Malba - Fundación Costantini - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
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Prensa
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Diciembre 2011
Para su difusión


EXPOSICIÓN TEMPORARIA
Bye Bye American Pie
Del 30 de marzo al 4 de junio. Sala 5 (2º piso)

Inauguración: jueves 29 de marzo de 2012 a las 19:00
Curador: Philip Larratt-Smith

Malba – Fundación Costantini inaugura su calendario de exposiciones 2012 con la exposición Bye Bye American Pie, una selección de más de 110 obras de siete destacados artistas estadounidenses: Jean-Michel Basquiat, Larry Clark, Nan Goldin, Jenny Holzer, Barbara Kruger, Paul McCarthy y Cady Noland, que por primera vez se exhiben en forma conjunta en Buenos Aires.

Curada por Philip Larratt-Smith y concebida como continuación de su exposición anterior en Malba, Andy Warhol, Mr. America (2009-2010), Bye Bye American Pie explora las transformaciones de la cultura estadounidense desde los años setenta hasta el presente a través de la producción de siete de los artistas más importantes de los Estados Unidos de los últimos 40 años.

Esta investigación reúne piezas claves de cada artista, provenientes de importantes colecciones públicas y privadas internacionales. Se incluyen pinturas y obras en papel de gran formato de Jean-Michel Basquiat, el mejor de los pintores norteamericanos de los años 80; la serie Tulsa (1963-1971) de Larry Clark que rompió la definición de lo aceptable en la historia de la fotografía; y la célebre Ballad of Sexual Dependency (La balada de la dependencia sexual, 1978-1996), de Nan Goldin. También las yuxtaposiciones de texto e imagen de Barbara Kurger que adaptan las estrategias de la propaganda política a la ideología consumista; las pinturas serigrafiadas y obras de LED de Jenny Holzer; y la impactante escultura mecánica Train (2003–2009) de Paul McCarthy.

La selección de obras responde tanto a la sensibilidad artística como a las estrategias formales de los artistas en diversos medios. “Así, el documentalismo duro de las fotografías de Clark y el tono de diario íntimo de las presentaciones de diapositivas de Goldin se alterna con la crítica implícita en las “redaction paintings” de Holzer y la yuxtaposición de texto e imagen en la obra de Kruger. La asimilación de Basquiat de códigos de la cultura negra urbana y formas vernáculas como el grafitti con la tradición de la gran pintura europea dialoga con la puesta en escena que lleva a cabo McCarthy de la política cultural en el plano del ello”, explica Larratt-Smith.

La exposición toma su nombre de la canción American Pie de Don McLean sobre la pérdida de la inocencia de la generación de los años 60. La exhibición conjunta de este grupo de artistas permite ofrecer un panorama de una tendencia particular de la historia cultural de los Estados Unidos, surgida cuando el apogeo de la civilización estadounidense -que Warhol celebró tan brillantemente- dio paso a la crítica y a la deconstrucción, y cuando una única cultura dominante fortalecida por la televisión y el cine de Hollywood se fragmentó en múltiples subculturas.“La producción de estos artistas profetiza la decadencia gradual de los Estados Unidos, no solo en su hegemonía económica y política, sino también como cultura y como ideal”, resalta el curador.

Acompaña la exposición un volumen crítico exhaustivo que incluye el ensayo “El malestar en la cultura” del curador Philip Larratt-Smith, y colaboraciones preparadas especialmente para la muestra del novelista y crítico cultural estadounidense Gary Indiana (“La caída de la casa del Ratón Mickey”) y del escritor y filósofo británico John Gray ("El sueño electrográfico"). Los ensayos son acompañados por una línea de tiempo visual con imágenes del cine, la política y la historia estadounidense, compilado especialmente por el curador. El catálogo incluye también una sección completa con la reproducción de las obras y textos breves sobre cada uno de los artistas en relación con la tesis curatorial.


Curador internacional
Bye Bye American Pie será la exposición inaugural de Larratt-Smith desde que se incorporó al Departamento de Curaduría de Malba como curador del programa internacional en septiembre 2011. En Buenos Aires, Larratt-Smith organizó y curó las muestras Andy Warhol, Mr. America (2009-2010) en Malba y Louise Bourgeois: El retorno de lo reprimido en la Fundación Proa (2011). Fue también curador de importantes exposiciones en Gran Bretaña (Joan Mitchell, Edimburgo, Escocia, 2010) y en Medio Oriente (Louise Bourgeois: Conscious and Unconscious, Doha, Qatar). En Malba curará muestras de destacados artistas internacionales y colaborará con curadores invitados en importantes proyectos del programa internacional del museo.

“Philip Larratt-Smith ha curado muestras capitales de grandes artistas de posguerra y contemporáneos en toda Latinoamérica, que supieron combinar la relevancia a nivel local con la originalidad y la perspectiva global. Su designación como curador del museo reafirma el compromiso de Malba de fortalecer y ampliar su programa internacional, a través de muestras que signifiquen una contribución importante al discurso sobre el arte contemporáneo”, afirma Eduardo F. Costantini, Presidente de Malba.


CV
Philip Larratt-Smith (Toronto, Canadá 1979)
. Es escritor y curador independiente. Vive y trabaja entre Nueva York y Londres. Fue el curador de Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido (Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina; Instituto Tomie Ohtake, San Paulo, Brasil; Museu do Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil (todos en 2011); y el Freud Museum, Londres, Inglaterra (marzo 2012); Larry Clark (Fototeca de Cuba, La Habana, Cuba, 2011); Joan Mitchell (Inverleith House, Edinburgo, Escocia, 2010); Andy Warhol, Mr. America (Banco de la República, Bogotá, Colombia; Malba – Fundación Costantini, Buenos Aires, Argentina; y Pinacoteca de São Paulo, Brasil, 2009–2010); Louise Bourgeois: Nature Study (Inverleith House, Edinburgo, Escocia, 2008); Robert Mapplethorpe: Sagrado y Profano (Fototeca de Cuba, La Habana, Cuba, 2006); y Louise Bourgeois: Uno y Otros (Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana, Cuba, 2005). Ha escrito sobre la obra de Tracey Emin, Jenny Holzer, Guillermo Kuitca, Milton Resnick, Irán do Espírito Santo y Roni Horn, entre otros. Nació en Toronto, Canadá, en 1979. En 2003 terminó sus estudios de B.A. in Classics en la Universidad de Harvard. Trabajó como archivista literario en el estudio de Louise Bourgeois y prepara en la actualidad la edición completa de sus escritos psicoanalíticos.

Los artistas por Philip Larratt-Smith

Jean-Michel Basquiat (Brooklyn, Nueva York, 1960-1988)
Basquiat inyectó en las tradiciones de la cultivada pintura europea los modismos de la cultura negra urbana y las formas vernáculas de la calle. Empezó su carrera como artista del graffiti que hacía dibujos crípticos en el Soho con el rótulo “SAMO” (abreviatura de “same old shit”, “la misma mierda de siempre”). En el mundo predominantemente blanco del arte de principios de la década de 1980, su exploración de la experiencia negra fue celebrada. Basquiat surgió como la primera superestrella negra en un momento en el que el mercado del arte se ampliaba de manera exponencial. Como su amigo Andy Warhol, quien hizo una serie de pinturas en colaboración, Basquiat construyó y cultivó un personaje público que garantizaba su celebridad. Sus extravagancias contribuyeron a cimentar tanto su propia notoriedad como la de su obra. Su muerte temprana en 1988 -a causa de una sobredosis- le garantizó el estatus de una leyenda contemporánea.
La cualidad de la línea de Basquiat es directa e inmediata, maníaca e hiperalerta, igualmente capaz de captar la cruda energía de la vida callejera de Nueva York y de imitar la cualidad improvisadora del jazz, que avanza transportada sobre una corriente de anfetaminas.
En sala: se exhiben ocho obras, pinturas y obras sobre papel de mediano y gran formato.


Larry Clark(Tulsa, Oklahoma, 1943)
Es uno de los fotógrafos y cineastas estadounidenses más importantes del período de posguerra. La tensión distintiva de su obra emana de su dura cualidad documental y de su especificidad patológica.
Su serie “Tulsa” capta el lado oscuro de la vida rural en Estados Unidos. Compuesta por cincuenta fotos en blanco y negro tomadas entre 1963 y 1971, la serie deja al descubierto el submundo de las drogas duras de su ciudad natal. Clark no es simplemente un voyeur, sino un participante que registra su propio acting out. Sus fotografías registran la inocente búsqueda del principio del placer al servicio del ello.
En sala: Tulsa, 1963-1971. Portfolio de 50 fotografías en blanco y negro.


Nan Goldin (Washington, D.C., 1953)
Es conocida por sus fotografías y slides tipo diario personal que documentan un momento único de la historia de la subcultura del centro de Nueva York, reimaginando el Lower East Side como una segunda República de Weimar. Su cámara capta el acting out de toda una generación, de la cual ella forma parte.
Su célebre serie de slides The Ballad of Sexual Dependency (La balada de la dependencia sexual) (1978-1996) hace las veces de un monumento conmemorativo. Funciona como un constante acto de duelo, tanto por los objetos amorosos que ha perdido y por los integrantes de su tribu que han muerto. Goldin es la coleccionista de almas —la hermana del alma— de su generación. El aspecto indéxico de sus instantáneas les confiere el estatus de reliquias: son documentos del encuentro con las personas fotografiadas, la prueba de que alguna vez existieron. Para Goldin, el acto mismo de fotografiar es una manera de capturar y registrar a alguien para siempre.
En sala: The Ballad of Sexual Dependency (La balada de la dependencia sexual), 1978-1996. Diapositivas 35mm. transferidas a video con sonido, además de una selección de 16 fotografías realizadas entre 1978 y 1993.


Jenny Holzer(Gallipolis, Ohio, 1950)
Ha creado un corpus de obra que funciona como crítica y subvierte las relaciones de poder dentro de las estructuras de poder sociales, políticas y familiares, a través del uso ambiguo del lenguaje, empleando una variedad de medios que incluyen proyecciones, instalaciones con luces LED, lápidas, bancos de mármol inscripto y soportes más efímeros como remeras y pósters. El lenguaje y la luz le han permitido a Holzer conservar el rigor formal y la integridad conceptual del minimalismo y el arte conceptual evocando al mismo tiempo las preocupaciones del cuerpo vivido. Con el lenguaje Holzer ha podido abordar temas relacionados con la política, la sociología, la psicología, la biología, la sexualidad y la clase social. En sus más recientes pinturas escritas, los informes gubernamentales desclasificados sobre Guantánamo y Abu Ghraib, y los planes de invasión de la guerra de Irak, fueron serigrafiados sobre fondos Pop brillantes o de color pastel, dando como resultado una crispada e intensa tensión visual. La crítica de la cultura de Holzer se basa en la dicotomía entre lo verdadero y lo falso, el bien y el mal.
En sala: Serie Living (Vivir), 1981, compuesta por 18 letreros pintados a mano sobre metal; letrero de LED Gold Vein, 2002; y las pinturas escritas Examination Report DOD 003183-DOD, 2005, Phase II Action…purple, 2007 y Phase IV Post-Hostilities pewter, 2007.


Barbara Kruger(Newark, New Jersey, 1945)
Con sus fascinantes y muchas veces disyuntivas yuxtaposiciones de texto e imagen, Kruger ha adaptado las estrategias de la propaganda política clásica a la ideología consumista dominante del Estados Unidos de Reagan. Desde sus inicios como editora fotográfica de una publicación de Condé Nast, las primeras obras de Kruger fueron pequeños collages. Estos acabaron por ampliarse en las grandes fotos serigrafiadas sobre vinilo en rojo y negro que la hicieron conocida. Referidos en igual medida al constructivismo soviético y a la publicidad de Madison Avenue, los montajes de Kruger son maliciosos, ingeniosos, perturbadores y polémicos. La fuerza de su obra se basa en las tensiones entre las imágenes apropiadas de los collages y las frases mordaces que cuestionan nuestras suposiciones sobre el poder, el género, la sexualidad y el dinero.
En sala: Ocho piezas, fotografías y serigrafías sobre vinilo.


Paul McCarthy (Salt Lake City, 1945)
Este artista deconstruye los relatos y mecanismos de la cultura pop, de Hollywood y de la política de Estados Unidos, reconstruyéndolos por medio de la performance, el dibujo, la escultura y la instalación. Influido por los happenings, el cine, la danza, el arte performático y el rock, al principio McCarthy usó su propio cuerpo para hacer obras que regresaban a un sentido más arcaico o primordial de lo corporal. Prosiguió colaborando con los actores en las performances, y más tarde evolucionó hacia la construcción de entornos de gran escala y la producción de figuras mecánicas. Su recreación consciente de los mitos culturales pop -Blancanieves, Santa Claus y Heidi- descorre el telón para revelar los impulsos y condicionamientos psicológicos más profundos bajo la superficie de estos personajes fabricados. Train fusiona el impulso sexual y el impulso de muerte en una escultura mecánica a la vez cómica y horrorosa.
En sala: Escultura Train, Mechanical, 2003 – 2009.

Cady Noland (Washington D.C., 1956)
Cady Noland desafía cara a cara el sueño americano. Sus recortes serigrafiados en aluminio y sus apretados assemblages registran una historia paralela y subterránea
que contrasta con la versión oficial de los hechos y la subvierte. Noland sopesa el impacto de los quiebres traumáticos de la historia estadounidense: el asesinato del
asesino de Kennedy, Lee Harvey Oswald, los crímenes de la familia Manson, la saga de Patty Hearst.
Las instalaciones de Noland introducen en el cubo blanco el bajo mundo de los Estados Unidos, los restos de la cultura y su white trash: latas sucias de Budweiser, pelotas de fútbol americano pinchadas, banderas estadounidenses sintéticas,
llantas de goma, recortes de madera, cajones de leche plásticos. Sus instalaciones son inquietantes y opacas, y su uso del espacio es tan patológico como poco comunicativo.
Noland cultiva el estilo paranoico en el arte norteamericano. Recrea formas tradicionales de castigo –la llanta-columpio que se convierte en una horca, las
medias envueltas en la bandera de los Estados Unidos–. La incansable fijación de Noland con episodios violentos y dolorosos de la historia del país revela una sobreinversión libidinal por los rituales de condena y disciplinamiento.
Cady Noland (Washington D.C., 1956)
Cady Noland desafía cara a cara el sueño americano. Sus recortes serigrafiados en aluminio y sus apretados assemblages registran una historia paralela y subterránea que contrasta con la versión oficial de los hechos y la subvierte. Noland sopesa el impacto de los quiebres traumáticos de la historia estadounidense: el asesinato del asesino de Kennedy, Lee Harvey Oswald, los crímenes de la familia Manson, la saga de Patty Hearst.
Las instalaciones de Noland introducen en el cubo blanco el bajo mundo de los Estados Unidos, los restos de la cultura y su white trash: latas sucias de Budweiser, pelotas de fútbol americano pinchadas, banderas estadounidenses sintéticas, llantas de goma, recortes de madera, cajones de leche plásticos. Sus instalaciones son inquietantes y opacas, y su uso del espacio es tan patológico como poco comunicativo.
Noland cultiva el estilo paranoico en el arte norteamericano. Recrea formas tradicionales de castigo –la llanta-columpio que se convierte en una horca, las medias envueltas en la bandera de los Estados Unidos–. La incansable fijación de Noland con episodios violentos y dolorosos de la historia del país revela una sobreinversión libidinal por los rituales de condena y disciplinamiento.
En sala: La instalación Chicken Awning Frame, 1990; tres serigrafías sobre aluminio SLA Group Shot #3, 1990; Manson Girls ‘Sit-In’ Cut-Out, 1993-1994; Squeaky shouting at officer, 1993-1994; y la madera Spaghetti Cowboy Template I, 1990.





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