Malba - Fundación Costantini - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
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Prensa
1. Rep y el séptimo arte
Durante todo el mes

La primera vez que fui al cine fue tarde. A los ocho años. Era una de Cantinflas. La segunda vez fue El mundo está loco, loco, loco, loco. Mi primer cine fue El Nilo, de Boedo yendo a Pompeya. El segundo, el Moderno. Los que me llevaron fueron unos parientes lejanos. Lejanos, por la provincia de Corrientes. Mis viejos nunca me habían llevado. Jamás los perdonaré. Otra hubiera sido mi infancia. Quizás hubiera hecho cine. Lo que hice después fue cine barato: historietas. Son géneros muy hermanos. Primos. El tema de los planos, los encuadres, la cámara.
El cine me da mucho más placer que la historieta. Me pasaría la vida viendo películas. Buenas, claro. La primera buena que vi, no la vi. Era La naranja mecánica, y como no la daban por censura, me la imaginé toda con las pocas fotografías que había conseguido, unidas al libro repetidamente leído. Recuerdo películas como Submarino amarillo, Sacco y Vanzetti, muchas de cowboys, de los Cinco Locos franceses, las de Favio. Y un día descubrí el cine-arte. Y el Cine Arte. Y la Lugones. Y el IFT, y la Hebraica. Y las veces que vi El acorazado Potemkin, y Buster Keaton, y los Marx, y Fellini. Tengo cierta predilección por el cine europeo que por los demás. Recuerdo a Octavio Fabiano dejándome pasar a las cabinas de proyección del Cine Arte y del Maxi, y de su revista Cine en la Cultura, donde publiqué. Y mi primera muestra individual fue en el Cine Arte, donde intolerantes rompieron y robaron mis originales de El Recepcionista de Arriba en el 81.
Recuerdo que me dormí con Stalker. Recuerdo mis fanatismos cíclicos por Hitchcock, Fellini, Cassavetes, Kurosawa, ¡Visconti!, ¡Kubrick!, Favio, Almodóvar, Eisenstein, Huston, Capra, Pasolini, los Marx, los Taviani, Wenders, Herzog, Wajda, Welles, Fosse, Wyler, Greenaway, ¡Lynch!, Coppola y Scorsese. Y también Blier y Frears. Y David Lean, Bergman, Ozu y Tod Browning.
¿La película que más vi? Dos: El ciudadano y Casablanca. ¿La que más me hubiera gustado hacer? Amarcord, y, por supuesto, La noche del cazador. ¿Los actores que me hubiera gustado dirigir? Los de Freaks.
Este ciclo de cine que programé son pedazos de placer en mi vida, que me gustó ver y me gusta rever y reveer. Espero que tomen esta muestra complementándola con mi exposición en el Malba. Son todas una misma cosa, un mismo placer, formas de expresión y de compartir.

Rep


Películas

La noche del cazador (The Night of the Hunter, EUA, 1955) de Charles Laughton, c/Robert Mitchum, Shelley Winters, Lillian Gish. 93’.
La única película que dirigió el gordo Charles Laughton, el juez de Testigo de cargo. No podría haberle salido mejor. Quizás la subjetiva ideal de un niño. No es una película, es un milagro. Mitchum y su sombra, brillantes.

El ciudadano (Citizen Kane, EUA, 1941) de Orson Welles, c/Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Comingore. 119’.
Cuando estuve en una convención en México DF conocí a Will Eisner, el genial historietista creador de The Spirit. Y le pregunté si no era una gran coincidencia que tanto él como Orson Welles hicieran dos obras revolucionarias justo en el año 1941, y por qué había ocurrido. Me contestó: “Estaba en el aire”. Siempre recordaré lo que Borges escribió en su crítica de la película: “El ciudadano es genial, en el sentido más germano del término”.

Fenómenos (Freaks, EUA, 1932) de Tod Browning, c/Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova. 64’.
Film humanista, conmovedor, que muestra que los verdaderos fenómenos solemos ser los “normales”, y los ángeles son anormales. La dirigió Tod Browning en el 32, después de hacer Drácula. Conocer a Slitzy es amarla para siempre. Película que influyó a David Lynch y a ciertos autores del cómic underground.

Apocalypse Now (Ídem., EUA, 1980) de Francis Ford Coppola, c/Marlon Brando, Martin Sheen, Robert Duvall. 202’.
La versión que se proyectará en este ciclo es la Redux. Yo me contento con la clásica, la reducida, la primera que se vio. Pero en ésta vemos más Brando, es decir, más manjares en la mesa. Esta es una de las películas de mi vida. Mítica, se desplaza por la cinematografía yanki como una barcaza europea, wagneriana, misteriosa, insondable, peligrosa, abridora de puertas de percepción. Alegato contra la locura de la guerra, no de la guerra. This is the end, my friends.

Mi tío (Mon Oncle, Francia / Italia, 1958) de Jacques Tati, c/Jacques Tati, Jean-Pierre Zola, Adrienne Servantie. 110’.
Cuánta elegancia. Jacques Tati es un Giacometti bien vestido. Su escenografía es sinuosamente futurista, ideal, imposible. Film material, austero. Lo vi pocas veces y no logro olvidar su rareza.

Las alas del deseo (Der Himmel über Berlin, Alemania / Inglaterra / Francia, 1987) de Wim Wenders, c/Bruno Ganz, Solveig Dommartin, Otto Sander. 127’.
Película ochentista como pocas. ¿Por qué me gusta tanto? Presentimiento de la caída del muro, mirada de ángeles y niños. Película de amor, de postales humanas. El gran film sobre la curiosidad. Yo quise tener un sobretodo así. Y leer los pensamientos.

Tokyo-Ga (EUA / Alemania, 1985) de Wim Wenders, c/Chishu Ryu, Werner Herzog, Yuuharu Atsuta. 92’.
Otra de Wenders. Película ensayística, donde se ve el mejor Wim, el que piensa lo que ve. Sublime la lectura de la cámara de Ozu. Japón visto por un europeo, un alemán, otro gran perdedor. No nos une el amor sino el Eje.

Desde ahora y para siempre (The Dead, Reino Unido, 1987) de John Huston, c/Anjelica Huston, Donal McCann, Dan O'Herlihy. 83’.
Amo este film. Ejemplo de adaptación de un cuento, al pie de la letra. El cuento es de Joyce, The Dead, de Dublineses. La última película del gran John Huston. La delicadeza de sus personajes, el trinchado del pavo, el protagonista, los recuerdos, la nieve y ese final.

Juan Moreira (Argentina, 1973) de Leonardo Favio, c/ Rodolfo Bebán, Pablo Cumo, Alba Múgica. 102’.
Es la gran película nacional, la contracara de Martín Fierro de Torre Nilsson. Los grandes cuadros del pintor Leonardo Favio. Esos horizontes pampeanos, la épica. Cada escena es inolvidable. Todavía recuerdo la publicidad televisiva, con Moreira ensartado en la tapia, y el grito de Chirino.

El contrato del pintor (The Draughtsman's Contract, Reino Unido, 1982) de Peter Greenaway, c/Anthony Higgins, Janet Suzman, Anne-Louise Lambert. 103’.
Se me hace que Greenaway es un soberano pintor. Muestra de ello es la gran El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante. Gran decadente, conocedor de Caravaggio, Velázquez y Rembrandt. Y Hokusai. En El contrato del pintor vemos una de intriga, con un dibujante como víctima. ¡Era hora!

Casamiento en Buenos Aires (Argentina, 1940) de Manuel Romero, c/Niní Marshall, Enrique Serrano, Sabina Olmos. 87’.
Me hace reír mucho Niní Marshall, creo que es la humorista más genial que dio la actuación en este país. Escribía, actuaba, hasta dibujaba. Y con todas en contra. Catita es maravillosa. Esta película forma parte de un tríptico Buenos Aires – Montevideo – Río de Janeiro. Y encima está Enrique Serrano.

Sopa de ganso (Duck Soup, EUA, 1933) de Leo McCarey, c/Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Zeppo Marx. 67’.
La escena de Groucho en pijama y gorro en el espejo. ¡1933! Me encantaría saber qué sentía el público que se sentaba en el cine para ver a los hermanos Marx. Frescura, delirio, inteligencia, inocencia. Es decir, subversión pura.

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La patrulla infernal (Paths of Glory, EUA, 1957) de Stanley Kubrick, c/Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou. 87’.
Stanley Kubrick fue uno de mis cineastas preferidos. Esta es de su etapa blanco y negro, y de un tema que me subyuga: la primera guerra mundial. Un director que lo abarcó todo: la prehistoria, la guerra fría, el futuro, el presente, Vietnam, el terror, la comedia. Todo con la frialdad y simetría del ojo implacable de K.

El Evangelio según San Mateo (Il vangelo secondo Matteo, Italia / Francia, 1964) de Pier Paolo Pasolini, c/Enrique Irazoqui, Margherita Caruso, Susanna Pasolini. 137’. Versión en español.
Las 1001 noches (Il Fiore delle mille e una notte, Italia / Francia, 1974) de Pier Paolo Pasolini, c/Ninetto Davoli, Franco Citti, Tessa Bouché. 135’.
Pasolini es uno de mis artistas preferidos. Artistas, dije. Ese ser renacentista abriga un cineasta crudo y personal. Lleno de errores viscerales, seco, Pasolini siempre me conmovió. Desde El Decamerón hasta la terrible Saló. Todo él ya está en Accatone. El Evangelio es preciso, subversivo, religioso. Ese es un Cristo y no el de Gibson. Me encanta cómo filma a la gente anónima, la caracteriza, le pone voz en off. Es un pintor en una iglesia, usando extras para el Calvario. Mi pasión pasoliniana me hizo dibujar una página entera de postales sobre él.

Cuéntame tu vida (Spellbound, EUA, 1945) de Alfred Hitchcock, c/Ingrid Bergman, Gregory Peck, Michael Chekhov. 111’.
Hitchcock es el gran entretenedor. Spellbound es exquisita. Leyendo el largo reportaje que le hizo Truffaut, devenido libro, te enterás de cuántas cosas inventó Alfred. Y todo para divertirnos. Cuando murió le hice una página de El Recepcionista de Arriba con claroscuros a lo Breccia. Y se quedó en el Paraíso.

¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life, EUA, 1946) de Frank Capra, c/James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore. 130’.
Yo, que pienso cada vez que la vida no tiene sentido, necesito ver esta película para engañarme con todo lo contrario. Película peligrosa, mundo dentro del mundo, con un James Stewart delicioso y el mejor ángel hasta Las alas del deseo. Dan ganas de creer en la Navidad.

Dodeskaden (Japón, 1970) de Akira Kurosawa, c/Yoshitaka Zushi, Kin Sugai, Toshiyuki Tonomura. 140’.
El ruido del tren. Kurosawa. No tengo mucho más que decir. Amo Trono de sangre y Ran.

La strada (Italia, 1954) de Federico Fellini, c/Anthony Quinn, Giulietta Masina, Richard Basehart. 98’.
Película chiquita del inmenso Fellini. Gelsomina, Zampano y el Loco. Historia muy triste, de amor, locura, muerte y pobreza. Otros Fellini que adoro: 8 ½, Amarcord, Y la nave va. Fellini era uno de los nuestros, guionista de historietas, dibujante humorístico y, sobre todo, italiano. Como nosotros.

Aguirre, la ira de Dios (Aguirre, der Zorn Gottes, Alemania / Perú / México, 1972) de Werner Herzog, c/Klaus Kinski, Daniel Ades, Peter Berling. 100’.
El loco de Herzog hizo ésta y otra locura, Fitzcarraldo, donde murió gente aplastada por un barco. Aguirre trata de la conquista de los españoles. Es terrible. Kinski está más ladeado que nunca. Adoro la parte donde sostiene un cachorro de perezoso.

El dependiente (Argentina, 1969) de Leonardo Favio, c/Walter Vidarte, Graciela Borges, Nora Cullen. 87’.
Favio blanco y negro. Pueblito. Almacén de esquina. Sótano. En ese tiempo era para decir: “He aquí un director”.





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Memorias del subdesarrollo (Cuba, 1968) de Tomás Gutiérrez Alea, c/Sergio Corrieri, Daisy Granados, Eslinda Núñez. 97’.
La vi en La Habana en el ’87, en la tele. Y me impactó. Película ensayo, hasta tiene documentales de mesas redondas. En una está David Viñas con pelo negro. Muestra un clase media cubano de los sesenta, inadaptado. Curiosa película.

A la hora señalada (High Noon, EUA, 1952) de Fred Zinnemann, c/Gary Cooper, Thomas Mitchell, Lloyd Bridges. 85’.
Una de conboy. Me acuerdo que la vi por primera vez porque unos dibujantes de historietas realistas adoraban a Gary Cooper, y yo ni lo conocía. Así que vi esta obra maestra a los trece años. Y ahora me la recordó José Pablo Feinmann.

El halcón maltés (The Maltese Falcon, EUA, 1941) de John Huston, c/Humphrey Bogart, Mary Astor, Gladys George. 101’.
Esta película está realizada con el material del que están hechos los sueños. Bogart lo dice al final, lo improvisa. Y encima, la palabra Maltés me hace acordar al otro, al antihéroe...

Por la patria (King and Country, Inglaterra-1964) de Joseph Losey, c/Dirk Bogarde, Tom Courtenay, Leo McKern. 90’.
Otra de la primera gran Guerra. Bogarde, Losey, blanco y negro, el caballo muerto de cuya panza hinchada salen ratas. Trinchera, injusticias, humanismo.

La ley de la calle (Rumble Fish, EUA, 1983) de Francis Ford Coppola, c/Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Diana Scarwid, Dennis Hopper. 94’.
Película mito, trata de mitos. Tragedia griega con autopistas de fondo. Ejércitos, caballerías. El Rey de la Moto. Los pececitos de colores. Coppola, gran elenco y un mecanismo de relojería con música de Stewart Copeland. Bellísima.

Una mujer bajo influencia (A Women Under the Influence, EUA, 1974) de John Cassavetes, c/Peter Falk, Geena Rowlands, Katherine Cassavetes. 130’.
Me cuesta elegir entre todas las de Cassavetes. Pero está bien, veamos a Geena Rowlands guíar su barco loco por entre hielos monumentales. Cassavetes y su principal efecto especial: el corazón.

Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, Francia, 1977) de Luis Buñuel, c/Fernando Rey, Carole Bouquet, Angela Molina. 102’.
Elijo a Buñuel por lo alejado al sentido común. Qué bueno que el cine permita artistas así. Buñuel es capaz de cualquier cosa. Otras películas que me gustan de él: Los olvidados y El ángel exterminador.

Preparen los pañuelos (Prepares vos mouchoirs, Francia, 1976) de Bertrand Blier, c/Gerard Depardieu, Carole laure, Patrick Dewaere. 106’.
Comedia inteligentísima, bien francesa, de una época donde las hacían bárbaro. Bertrand Blier es un gran director. Para reír, sin olvidar que la vida es esa cosa hecha de mocos posteriores a las lágrimas.

Kaos (Italia, 1984) de Paolo & Vittorio Taviani, c/Margarita Lozano, Claudio Bigagli, Omero Antonutti. 188’.
Pirandello por los Taviani. Historias del sur italiano. Gran película de los directores de Padre Padrone, hecha con sabor y sabiduría por la gente de la región. Hay episodios de los que me hubiera gustado hacer el story-board.

El Acorazado Potemkin (Bronenoset Potiomkin, URSS, 1925) de Sergei Eisenstein, c/Aleksandr Antonov, Grigori Aleksandrov, Vladimir Barski. 70’.
La película más homenajeada de la Historia. La escena del cochecito en la escalera. Brian De Palma, Kuitca y tantos otros. Qué manera de inventar, Sergei.

Sed de Mal (Touch of Evil, EUA, 1958) de Orson Welles, con Orson Welles, Charlton Heston, Janet Leigh. 111’.
Otra de Orson. Como historietista, siempre recordaré el largo travelling del inicio. Noche, frontera, México, Charlton, Welles. Como dibujante, me remite a Alex Toth, Milton Caniff, Eisner, el Pratt tardío.

Ser o no ser (To Be Or Not To Be, EUA-1942) de Ernst Lubitsch, c/Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack. 99’.
Comedia sobre el nazismo. Lubitsch va más a fondo que Chaplin en El gran dictador. Sátira política muy lograda. Me dan ganas de ver Moloch de Sokurov. ¿Alguien la tiene?

Historia de Tokio (Tokyo monogatari, Japón-1953) de Yasujiro Uzu, c/Chishu Ryo, Chieko Higashiyama, Setsuko Hara. 136’. Proyección digital.
Le agradezco infinitamente a Wim Wenders haberme descubierto a Yasujiro Ozu. Un gran drama de posguerra japonés. Cámara en dos lugares, austeridad. Frustraciones familiares: siempre recordaré la escena donde el padre se emborracha en el bar y habla de los hijos. Maravilla pura.

La armada Brancaleone (L’armata Brancaleone, Italia-1966) de Mario Monicelli, c/Vittorio Gassman, Catherine Spaak, Folco Lulli. 120’. He aquí una de humor. Un Gassman soberbio, en las dos acepciones del término. Historia de rejuntados y perdedores medievales. Los chantas de donde venimos. Y encima estamos en tiempos de cruzadas.


El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, Japón, 2001) de Hayao Miyazaki. Dibujos animados. 125’.
La película soñada de un dibujante. Descubrí a este director en el festival de Ameci, Francia, con su Príncipe Monono Ke. Chihiro es un hermoso viaje de iniciación, púber, especie de Alicia en el País de las Maravillas. Un sereno delirio, con la mejor calidad de dibujo animado.

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2. Documentales de José Luis López Linares
Historias reales
Del jueves 2 al domingo 5
Este ciclo es organizado por la Consejería Cultural de la Embajada de España.

malba.cine repasa la filmografía de José Luis López Linares, uno de los más importantes documentalistas del cine español contemporáneo. El ciclo permitirá volver a ver los films que se estrenaron oportunamente en nuestro país y también incluye la presentación de películas inéditas en Argentina, como Un instante en la vida ajena.


Asaltar los cielos (España, 1996) de José Luis López Linares y Javier Rioyo. Narración: Charo López. 84’. Nominada al mejor montaje en los premios Goya 1997; Premio Especial de Cine; Premios Ondas 1997; II premio Tiempo de Historia. 41 Seminci, Valladolid; Premio Especial del Jurado, Festival de Cine de Bogotá.

Un viejo, sentado en la mesa de su despacho, está leyendo un artículo. Detrás, a su lado, se encuentra el autor del escrito, un hombre joven, apuesto y amable. Es un veinte de agosto de 1940, estamos en una casa de Coyoacán, en las afueras de la ciudad de México y pasan unos minutos de las cinco de la tarde. El hombre joven hace un movimiento, saca un piolet que escondía en su impermeable y golpea el cráneo del anciano. Se escucha un profundo grito de rabia y dolor. El grito de un hombre que iba a morir. Un grito que perseguirá al asesino el resto de su vida. Detrás del asesinato de Trotski, más allá de la historia de Ramón Mercader, encontramos vidas apasionantes y excesivas, con ceremonias de traición y falsedad. Recorremos el siglo acompañados por algunas personas que han renunciado a su clase, que se alejan de su familia, de su país, de sus compañeros para intentar ser dueños de su destino, aunque éste resulte fatal y cruelmente inútil. Dos años de trabajo, de documentación en las fuentes históricas y en las familiares. Muchas horas visionando material de filmotecas públicas y privadas de varios países. Cientos de fotos, periódicos y revistas consultados. Muchos días hablando con cuantos personajes pudieran aportar alguna información para reconstruir la historia de una familia y su paso por el siglo. Más de cien horas filmadas, cerca de cincuenta personajes rodados en Moscú, La Habana, Nueva York, Los Angeles, México, París, Londres, Barcelona y Madrid entre otras localizaciones. Seis meses de montaje -no hubiera sido posible esta película sin los conocimientos de Pablo Blanco y Fidel Collados- para decidir un camino entre tantos senderos que se bifurcan. Este es el resultado de muchos pasos adelante y algunos atrás. Así es, si así os parece.

Lorca, así que pasen cien años (España, 1998) de José Luis López Linares y Javier Rioyo. Libreto: Javier Rioyo. 55’. Nominada a los premios EMMY en 1998.
Una mirada a sus músicas, sus dibujos, sus retratos, sus casas y sus viajes reales -más alguno imaginario- a partir de los documentos de una vida apasionante. La historia lorquiana, más allá de lo universal de su poesía, de su teatro, sigue presente en muchos espacios reconocibles y reconocidos. Lorca recordado en su centenario desde el lado del que ha dejado su recuerdo en su paso por la vida. Un riquísimo material gráfico, filmado y sonoro que muestran lo apasionante de una vida demasiado corta.

El valor de educar (España, 1999) de José Luis López Linares. Argumento: ensayo de Fernando Savater. Con el maestro José Luis López y 30 alumnos y alumnas de 5º Curso de primaria del Centro Cultural Palomeras de Madrid. 54’.
Inspirado en el ensayo homónimo de Fernando Savater, este documental lleva a cabo el seguimiento de un curso escolar de niños de diez años en un colegio situado en el extrarradio de Madrid. Se trata de un homenaje a la figura del maestro de escuela.

A propósito de Buñuel (España, 2000) de José Luis López Linares y Javier Rioyo. Libreto: Agustín Sánchez Vidal. Narración: José Sancho. 90’.
Agresivo, genial, enigmático, esquivo, Luis Buñuel fue uno de los más importantes artistas del siglo XX. A propósito de Buñuel se rodó durante 1999 entre México, París, Nueva York, Los Angeles, Zaragoza, Madrid, para reconstruir momentos de la vida de Luis Buñuel a través de entrevistas realizadas a cerca de 70 personas, que tuvieron relación con el cineasta (amigos, familia, actores, compañeros de trabajo). Entre los entrevistados se encuentran nombres como Carlos Saura, Jean-Claude Carriére, Michel Piccoli, Juan Luis y Rafael Buñuel, Carole Bouquet, Jean Pierre Cassel, Jean Rochefort, Arturo Ripstein, Lucía Bosé, Angela Molina, Paco Rabal, Román Gubern, Pedro Armendariz (hijo) y Pablo Ignacio Taibo entre otros. La filmografía de Buñuel nos va situando cronológicamente en los diferentes momentos de su vida. El objetivo de este largometraje, además de celebrar el centenario de su nacimiento, es descifrar la enigmática personalidad del artista para el gran público. A propósito de Buñuel muestra documentos inéditos, imágenes de archivo, cartas, grabaciones y extractos de su filmografía, donde se refleja el carácter anticlerical y extraño de este hidalgo español de fondo tradicional, irremediablemente aficionado al alcohol y a las armas de fuego.

Extranjeros de sí mismos (España, 2001) de José Luis López Linares y Javier Rioyo. Libreto: Javier Rioyo. Narración: Emma Suárez. 84’.
Primer Premio 1st. New Media and Documentary Film Festival Odisseia nas Imagens, Portugal; nominada para Mejor Película Documental en la XVI Edición de los Premios Goya, 2002.
Hubo un tiempo no muy lejano en que muchos jóvenes -apasionados o manipulados- deseaban hacer la guerra. Dispuestos a morir o matar en una edad más propicia para el amor. Jóvenes que abandonaron sus amigos, sus estudios, sus trabajos y sus países. Jóvenes dispuestos para la lucha y para la muerte. Y también para la vida, para apurar la vida en medio de las batallas. Es la historia de algunos voluntarios para luchas lejanas. De algunos exaltados, de otros dóciles, de muchos convencidos y de algunos escépticos. Jóvenes comunistas o anticomunistas. Jóvenes que desde puntos de vista, ideologías o clases sociales antagónicas, lucharon convencidos de que cambiarían el mundo; aunque no supieran cómo, ni dónde, ni cuándo, ni para quién. Miles de jóvenes que terminaron convertidos en extranjeros de sí mismos. Voluntarios o involuntarios buscadores de un viaje lleno de aventuras imprevistas. La mayor aventura de sus vidas.

Un instante en la vida ajena (España, 2003) de José Luis López Linares. Argumento: Arantxa Aguirre. guión: Javier Rioyo, Arantxa Aguirre, Mauricio Villavecchia. Con Jesús Agelet. 85’.
Mejor Película Documental, XVIII edición de los premios de la Academia Española de Cine.
Madronita Andreu nació en Barcelona a finales de siglo XIX, en una familia de industriales acomodados. Desde muy joven se sintió fascinada por los inventos y las máquinas y por eso se aficionó a la fotografía y luego al cine, que llegó a ser su gran pasión. Durante toda su vida se dedicó con tenacidad a filmar a su familia y a su entorno. Miraba el mundo (su mundo) a través de la cámara.
Hasta ahí, el caso no pasa de ser una rareza, el capricho de una señora excéntrica y perseverante. Sin embargo, esta mujer, descendiente de pintores, tenía talento. Sabía componer, sabía encuadrar y, sobre todo, tenía una visión justa de dónde se hallaba el interés o la emoción de cada escena. Un instante en la vida ajena presenta una selección proveniente de las más de 900 bobinas de material en 16mm. filmado por Madronita Andreu. En suma, se trata de una autobiografía en imágenes, quizá la primera en la historia del cine, que se extiende desde 1920 hasta la década de los setenta. Su obra nos ofrece la oportunidad de asomarnos a un mundo privilegiado, generalmente inaccesible, que aquí se muestra con naturalidad, porque la persona que lo está filmando forma parte de él. Un antiguo colaborador de Madronita proporciona con sus comentarios el hilo conductor imprescindible para seguir las vicisitudes de la familia. A través de los años, de los nacimientos, las muertes, los viajes en una época convulsa, la vida cotidiana, los niños que crecen, los rostros que cambian…casi podemos contemplar físicamente el paso del tiempo, que se escapa sin remedio, por más que la cámara luche por retenerle en una batalla perdida de antemano.

Biografía
López Linares nació en Madrid en 1955 y estudió realización cinematográfica en la London International Film School. Cuenta con una prestigiosa trayectoria como director de fotografía. Desde 1987 ha trabajado en ese rubro para directores como Francisco Lombardi, Víctor Érice, Fernando Trueba, Jaime Chavarri, Alain Tanner y Carlos Saura. Paralelamente, desde 1996, desarrolló su obra como documentalista, que ha merecido numerosos premios locales e internacionales.

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3. Film del mes XI
Lesbianas de Buenos Aires de Santiago García (Argentina, 2002)
Viernes y sábados a las 22:00

Ni lesbian chic ni condescendencia perdonavidas paternalista. Ni voyeurismo hipócrita ni espionaje enmascarado de divulgación pedagógica o sociológica. En estos encuentros bien cercanos con las chicas del título, Santiago García, con una actitud empática, de fina sintonía, ha merecido que sus valientes lesbianas entren en confianza para revelarse a sí mismas, desde lo personal -tan ligado al rechazo social que les niega un lugar visible, igualitario en el mundo con conmovedora sinceridad. A medida que ellas hablan a una cámara sensible, amistosa, se van perfilando personajes, personas -la entrenadora, la dama del perrito, la pareja embarazada...- de gran riqueza y diversidad humanas. Con delicado pudor, el director se arriesga a abrirse a los sentimientos, como siempre más perturbadores y transformadores que toda la teoría del mundo. Apasionadas, románticas, fuertes, frágiles, animosas, divertidas, de una franqueza sin rodeos, estas lesbianas te pueden robar el corazón y barrerte esos prejuicios que son los que todavía les ensombrecen la vida.
Moira Soto


Ficha técnica
Lesbianas de Buenos Aires (Argentina, 2002) Dirección y libreto: Santiago García. Cámara y Fotografía: Diana Quiroga. Asistentes de cámara: Mario Sosa y Mariana Bruno. Foto fija: Verónica Strukelj. Montaje: Julia Soto y Santiago García. Sonido: Federico Billordo. Producción: Santiago García. Jefatura de producción: Fabiana Pucci. Co-producción: BD Cine y Wap Media. Productora asociada: Mercedes García Guevara. Duración original: 82‘.

Biografía

Santiago García nació en Buenos Aires en 1970. Estudió Diseño de Imagen y sonido en la UBA, donde realizó varios cortometrajes cuyas historias giraban siempre en torno a la temática feminista. Con estos cortos participó en muestras y festivales internacionales. Participó como asistente en los largometrajes Escrito en el agua de Marcos Loayza y Río Escondido de Mercedes García Guevara. Desde 1993 es crítico de la revista especializada El Amante/Cine y ha desarrollado una larga carrera como crítico en otros medios gráficos, radio y televisión. En la actualidad, además de El Amante/Cine, escribe para TXT y es crítico de cine en el programa Contrapunto, que se emite por AM Radio América. Trabaja paralelamente como docente en escuelas de crítica cinematográfica y cine. Allí, dicta las materias Cine norteamericano clásico e Historia del cine argentino. Lesbianas de Buenos Aires es su primer largometraje. Actualmente se encuentra realizando su segundo largometraje llamado Las deportistas.

Filmografía como director:
Voto femenino (corto, 1993 – codirección-), Al borde (corto, 1993), Buscábamos vida (corto, 1994), 6, 0-6, 1 (corto, 1994), 3 bloques (corto, 1995), Cuatro brazos y cuatro piernas (corto, 1995), La prima de tu amiga (corto, 1997), Lesbianas de Buenos Aires (2002)






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4. Rescate del mes

Programado por Rep
Lo mejor de nuestra vida (The Best Years of Our Lives, EUA, 1946) de William Wyler
Jueves 23 a las 22:00

Impactante película de posguerra, contracara del regreso triunfal de los soldados norteamericanos. Inolvidable el rubiecito de las manos-gancho, el pudor, el amor de su novia. El ambiente no-Rockwell.


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5. Clásicos bizarros
Freaks, de Tod Browning (EUA, 1932)
Viernes a las 24:00

El director Tod Browning (1882-1962) conocía el ambiente de los circos y las ferias ambulantes porque en su juventud había trabajado en una de éstas y sentía verdadera inclinación por lo extravagante y lo horroroso. Quizá por eso había sido el mejor director para el actor Lon Chaney, que disfrutaba asumiendo papeles tortuosos. Juntos habían hecho varias obras mayores como La bruja (The Unholy Three, 1925), El tuerto de Mandalay (The Road to Mandalay, 1926) y El hombre sin brazos (The Unknown, 1927), todas ellas sobre hombres torturados por circunstancias adversas y maldecidos con alguna deformidad bizarra, que en algún momento aspiraban a alguna forma de la normalidad al enamorarse de bellas muchachas. Por lo general, éstas resultaban incapaces de devolver ese afecto y provocaban, voluntaria o involuntariamente, la perdición de los protagonistas. Por ello no es sorprendente que se sintiera muy interresado en un cuento de Clarence Robbins denominado Spurs, que le alcanzó el actor liliputiense Harry Earles: allí se narraba la relación sadomasoquista entre una bella ecuyere y un enano de circo.
Tras lograr un importante éxito comercial con Drácula (1931), que lanzó al estrellato a Bela Lugosi, el realizador tuvo carta blanca para hacer lo que quisiera y la aprovechó para llevar a cabo una adaptación de Spurs. Con el acuerdo del productor Irving Thalberg, cerebro mayor de la Metro-Goldwyn-Mayer, el director decidió que todo su film estaría interpretado por auténticos fenómenos de circos y ferias ambulantes. Seguidamente, el estudio se llenó de freaks convocados en distintos espectáculos donde trabajaban: siameses y siamesas, un hombre torso, dos hermanos con “cabeza de alfiler”, los liliputienses Harry y Daisy Earles, hermafroditas, un muchacho sin piernas y el enano Angelo Rossito, el único de todo ese elenco que tuvo una larga carrera en Hollywood (se lo puede ver, por ejemplo, en la tercera parte de Mad Max).
Browning aprovechó el ambiente circense para crear un ambiente de normalidad para lo anormal: el circo es el único sitio donde sus freaks pueden vivir ajenos al prejuicio y a la segregación. En ese sentido Freaks no es tanto un film de terror -aunque tiene un climax pesadillesco memorable- como un melodrama macabro con sentido del humor en el que diversos gags surgen del modo natural en que los protagonistas se adaptan a las circunstancias que les han tocado y viven su vida como mejor pueden. En palabras de Charly García, el film transmite una admirable filosofía existencial: “Bancate tu defecto”.
En su momento Freaks fue recibida con críticas asqueadas que la repudiaron y fue un notorio fracaso comercial. Tanto, que la MGM se deshizo de ella cediéndola a Dwain Esper, un distribuidor de cine exploitation que la mantuvo en circulación en el mercado de clase Z con títulos como Nature’s Mistakes y Forbidden Love. Sólo poco antes de la muerte del director en 1962, en una edición del Festival de Venecia, Freaks fue redescubierta y señalada como una obra maestra. Poco a poco, gracias a la revisión de la historia del cine y las nuevas generaciones de crítricos, la película adquirió la categoría de culto que tiene hoy en día.
Esta la primera vez en muchos años que Freaks puede verse en Argentina en fílmico. Se exhibirá en copia nueva, adquirida recientemente por Fabio Manes.

Fernando Martín Peña


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6. John Waters x 2
Pink Flamingos (EUA, 1972) y Polyester (EUA, 1981)
Sábados a las 24:00

Originario de Baltimore y fascinado desde muy joven con el cine gore y sexploitation, John Waters comenzó a realizar sus propios cortos provocadores en formatos reducidos. A comienzos de la década del ’70, sus primeros largometrajes se convirtieron en eventos contraculturales de trasnoche y dieron fama a un star-system propio. Este mes, dos de sus películas más importantes honrarán las trasnoches de los sábados: Pink Flamingos (EUA, 1972) y Polyester (EUA, 1981).

Pink Flamingos (EUA, 1972) de John Waters. C/Divine, Mink Stole, 106’.
Divine y Mink Stole compiten para merecer el puesto de “La Más Repugnante Persona Viva”. El resultado de ese esfuerzo fue un hito del underground norteamericano que en su reciente reestreno norteamericano mereció la calificación Sólo para mayores de 17 años, a causa de “un amplio espectro de perversiones mostradas con detalles explícitos” (sic). El espectro es realmente amplio e incluye sexo con sacrificio de gallinas, venta de niños, ejercicios anales y degustación de excrementos. Sin embargo, se trata de una comedia. Se verá por primera vez en fílmico en Argentina, en copia completa adquirida por el coleccionista Fabio Manes.

Polyester (EUA, 1981) de John Waters, c/Divine, Tab Hunter, Edith Massey, David Samson. 86’.
Las desgracias se suman en la vida de una improbable ama de casa que interpreta Divine: un marido infiel involucrado en negocios sórdidos, un hijo fetichista, una madre cleptómana y una hija embarazada de repente. Un día, su propio y postergado deseo es encendido por un enigmático personaje llamado Todd Tomorrow e interpretado por Tab Hunter. Nunca estrenada en Argentina, Polyester es la culminación de la etapa más ferozmente independiente de su realizador.


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7. Ciclo ADF – Malba.cine
100 años, luz (un recorrido por la historia de la dirección de fotografía en el cine)

12ª Encuentro
Y la nave va (E la nave va, Italia / Francia-1983) de Federico Fellini
Sábado 1 de octubre a las 17:30

Ficha técnica
Y la nave va (E la nave va, Italia / Francia-1983) de Federico Fellini. Libreto: Fellini, Catherine Breillat, Roberto De Leonardis, Tonino Guerra. Fotografía: Giuseppe Rotunno. Música: Gianfranco Plenizio. Montaje: Ruggero Mastroianni. Elenco: Freddie Jones, Barbara Jefford, Victor Poletti, Peter Séller, Elisa Mainardi, Norma West. Productor: Franco Cristaldi. Duración original: 128’.


Este ciclo mensual de proyecciones organizado por ADF (Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica) en colaboración con malba.cine, tiende a establecer un recorrido posible a través de la historia de la dirección de fotografía en el cine mundial. Luego de cada proyección, profesionales relacionados con la imagen y el cine (directores de fotografía, directores de arte, artistas plásticos, historiadores) ofrecerán charlas relacionadas con la época a la que refieren las obras proyectadas.

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9. Exhibición especial
Un disparo en la sombra (A Shot in the Dark, EUA, 1964) de Blake Edwards.
Todos los domingos a las 22:00
Antes de cada proyección se exhibirá un corto de La Pantera Rosa.

Un disparo en la sombra fue la segunda película de la serie La Pantera Rosa y es, con justicia, considerada la mejor. Al realizador y guionista Blake Edwards siempre le gustó el cine cómico mudo y en particular el slapstick, su forma más violenta y directa, que es también la de más difícil ejecución. En Peter Sellers, que deseaba hacer comedia física desde muchos años antes, encontró al actor perfecto para evocar ese tipo de humor sin apelar a la nostalgia. Entre ambos crearon un personaje cómico nuevo, pero digno de la tradición originada muchas décadas antes por Mack Sennett y alimentada por decenas de cómicos a lo largo de la Historia del Cine: el inspector Clouseau.
La base argumental de Un disparo en la sombra es una obra teatral, pero Edwards la vuelve cinematográfica desde el comienzo, con un plano secuencia virtuoso en el que no conviene distraerse. Luego la trama propiamente dicha pasa a un plano secundario porque cada escena, cada decorado y cada elemento de la utilería verán su propósito original modificado por fuerza de la abrumadora estupidez de Clouseau. No importa si se trata de elementos simples como una puerta, un traje o una lapicera, o de mayor envergadura, como un juego de pool o una fuente. Mientras se esfuerza en llevar a cabo su investigación, Clouseau destrozará, pisará, tropezará o se caerá adentro de manera infalible y coreográfica, como en un baile. El milagro es que rara vez Blake Edwards necesita reforzar visualmente un gag: le alcanza con situar adecuadamente a su actor en un determinado entorno y luego sólo necesita seguirlo porque la escena queda en manos de Sellers, verdadero virtuoso del desastre.
Fue en este film que Edwards presentó al fiel Kato (Burt Kwouk), el asistente oriental de Clouseau que tiene órdenes estrictas de atacar a su amo en todo momento para mantenerlo alerta. También aquí apareció por primera vez el comisionado Dreyfus (Herbert Lom), que pierde poco a poco la cordura y se llena de tics a medida que comprueba no sólo la estupidez de su subordinado sino también el aura sobrenatural que parece protegerlo de todo mal.

Fernando Martín Peña

Malba.cine SEPTIEMBRE 2004


9. Presentación de un libro sobre cine
Cine, arte del presente de Serge Daney
Jueves 9 a las 20:00. Auditorio.
A las 22:00 se proyectará The Lusty Men, de Nicholas Ray (The Lusty Men, EUA, 1952). Auditorio

Una compilación de textos de Serge Daney, célebre crítico francés, cuyas obras permanecían aún inéditas en Argentina. Comentarán la obra Silvia Schwarzböck, Rafael Filippelli y Edgardo Cozarinsky.

Malba.cine SEPTIEMBRE 2004


10. Programación día a día

Jueves 2
14:00 Asaltar los cielos, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
16:00 A propósito de Buñuel, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
18:00 Extranjeros de sí mismos, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
20:00 Un instante en la vida ajena, de José Luis López Linares
22:00 Cuéntame tu vida, de Alfred Hitchcock

Viernes 3
14:00 Un instante en la vida ajena, de José Luis López Linares
16:00 Asaltar los cielos, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
18:00 Lorca + El valor de educar, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
23:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
0:30 Freaks, de Tod Browning

Sábado 4
14:00 Lorca + El valor de educar, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
16:00 Extranjeros de sí mismos, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
18:00 Un instante en la vida ajena, de José Luis López Linares
20:00 El contrato del pintor, de Peter Greenaway
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Pink Flamingos, de John Waters

Domingo 5
14:00 Extranjeros de sí mismos, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
16:00 Un instante en la vida ajena, de José Luis López Linares
18:00 A propósito de Buñuel, de José Luis López Linares y Javier Rioyo
20:00 Aguirre, la ira de Dios, de Werner Herzog
22:00 Un disparo en la sombra, de Blake Edwards

Jueves 9
14:00 El ciudadano, de Orson Welles
20:00 Presentación de “Cine, arte del presente” de Serge Daney
22:00 The Lusty Men, de Nicholas Ray

Viernes 10
14:00 El halcón maltés, de John Huston
16:00 Aguirre, la ira de Dios, de Werner Herzog
18:00 La patrulla infernal, de Stanley Kubrick
20:00 La armada Brancaleone, de Mario Monicelli
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Freaks, de Tod Browning

Sábado 11
14:00 La patrulla infernal, de Stanley Kubrick
16:00 El contrato de pintor, de Peter Greenaway
18:00 El halcón maltés, de John Huston
20:00 El viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Polyester, de John Waters

Domingo 12
14:00 El viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki
16:15 Apocalypse Now, de Francis Ford Coppola
20:00 El dependiente, de Leonardo Favio
22:00 Un disparo en la sombra, de Blake Edwards

Jueves 16
14:00 Memorias del subdesarrollo, de Tomás Gutiérrez Alea
16:00 El Evangelio según San Mateo, de Pier Paolo Pasolini
18:30 Kaos, de Paolo y Vittorio Taviani

Viernes 17
14:00 Cuéntame tu vida, de Alfred Hitchcock
16:00 Casamiento en Buenos Aires, de Manuel Romero
18:00 Por la patria, de Joseph Losey
20:00 Ese oscuro objeto del deseo, de Luis Buñuel
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Freaks, de Tod Browning

Sábado 18
14:00 La armada Brancaleone, de Mario Monicelli
16:00 Preparen los pañuelos, de Bertrand Blier
18:00 Ese oscuro objeto del deseo, de Luis Buñuel
20:00 Por la patria, de Joseph Losey
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Pink Flamingos, de John Waters

Domingo 19
14:00 A la hora señalada, de Fred Zinnemann
16:00 La ley de la hospitalidad, de Buster Keaton + música en vivo
18:00 El maquinista de la General, de Buster Keaton + música en vivo
20:00 Preparen los pañuelos, de Bertrand Blier
22:00 Un disparo en la sombra, de Blake Edwards

Jueves 23
14:00 Las alas del deseo, de Wim Wenders
16:30 El dependiente, de Leonardo Favio
22:00 Lo mejor de nuestra vida, de William Wyler

Viernes 24
14:00 El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein
16:00 La ley de la calle, de Francis Ford Coppola
18:00 Una mujer bajo influencia, de John Cassavetes
20:15 La strada, de Federico Fellini
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Freaks, de Tod Browning

Sábado 25
14:00 Juan Moreira, de Leonardo Favio
16:00 Una mujer bajo influencia, de John Cassavetes
18:15 La strada, de Federico Fellini
20:00 El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Polyester, de John Waters

Domingo 26
14:00 Las 1001 noches, de Pier Paolo Pasolini
16:30 La ley de la hospitalidad, de Buster Keaton + música en vivo
18:30 El maquinista de la General, de Buster Keaton + música en vivo
20:00 Juan Moreira, de Leonardo Favio
22:00 Un disparo en la sombra, de Blake Edwards

Jueves 30
14:00 ¡Qué bello es vivir!, de Frank Capra
16:00 La noche del cazador, de Charles Laughton
18:00 Dodeskaden, de Akira Kurosawa
20:15 Desde ahora y para siempre, de John Huston

Viernes 31
14:00 Desde ahora y para siempre, de John Huston
16:00 Ser o no ser, de Ernst Lubitsch
18:00 Sopa de ganso, de Sam Wood
20:00 Mi tío, de Jacques Tati
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Freaks, de Tod Browning

sábado 1 de octubre
14:00 Sed de mal, de Orson Welles
16:00 La noche del cazador, de Charles Laughton
17:30 ADF: Y la nave va, de Federico Fellini
22:00 Lesbianas de Buenos Aires, de Santiago García
24:00 Pink Flamingos, de John Waters

domingo 2 de octubre
14:00 Mi tío, de Jacques Tati
16:00 Sopa de ganso, de Sam Wood
18:00 Historia de Tokio, de Yasujiro Ozu
20:30 Tokyo-Ga, de Wim Wenders
22:00 Un disparo en la sombra, de Blake Edwards