Party People de Michael Winterbottom
20:00 El amor (Primera parte) de A. Fadel, M. Mauregui, S. Mitre y J. Schnitman
22:00 Saraband de Ingmar Bergman
24:00 Dark Star de John Carpenter

Domingo 28
14:00 Escenas de la vida conyugal de Ingmar Bergman
18:00 Saraband de Ingmar Bergman
20:00 El amor (Primera parte) de A. Fadel, M. Mauregui, S. Mitre y J. Schnitman
22:00 Festival Videopoesía