Malba - Fundación Costantini - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
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Prensa
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20 de julio de 2004
Para difusión inmediata

Malba.cine AGOSTO 2004


1. Continúa Clásicos de estreno VI
Durante todo el mes


2. Film del mes X
Contrasite, de Daniele Incalcaterra y Fausta Quattrini (Argentina, 2004)
Día y hora


3. Ciclo Trasnoches. Clásico bizarro
Continúa La noche de los muertos vivientes de George Romero (Night of the Living Dead, EUA, 1968, 96’)
Viernes a las 24:00


4. Retrospectiva: Daniele Incalcaterra
Del jueves 5 al domingo 8 de agosto


5. El cine y las artes: una historia de amor
Documentales de Heinz Peter Schwerfel


6. Rescate del mes: Río Cuarenta Grados, de Nelson Pereira Dos Santos (Rio, quarenta graus, Brasil, 1955)
Domingo 29 de agosto a las 18:00


7. Ciclo ADF – Malba.cine
100 años, luz (un recorrido por la historia de la dirección de fotografía en el cine)

Onceavo encuentro
Gritos y susurros de Ingmar Bergman (Viskningar och Rop, Suecia, 1972)
Sábado 28 a las 18:00


8. Oriente Violento II
Sábados a las 24:00


9. Cortometraje Alabanza a la papa, de Ignacio Masllorens (fecha?)
Jueves y domingos a las 13.30
Entrada libre y gratuita


10. Programación día a día


Malba.cine cuenta con el apoyo de I-Sat y Carrefour.

La programación completa puede consultarse en www.malba.org.ar y en las carteleras del museo. Entrada general: $5.- Estudiantes y jubilados: $2,50.-

Las entradas se pueden retirar con anticipación en Malba – Colección Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6500 | F +54 (11) 4808 6598/99 | info@malba.org.ar | www.malba.org.ar


Gracias por su difusión. Contacto de prensa: Elizabeth Imas. T +54 (11) 4808 6520/6507 | F +54 (11) 4808 6599 | eimas@malba.org.ar | prensa@malba.org.ar | *Contamos con imágenes en alta definición.



Malba.cine AGOSTO 2004


1. Continúa Clásicos de estreno VI
Durante todo el mes de julio

Diez títulos nuevos y varios colaboradores (Artkino, Aries Cinematográfica Argentina, Cinemateca Uruguaya, el Festival Internacional de Mar del Plata FALTA MENCIONAR ALGUNOS: REVISAR) se suman a esta edición del ciclo que dos veces al año realiza la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual (APROCINAIN) en Malba - Colección Costantini, con el objetivo de rescatar films esenciales de la historia del cine que ya no podían verse en fílmico en nuestro país.

Asimismo, la entidad continúa llamando la atención sobre la ley 25.119, que hace ya cinco años fue sancionada por unanimidad en el Congreso de la Nación, pero que todavía no ha sido reglamentada por la Secretaría de Cultura. A causa de ello, no existen en Argentina políticas coherentes de preservación del patrimonio audiovisual, ni medios para llevarlas a cabo, por lo que miles de films siguen perdiéndose año tras año.

La ley que olvidaron (Argentina, 1938) de José A. Ferreyra, c/Libertad Lamarque, Santiago Arrieta, Herminia Franco. 77’.
Después de Ayúdame a vivir (1936) y Besos brujos (1937), el director José Agustín Ferreyra realizó La ley que olvidaron, completando una informal trilogía de melodramas con Libertad Lamarque. Como los negativos de La ley que olvidaron se perdieron, el film debió ser completamente restaurado a partir de una antigua copia positiva en material nitrato, que permitió la confección de nuevos internegativos de imagen y sonido. La copia restaurada incluye materiales adicionales que se verán por primera vez en esta oportunidad: una canción completa, que fue omitida del montaje final, e imágenes inéditas de la noche del estreno en el cine Monumental, donde aparecen, entre otros, Lamarque, Luis Sandrini, Irma Córdoba y Florindo Ferrario.

La guerra gaucha (Argentina, 1942) de Lucas Demare, c/Enrique Muiño, Francisco Petrone, Amelia Bence, Ángel Magaña, Sebastián Chiola. 95’.
Poco puede agregarse a todo lo escrito, a favor y en contra sobre este film, el clásico más importante del cine argentino. La intención original de Artistas Argentinos Asociados, plenamente lograda en este film, fue la de trasladar a la pantalla temas esencialmente argentinos, ante el avance de adaptaciones de clásicos extranjeros que se advertía en nuestra cinematografía. Aunque parezca inverosímil, no existía en el país ninguna copia buena en 35 mm de este título fundamental del cine argentino. Afortunadamente, Aries Cinematográfica Argentina preservó el negativo original y lo cedió a APROCINAIN para la obtención de una copia nueva, que se exhibirá en esta oportunidad.

El séptimo sello (Det sjunde inseglet, Suecia, 1957) de Ingmar Bergman, c/Gunnar Björnstrand, Max von Sydow, Bengt Ekerot, Bibi Andersson. 96’.
Como escribió Tomás Eloy Martínez, “El tema de El séptimo sello es el Apocalipsis: ‘Cuando abrió el séptimo sello, hubo un silencio en el cielo por espacio como de media hora’ (Ap. VIII, 2). Esas son las primeras palabras de la obra y los teólogos las han interpretado como la apertura de un entreacto, durante el cual se preparan los actores para el juicio. ‘Creer es sufrir’, dice Bergman por boca del caballero. Y si El séptimo sello es una obra maestra es porque, también aquí, la fe –la fe del realizador– está comunicada en términos de sufrimiento”. En Argentina no existía una buena copia en 35 mm de este film. La que se exhibe fue obtenida a partir de un negativo parcial que se completó con material de una copia positiva generosamente proporcionada por Artkino Pictures.

Los jóvenes viejos (Argentina, 1962) de Rodolfo Kuhn, c/María Vaner, Alberto Argibay, Emilio Alfaro, Jorge Rivera López, Marcela López Rey. 102’.
Alberto Argibay, Emilio Alfaro y Jorge Rivera López interpretan a tres jóvenes de clase alta que salen un viernes con la intención de ir al cine. En el camino "levantan" a tres muchachas, van a bailar y pasan la noche juntos. Al amanecer, de nuevo solos, se reconocen hartos de esa rutina y de una existencia sin motivaciones. Lejos de negar las contradicciones de la realidad, Kuhn las incorpora como materia viva de su film. Lo que no hace es proponer soluciones fáciles que se le escapan, como a los personajes, pero eso no implica que éstos nieguen sus responsabilidades.
Los negativos de este film esencial estaban perdidos y fueron hallados lata por lata por APROCINAIN en los depósitos del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales. El laboratorio Cinecolor limpió y reparó el material, y el director de fotografía del film, Ricardo Aronovich, supervisó el tiraje de la copia que se exhibe. El Festival Internacional de Mar del Plata aportó los recursos necesarios para su rescate.

Mamma Roma (Italia, 1962) de Pier Paolo Pasolini, c/Anna Magnani, Ettore Garofolo, Franco Citti, Silvana Corsini. 110’.
Anna Magnani ya era una figura legendaria del cine mundial cuando vio Accatone, la ópera prima de Pasolini, y declaró que tenía que hacer una película con él. Pasolini honró ese compromiso escribiendo y dirigiendo Mamma Roma para ella, pero sin resignar sus temas y obsesiones personales.
Hay una parte de melodrama en el film. Mamma Roma es una prostituta pero su hijo Ettore lo desconoce. Liberada de su explotador, la mujer procura una vida diferente aunque se muestra obsesionada por la relación con el joven Ettore. Tan obsesionada se muestra, que el film ha sido señalado ante todo como una historia cuasi incestuosa, aun cuando ese tema no es el que eventualmente domina la trama.

El amor a los veinte años (L’amour à vingt ans / L’amore a vent’anni / Liebe mit zwanzig / Milosc dwudziestolatkow / Hatachi no koi , Francia / Italia / Alemania Federal / Polonia / Japón, 1962) de François Truffaut, Renzo Rossellini, Marcel Ophüls, Andrzej Wajda y Shintaro Ishihara, c/Jean-Pierre Léaud, Zbigniew Cybulski, Christian Dormer, Kojoi Furuhata, Cristina Gaioni. 120’.
El propio Truffaut ideó el tema y seleccionó a los otros realizadores, porque quería volver al universo de su primer film, Los 400 golpes, pero no se atrevía a hacerlo en formato largo. En cambio, desarrolló una breve historia con Antoine Doinel enamorado, que abre el film y efectivamente insinúa las posibilidades que el director exploró después en otras películas donde regresó sobre el personaje.
Un lugar común de la crítica: los films en episodios son desparejos. Eso dijeron, en su momento, de El amor a los veinte años y más tarde la fama de Truffaut opacó al resto de los episodios. Una revisión contemporánea demuestra más bien que los distintos episodios de este compendio multicultural se enriquecen entre sí.

Shock Corridor – Delirio de pasiones (Shock Corridor, EUA, 1963) de Samuel Fuller, c/Peter Breck, Constance Towers, Gene Evans. 101’.
Shock Corridor es la más salvaje de todas las audacias con las que Fuller embistió al establishment hollywoodense a lo largo de medio siglo. El título presagia algo fuerte, pero es difícil imaginar lo que pudo pasar por la cabeza del público norteamericano cuando se encontró por primera vez con esta historia de locura fingida, locura real, incesto simulado, periodismo sensacionalista, números musicales reales e imaginarios, mujeres devoradoras de hombres (en la mejor escena de ninfomanía de la historia del cine), negros que creen ser miembros del Ku-Klux-Klan, y tormentas eléctricas en los pasillos de un manicomio.
En Argentina no existía una buena copia en 35 mm de este film. La que se exhibe fue obtenida a partir de un negativo parcial que se completó con material de una copia positiva generosamente proporcionada por Cinemateca Uruguaya.

Repulsión (Repulsión, Inglaterra, 1965) de Roman Polanski, c/Catherine Deneuve, Ian Hendry, Ivonne Furneaux. 105’.
El primer film de Polanski fuera de Polonia se inició como un trabajo por encargo para una productora inglesa de clase B, y terminó como una de las obras más inquietantes del cine, una indagación de la locura donde todo comentario se suprime.
Hace décadas que Repulsión no puede verse en fílmico en Buenos Aires. Originalmente fue distribuida por la empresa SIFA, de Armando Bó, quien la obtuvo de sus productores a cambio de un film propio. Isabel Sarli conservó una copia nueva y, generosamente, la donó a Filmoteca Buenos Aires, que ahora la facilita para este ciclo.

Rebelión (Joi-uchi, 1967) de Masaki Kobayashi, c/Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Yoko Tsukasa, Michiko Otsuka. 121’.
Después de invertir la primera mitad del film en establecer cuidadosamente las motivaciones de todo el mundo, Kobayashi desarrolla en la segunda parte un enfrentamiento de potencias titánicas: de un lado, el señor feudal y su corte de obsecuentes; del otro lado, dos jóvenes amantes, pero sobre todo Toshiro Mifune, quien encuentra en la preservación de esa pareja una razón para vivir. Ambas potencias chocan de manera definitiva, hasta el final, y las dos triunfan a su manera.
En Argentina no existía una buena copia en 35 mm de este film. La que se exhibe fue obtenida a partir de un negativo parcial que se completó con material de una copia positiva generosamente proporcionada por Cinemateca Uruguaya.


Cine mudo + música en vivo
Amanecer (Sunrise, EUA, 1927) de Friedrich Wilhelm Murnau, c/Janet Gaynor, George O’Brien, Margaret Livingston. 100’.
Tras el éxito mundial de su film Fausto (1926), Murnau fue invitado a trasladarse a Estados Unidos por William Fox, y obtuvo carta blanca para hacer lo que deseara. Acompañado por su guionista Carl Mayer y sacando el máximo partido posible de los recursos técnicos y económicos de Fox, el realizador creó una obra romántica que la crítica considera, de manera unánime, entre las mejores películas de la historia del cine. A pesar de esa relevancia, hace décadas que este film no se puede ver en fílmico en Buenos Aires. Con recursos propios, APROCINAIN ha adquirido en Estados Unidos una copia nueva, que se proyectará por primera vez en esta oportunidad.
Amanecer se exhibirá con acompañamiento musical en vivo, compuesto e interpretado por la National Film Chamber Orchestra, coordinada por Fernando Kabusacki.


Reposiciones
Rescatados en ediciones anteriores del ciclo, estos films también se exhibirán en copias nuevas durante agosto.

Alphaville (Francia, 1965) de Jean-Luc Godard, c/Eddie Constantine, Anna Karina, Akim Tamiroff. 99’.
El agente secreto Lemmy Caution llega a la extraña ciudad de Alphaville para combatir la ausencia de emoción.

El ciudadano (Citizen Kane, EUA, 1941), de Orson Welles, c/Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane. 119’.
Welles se inspiró en el magnate del periodismo William Randolph Hearst para realizar su ópera prima, cuya audacia formal y temática abrió las puertas a la modernidad para la representación cinematográfica.

Cuéntame tu vida (Spellbound, EUA, 1945) de Alfred Hitchcock, c/Gregory Peck, Ingrid Bergman, Leo G. Carroll. 111’.
El psicoanálisis resulta ser la única herramienta que permite descifrar las claves de esta atípica intriga policial, que cuenta con una escena onírica diseñada por Salvador Dalí y con una exquisita partitura compuesta por Miklos Rozsa.

Hermanas diabólicas (Sisters, EUA, 1973) de Brian De Palma, c/Margot Kidder, Jennifer Salt, Charles Durning. 92’.
De Palma comenzó a definir su estilo con este thriller de suspenso, que contiene sus primeros homenajes a Alfred Hitchcock.

El salario del miedo (Le salaire de la peur, Francia, 1953) de Henri-Georges Clouzot, c/Yves Montand, Charles Vanel, Peter Van Eyck. 120’.
Un grupo de hombres desesperados enfrenta toda clase de peligros para trasladar un importante cargamento de nitroglicerina en las peores condiciones imaginables.

Yojimbo (Japón, 1961) de Akira Kurosawa, c/Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Eijiro Tono. 110’.
El enfrentamiento a muerte entre dos bandas de malhechores mantiene aterrorizado a un pueblo. Un samurai vagabundo decide intervenir para beneficiarse y, a pesar suyo, se encuentra ante la posibilidad de hacer justicia.

El soldadito (Le petit soldat, Francia, 1960/63) de Jean-Luc Godard, c/Michel Subor, Anna Karina, Henri-Jacques Huet. 88’.
Tras el éxito de Sin aliento, Godard irritó a las autoridades francesas con su segundo film, por aludir explícitamente a la guerra de Argelia. La consecuencia fue una prohibición que se mantuvo durante tres años.

Agonía de amor (The Paradine Case, EUA, 1947) de Alfred Hitchcock, c/Gregory Peck, Ann Todd, Charles Laughton, Charles Coburn, Louis Jourdan, Alida Valli. 131’.
Un respetable abogado se arriesga a dejar de serlo por amor a una mujer acusada de asesinato, a la que debe defender.

El último perro (Argentina, 1956) de Lucas Demare, c/Hugo del Carril, Nelly Meden, Nelly Panizza. 95’.
La vida en las postas de la pampa durante la segunda mitad del siglo XIX fue representada aquí por Lucas Demare con el mismo aliento épico de sus anteriores La guerra gaucha (1942) y Pampa Bárbara (1945).

Malba.cine AGOSTO 2004


2. Film del mes X
Contrasite, de Daniele Incalcaterra y Fausta Quattrini (Argentina, 2004)
(Días y horarios)

Basada en hecho reales, Contrasite sigue una doble línea narrativa. Por un lado, registra el proceso de hallazgo e identificación de los restos de Ernesto Che Guevara en Bolivia, en medio de diversas dificultades oficiales. Por otro, a través de un personaje que confronta a los documentalistas, sintetiza el alto grado de escepticismo político en el que vive la generación para la cual el Che ya no es visto como el símbolo de una utopía, sino sólo como un retrato en una remera.

Ficha técnica
Contrasite (Argentina, 2004). Dirección: Daniele Incalcaterra y Fausta Quattrini. COMPLETAR


(CV?)





Malba.cine AGOSTO 2004


3. Ciclo Trasnoches. Clásico bizarro
Continúa La noche de los muertos vivientes de George Romero (Night of the Living Dead, EUA, 1968, 96’)
Viernes a las 24:00

El film que cambió para siempre el género de horror y se convirtió casi instantáneamente en una obra de culto, podrá verse por primera vez en fílmico en Argentina, en copia nueva, con subtítulos en castellano.

En el principio fue George Romero. Con un presupuesto exiguo, la ayuda de sus amigos y una inteligencia que él mismo suele desestimar, el realizador creó el film de horror más influyente de todos los tiempos. Hubo directores que se atrevieron a filmar imágenes de horror explícito antes que Romero, pero nadie había logrado hacer con ellas una obra de verdadero suspenso y eficacia narrativa.

La historia es clásica y fue imitada cientos de veces: varias personas coinciden en una casa abandonada, buscando refugiarse de una horda de zombies devoradores de carne humana. Aunque hay referencias vagas a la radiación contenida en un satélite caído a tierra de manera imprevista, nunca se sabe con certeza qué cosa ha reanimado a los muertos. Lo cierto es que el mal que los moviliza es contagioso y, aunque se los puede eliminar con facilidad, el verdadero problema es que están por todas partes.

Romero destruyó varios lugares comunes del género en el film. Por empezar, evitó la tentación de inventar un final tranquilizador, lo cual le permitió continuar su saga en dos secuelas propias (Dawn of the Dead en 1978 y Day of the Dead en 1985) que prolongaron su visión apocalíptica del mundo. Sin dar explicaciones políticamente correctas, Romero decidió tener a un protagonista negro en una época en la que el único negro bueno del cine norteamericano era Sidney Poitier. Pero lo más perturbador del film fue la idea de desplazar a los zombies a un amenazante plano secundario para concentrarse en el verdadero foco de tensión, que es la lucha por el poder entre los improvisados resistentes de la casa. A la media hora de acción, los zombies no importan tanto como las miserias humanas que emergen sin cesar ante la crisis.
La revisión contemporánea de La noche de los muertos vivientes confirma su vigencia y ratifica que la transparencia de los recursos expresivos del realizador estuvo muy por encima de todo efectismo. La sensación de inquietud y tensión está lograda a través de un montaje dinámico y preciso, con estallidos de violencia en el interior de la casa que contrastan con la relativa placidez de los muertos que pululan tambaleantes por el exterior. El estilo seco y casi documental que elige Romero incrementa la impresión de realismo y, por lo tanto, el efecto perturbador de esa intromisión sobrenatural en un universo tan evidentemente cotidiano.

Pero el film tampoco se agota en su impecable superficie. En las luchas internas por el poder, en la ausencia de respuesta clara por parte de las instituciones, en el evidente gusto por armarse y matar que demuestra una parte de la sociedad norteamericana, y, sobre todo, en el devastador final, resulta imposible no advertir que Romero está hablando de horrores y angustias mucho más concretos que sus muertos vivientes.

Aunque se trata del film que inauguró el cine de horror moderno, que influyó a realizadores del género tan importantes como John Carpenter, Wes Craven y Sam Raimi, y que inspiró toda clase de imitaciones, remakes y seudo secuelas en todas partes del mundo, La noche de los muertos vivientes nunca fue estrenada en Argentina. La copia que se exhibirá, la primera en fílmico que llega a nuestro país, fue adquirida recientemente en Estados Unidos por el coleccionista Fabio Manes.

Biografía

George A. Romero nació en Nueva York en 1940, pero vive y trabaja en Pittsburgh. Night of the Living Dead fue su primer film y, aunque procuró desprenderse del género varias veces a lo largo de su carrera (There’s Always Vanilla, 1971; Hungry Wives, 1973), sus mejores obras pertenecen a él. Además de Dawn of the Dead (1978) y Day of the Dead (1985), que completan –hasta la fecha– una trilogía de los muertos vivientes, realizó un excelente thriller titulado The Crazies (1973), sobre una epidemia de locura producida por el gobierno de los Estados Unidos, y una original vuelta de tuerca sobre el tema del vampirismo titulada Martin (1978). Después, realizó su película más mainstream hasta la fecha, Creepshow (1982), sobre relatos de Stephen King, a quien volvió a adaptar en La mitad siniestra (1993). También realizó Knightriders (1981), Monkey Shines (1988) y Bruiser (2001). En colaboración con Dario Argento realizó Ojos diabólicos, en 1990. Con mayor o menor éxito, el conjunto de su obra se encuentra entre la más original, influyente y genuinamente independiente de la historia del cine fantástico.

Ficha técnica

Dirección: George A. Romero / Libreto: George A. Romero, John A. Russo / Fotografía: George A. Romero / Montaje: George A. Romero, John Russo / Maquillaje especial: Vincent Guastini, Karl Hardman, Bruce Capristo / Productores: Karl Hardman, Russell Streiner. Productoras: Image Ten – Laurel. Con Duane Jones (Ben), Judith O’Dea (Barbra), Karl Hardman (Harry Cooper), Marilyn Eastman (Helen Cooper), Keith Wayne (Tom), Judith Riley (Judy), Kyra Schon (Karen Cooper). Duración original: 96’.

Malba.cine AGOSTO 2004


4. Retrospectiva: Daniele Incalcaterra
Del jueves 5 al domingo 8

Durante la primera semana de agosto, malba.cine exhibirá la filmografía del laureado realizador italiano Daniele Incalcaterra (1954). Codirector de Contrasite, undécimo film estrenado por Malba–Colección Costantini, Incalcaterra ha consagrado su carrera a la producción y dirección de documentales y a la creación de talleres, en diversas partes del mundo, especializados en ese género. Entre sus películas más importantes se cuentan: Plaza roja, un plano-secuencia de una hora de duración, el film República nuestra, que desagradó al gobierno de Berlusconi hasta propiciar su prohibición, y Tierra de Avellaneda, sobre el caso de Karina Manfil, la niña que recuperó los restos de su familia –asesinada por la última dictadura– gracias al trabajo del equipo de Antropología Forense. También se preestrenará su film Fasinpat, acerca de los trabajadores de la fábrica de cerámicos Zanón.



Malba.cine AGOSTO 2004


5. El cine y las artes: una historia de amor
Documentales de Heinz Peter Schwerfel

Durante agosto, con el apoyo del Goëthe Institut, malba.cine exhibirá una retrospectiva completa de la obra del cineasta alemán Heinz Peter Schwerfel, especializado en documentales sobre arte contemporáneo. La plástica, el teatro, la fotografía y el diseño son interrogados por Schwerfel a través de la visión de artistas como Baselitz, Kounellis, Koons, Messager, Klauke, Marthaler, Grez, Katz y Horn.


Manifiesto
Por Heinz Peter Schwerfel

Los artistas contemporáneos aman el cine. Con su lenguaje de imágenes global y universalmente comprensible, el cine parece una herramienta apropiada para que el siglo XX y el temprano siglo XXI examinen, analicen y critiquen desde adentro nuestro medio económico, político y cultural. En los últimos años, importantes muestras colectivas y las bienales de Venecia, Kassel y San Pablo exhiben muy pocos pintores y un gran número de artistas que filman. El cine es cultura de masas y los artistas de hoy parecen apreciar el lugar del artista no como un héroe romántico y recluido, que lucha su guerra solitaria contra el aislamiento y una tela en blanco, sino como un vínculo poderoso entre el mundo intelectual y el trivial, entre la cultura y el pueblo. El cine es –y al arte le gustaría ser– el lenguaje cultural masivo más importante de hoy. De manera que si un artista quiere llegar a su público, debe usar el cine. El cine es pop, tanto en nuestros días como en los de Warhol.

Además, el cine narrativo y el arte moderno nacieron más o menos al mismo tiempo, algo antes de la primera guerra mundial, cuando los pintores inventaron el collage y los cineastas descubrieron el montaje, la integración de las dimensiones “tiempo” y “espacio” en el arte y en las películas. Así es como se inició el modernismo y la duradera historia de amor entre el arte y el cine. Porque el diálogo entre el arte y el cine es, por cierto, una historia de amor: un día se aman y luego se odian, se pelean, se roban. Y como en una relación buena y anticuada –o como en una película de Ettore Scola– ambas partes seducen y son seducidas, dominan y son dominadas. Un día el arte está arriba y otro día, abajo.

No hay terapia que valga para una relación tan compleja. Uno puede analizar, explicar e imitar pero nunca curar un romance entre dos egos fuertes que tienen, igual que en una pareja normal, un súper-ego negado y un abrumador inconsciente.
Si los dos egos son parte de la cambiante Zeitgeist y de la inmutable interdependencia de la cultura alta y la cultura baja, el inconsciente es la raíz común del modernismo en el collage y el montaje. Todo funciona en el tiempo y en el espacio. Pero, ¿dónde está el súper-ego, que es común al arte y al cine? Me gusta pensar que se encuentra en el documental sobre arte.

En realidad, a los artistas no les gustan los documentales sobre su obra, aun cuando una película bien hecha, filmada en el momento justo, con dinero suficiente y difundida por un canal popular, pueda impulsar sus carreras. Pocos artistas se niegan a ser filmados. La mayoría acepta, pero... Los artistas no quieren ser filmados en sus estudios, sudando frente a una tela en blanco, explicando intenciones para las que no tienen palabras, o expresando en un lenguaje común lo que sólo pueden expresar a través del arte. Por eso fingen que los documentales son chatos, triviales, didácticos. Que simplifican lo que es complejo y explican lo que sólo puede comprenderse por la experiencia estética del encuentro físico. Como es la visita a un museo, el encuentro con una pintura, la inmersión en una instalación, o su adquisición.

Por otra parte, a los cineastas no les gusta filmar documentales sobre arte. Porque piensan que el arte es un lenguaje visual egoísta, o incluso egocéntrico, imposible de trasladar al cine. Los cineastas aspiran a inventar un lenguaje, no a trasladar otro preexistente. Y creen que los artistas son maniáticos (lo que puede ser cierto) y que el público es tonto (lo que nunca es cierto). De cualquier manera, los cineastas creen que el documental no paga. Yo creo que están equivocados en todo, menos en esto último.

Hacer buenos documentales es hacer cine narrativo. Un documental inteligente sobre arte nos cuenta historias acerca del artista y su obra. Ver a Francis Bacon conversando o a Jackson Pollock pintando nos enseña más sobre las grandes obras de arte del siglo que cualquier texto.

El cine sobre arte significa servir a la gente: al público y a aquellos artistas que han logrado transformar el espíritu cultural del último siglo. Los filmamos, los observamos y así nos volvemos testigos del modo en que ciertos individuos consiguen obras que nos ayudan a sobrevivir. A través de su poder de seducción y utilizando las posibilidades visuales del medio cinematográfico, los documentales hacen ingresar al público a un universo que puede ser agresivo, violento, horrible o hermoso, pero que en cualquier caso es decisivo y esencial para nuestra vida.

Así, un buen documental sobre arte deja atrás la distinción entre realidad y ficción. Al utilizar las herramientas y los trucos del cine, el documental sobre arte describe el verdadero mundo del arte, que es la obra de arte en sí misma. Un buen documental sabe cómo servir a la obra de arte. Y trabajar al servicio de una obra de arte que consideramos importante es un honor. Y un riesgo. Y un oficio, una misión, una responsabilidad.

Los cineastas que creen en el cine sobre arte siempre fingen que les resulta difícil: no hay dinero para filmar, no hay ayuda de la televisión, y en cambio hay un creciente reinado del periodismo influyente que predica la cobertura breve de eventos fáciles para un rápido consumo cultural. Pero los cineastas que creen en el cine sobre arte también deben saber que tienen suerte. Son testigos de un momento privilegiado, en que los artistas se enamoran del cine otra vez y en el que usan el montaje y la cámara para contar mejor. Incluso redescubren el cine documental, precisamente ese medio en el que nunca confiaron. Hoy, los museos, las galerías y las bienales están llenos de películas hechas por artistas. Pronto estos artistas tendrán que descubrir que el arte y el cine han tenido durante muchos años algo en común. Un súper-ego que está sólidamente enraizado en el modernismo del siglo XX.


Biografía
Nacido en Colonia, Alemania, en 1954, Heinz Peter Schwerfel es cineasta y crítico de arte. Escribe para Art Kunstmagazin y SEIT, y ha publicado libros sobre artistas contemporáneos como Georg Baselitz, Jannis Kounellis y Markus Lüpertz. En 2000 publicó Kunst-Skandale (Escándalos en el arte) y, en 2002, Kunst nach Ground Zero (El arte después del Ground Zero). Su última publicación es el primer libro sobre la relación entre el cine y el arte contemporáneo. Sus películas se han exhibido en importantes muestras del Centro Georges Pompidou, el Museo Nacional de Arte Moderno de París (1988), el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1992, co-organizada con Anthology Film Archives); en Buenos Aires, Santiago de Chile, Montevideo (1998) y Río de Janeiro (2000). En 2001-2002 se organizaron otras retrospectivas de su trabajo en el Museo Nacional de Arte Moderno de Helsinki y en la Cinemateca de México DF. En 2002, Schwerfel creó y organizó para la ciudad de Colonia un nuevo festival de cine, la KunstFilmBiennale, que tiene lugar en museos y cines, y exhibe películas de y sobre artistas, tanto en competencia como en secciones retrospectivas.


Films
Design (Serie en siete episodios, 1999 –2001.) 26’ por episodio.
Una de las series más exquisitas sobre el tema del diseño, consagrada al famoso tren TGV, a la Lounge Chair, a la marca Swatch, la motoneta Vespa, la cámara Leica, el Jaguar E y el Braun Phonosuper. Recorriendo la génesis de estos objetos y sin glorificar inútilmente a sus autores, Schwerfel logra una nueva forma de contar la historia. Una serie de calidad sobre estos “oscuros objetos del diseño” que han hecho época.

Jannis Kounellis - Fragmentos de un diario (Iannis Kounellis, Fragmente eines Tagebuches, 1996). 45’.
Kounellis, griego de nacimiento, vive desde 1958 en Roma. Fue cofundador del conocido movimiento del arte povera y hoy es mundialmente reconocido por sus enormes instalaciones realizadas en materiales brutos. En 1996 retorna a su ciudad natal, Pireo, para montar allí una gran retrospectiva de su obra, instalada sobre un enorme barco de carga. El punto de partida del film es precisamente esa retrospectiva, desde la que se navega al interior de la obra de Kounellis. Entrevistas realizadas en varios lugares del mundo (en Roma, en la Provenza, en la isla de Hydra) dan cuenta de confesiones personales del artista sobre los temas más variados: los años 60, la libertad de creación, una definición del arte europeo, el boom del arte contemporáneo durante los 80, etc.


Kounellis en México (2002). 26’.
Film experimental sobre la primera exposición del escultor Jannis Kounellis en América latina.

Gusto / Disgusto – Bestiario de amor de Annette Messager (Annette Messager - Plaisirs / Déplaisirs, 2000). 52’.
Existe en el arte actual una importante tendencia que pone en cuestión los condicionamientos del arte y de la obra de arte. Se trata de instalaciones y ambientaciones. Annette Messager (1943) –hija del parisino Mayo del 68– es una de las cultoras actuales más consecuentes y profundas de esta modalidad. Sus ambientaciones, llenas de objetos que reflejan la multiplicidad de un universo cerrado y femenino, han viajado por todo el mundo. En la última Documenta, Messager trabajó con muñecos de peluche para aludir al desquiciamiento de la sociedad con el mal de las vacas locas y los fanáticos asesinos del 11 de septiembre. Este film obtuvo el Premio al Mejor Ensayo en el Festival de Cine de Artistas, Montreal 2001.

Jürgen Klauke – Vuelo libre (Jürgen Klauke – Freischwinger, 2001). 52’.
Film sobre el fotógrafo alemán Jürgen Klauke (1943), cuya producción fotográfica, a lo largo de más de treinta años, enfoca los contextos más extremos de la vida humana, como el sexo, la depresión y la muerte.

Jeff Koons – Un destino americano (Jeff Koons - An american destiny, 1990). 45’.
Niño terrible de la escena de arte norteamericana, Jeff Koons es, después de Andy Warhol, el exponente más importante del pop contemporáneo. Erotismo, sexo, emociones artificiales, flores de plástico y la Cicciolina se conjugan y se convierten en parodia del mercado de arte. Con este film, Schwerfel pone de manifiesto los mecanismos ilusorios de la industria del espectáculo.

Rebecca Horn, un concierto erótico (Rebecca Horn, ein erotisches Konzert, 1993). 42’.
Documental sobre una de las artistas más importantes en materia de arte de vanguardia. A través de la radiografía de obras que atraviesan varios períodos creativos de la artista, el espectador puede reconstruir su desarrollo creativo.

Alex Katz – ¿Y el estilo? (Alex Katz - What about style, 2002). 60’.
El mayor exponente de la corriente llamada “realismo figurativo” es considerado un antecesor del pop-art. Su estilo de realización imita el contexto de las artes gráficas aplicadas y la publicidad, mostrando seres que son eternamente los mismos. Fue redescubierto recientemente en Europa: “Tuvieron que olvidarse de la vanguardia para darse cuenta de que yo existía”.

Malstrom - Imágenes de Berlín (Malstrom - Berliner Bilder, 1985). 54’.
Ensayo experimental sobre los Nuevos Salvajes, artistas de Berlín que sobrevivieron a su propia violencia. Los Nuevos Salvajes conjugaron en su momento un movimiento estético que se decía influenciado por el expresionismo alemán.

Vertiginosa quietud - El teatro de Christoph Marthaler (Rasender Stillstand, 2001). 60’.
Retrato del director de teatro suizo Christoph Marthaler.

Noche de reyes (As You Like It, 2001). 135’.
Versión para TV de la puesta de Christoph Marthaler en el Schauspielhaus, Zurich.

Utopía (2000). 60’.
Cuando corren los tiempos del tercer milenio, y pese a las voces que hablan de su fin, la utopía afirma su vigencia. “La utopía ha triunfado, aunque el concepto haya pasado al anonimato”, sostiene Peter Sloterdijk, actual enfant terrible de la filosofía alemana. “Ha fracasado en la política y, esto puede decepcionar a muchos, la utopía es lo que tenemos hoy”, responde el politólogo Francis Fukuyama en el ágil diálogo que construye el documental de Schwerfel. La utopía, meta lejana en un futuro cercano, “last frontier” plasmadora de una imagen del futuro, máquina del deseo productora de oráculos. Toda sociedad necesita su utopía. ¿Pero dónde se ubican las utopías de hoy?¿En tierras lejanas o a la vuelta de la esquina? ¿Dentro o fuera del hombre? ¿En el universo o en el propio cuerpo? ¿Es una visión social o una visión individualista? ¿Una tierra de ensueño para todos o para unos pocos? A la búsqueda de algunas visiones, un viaje fascinante por los mundos actuales de la física molecular, la genética, la neurología, la ecología, la arquitectura, las nuevas tecnologías.

Jochen Gerz: Tu arte (Jochen Gerz: Your Art, 1998). 59’. En este documental, Jochen Gerz habla de sus experiencias personales, del mundo que manifiesta en sus polémicas obras, que generan reacción y escándalo. El artista trabaja en Alemania, vive en París desde hace treinta años y tiene su atelier en British Columbia, Canadá. Respetado como artista conceptual, Gerz llega a su máxima expresión artística en la realización de monumentos, como el proyecto del monumento a la memoria del holocausto en Berlín, entre otros. Es considerado, junto a Anselm Kiefer, el “artista de la memoria” por excelencia.

Georg Baselitz (1988). 45’.
Un diálogo con Georg Baselitz (1938), uno de los máximos representantes de las artes plásticas en la Alemania actual. “Pintor, pero con excursiones al mundo de la escultura”, como se auto-define, Baselitz es autor de una obra intensa y controvertida a la que la crítica muchas veces ha intentado, sin efecto, reducir al grado de simple exponente del expresionismo, y que ha sido tachada de anacrónica y hasta de obscena. Con su arte rebelde de los cuadros “feos”, de los retratos “invertidos”, Baselitz busca la “imagen nueva” a partir de la desarmonía y la destrucción, en una confrontación permanente con la historia del arte. Un recorrido por la historia y la obra del artista, sus reflexiones sobre la esencia de la pintura y de la escultura, y fragmentos de su manifiesto “Las armas de los pintores” (1987) se conjugan en un interesante retrato de “un burgués outsider en la pintura” que, a través de Schwerfel, nos acerca la fuerza revulsiva de sus imágenes.

Baselitz (2004). 52’.
El film fue producido especialmente para la retrospectiva del artista en la Bundeskunsthalle, Bonn, en 2004, e intenta mostrar de qué manera se ha transformado su irreconciliable postura con relación a su propio trabajo y al estado del arte y la pintura en general.

Bruce Naumann – Hazme pensar (Bruce Naumann - Make Me Think, 1997). 70’.
En este film, el escultor Bruce Naumann, considerado por la prensa y los museos como uno de los artistas más importantes de nuestra época, se abre por primera vez al lente de una cámara para salir del voluntario ostracismo en una granja de Nueva México. No es un film sobre imágenes, sino una mirada detrás de ellas, detrás del artista.


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6. Rescate del mes: Río Cuarenta Grados, de Nelson Pereira Dos Santos (Rio, quarenta graus, Brasil, 1955)
Domingo 29 de Agosto, 18:00hs

Tras estudiar cine en el prestigioso IDHEC de París, el brasileño Nelson Pereira Dos Santos debutó en el cine de largo metraje con este film de bajo presupuesto, rodado íntegramente en locaciones reales y con actores no profesionales, según los preceptos del neorrealismo italiano. La cámara registra la vida cotidiana de varios niños dedicados a la venta ambulante en las calles de Río de Janeiro, un tema que en ese entonces se oponía abiertamente a los entretenimientos de corte industrial que producía el cine brasileño siguiendo el modelo hollywoodense. Río Cuarenta Grados tuvo una difusión muy escasa en su momento, pero algunos años después fue revalorizada y señalada por Glauber Rocha, entre otros, como la única propuesta que anticipó la renovación que supuso el Cinema Novo.

Ficha técnica
Río Cuarenta Grados (Rio, quarenta graus, Brasil, 1955) Dirección: Nelson Pereira Dos Santos. Argumento: Arnaldo Farias. Guión: N. Pereira Dos Santos. Fotografía: Hélio Silva. Música: Ramadés Gnatelli. Montaje: Rafael Valverde. Productora: Equipo Moacyr Fenelon. Con Modesto de Souza, Roberto Batalin, Jece Valadao, Ana Beatriz, Glauce Rocha. 97’.


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7. Ciclo ADF – Malba.cine
100 años, luz (un recorrido por la historia de la dirección de fotografía en el cine)

Onceavo encuentro
Gritos y susurros de Ingmar Bergman (Viskningar och Rop, Suecia, 1972)
Sábado 28 a las 18:00

“Pensando en esta película, mientras escribía su autobiografía y luego de haberse retirado del cine, Ingmar Bergman dijo: ‘Lo que más extraño es trabajar con Sven Nykvist, quizás porque ambos estamos absolutamente cautivados por los problemas de la luz, la gentil, peligrosa, irreal, viva, muerta, clara, brumosa, cálida, violenta, desnuda, súbita, oscura, primaveral, fugaz, genuina, oblicua, sensual, discreta, limitada, venenosa, calma, pálida luz. Luz’. Y Nykvist usa todos estos tipos de luces en Gritos y susurros.

Sven Nykvist (...) entró en contacto con Ingmar Bergman en 1953, cuando fotografió parte de Noche de circo en los Estudios Sandrews. En este punto en su carrera, Nykvist estaba iluminando de una manera bastante tradicional, pero cuando comenzó a trabajar regularmente con Bergman desde 1959 en adelante (con La fuente de la doncella), adoptó el estilo más nuevo, simple y naturalista que hubiera aparecido en cualquier otro lugar de Europa.

Bergman desarrolló este film desde una imagen que tenía de tres mujeres, en una habitación roja, esperando la muerte de una cuarta. En el guión final, tres de estas mujeres son hermanas: Karin, Maria y Agnes, y la cuarta es Anna, una sirvienta de la mansión campestre en la que tienen lugar los acontecimientos a comienzos de siglo. El film abre con tomas del parque que rodea a la mansión, una mañana con el sol bajo filtrándose a través de la niebla, produciendo una serie de brumosas siluetas pasteles provenientes de los árboles y esculturas. Luego, una serie de grandes detalles de ornamentados relojes iluminados desde suaves fuentes, y después Agnes, la hermana que está muriendo, mientras se levanta. Está iluminada con una única luz directa, cuyos bordes se evaporan en el levemente iluminado fondo de la habitación, con sus paredes y alfombras rojas.

Éste es el método básico de Nykvist a lo largo de la película. Las habitaciones mismas están iluminadas con suaves fuentes y, sobre ello, los actores tienen sus propias luces principales. Usualmente se les permite estar un poco subexpuestos mientras se mueven por la habitación, y éste es uno de los rasgos más distintivos de la iluminación. Además, no hay contraluces de las figuras y su separación del fondo se logra puramente por el método plástico de la diferencia de color.”

Barry Salt en: “Making Pictures: a Century of European Cinematography”, IMAGO, 2003. Traducción para ADF: Ezequiel García.


Ficha técnica
Dirección: Ingmar Bergman. Libreto: Ingmar Bergman. Fotografía: Sven Nykvist. Montaje: Siv Lundgren. Con Harriet Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin, Liv Ullmann, Anders Ek, Inga Gill. Productor: Ingmar Bergman. Duración original: 91’.

Copia nueva gestionada por APROCINAIN, con apoyo del laboratorio Stagnaro y la empresa Kodak.




Malba.cine AGOSTO 2004

8. Oriente Violento II
Sábados a las 24:00

Conscientes de que el cine es siempre ficción, los realizadores de Hong Kong y de Japón carecen de los pudorosos límites que encuentran sus colegas occidentales a la hora de representar la violencia. Las películas de, entre otros, Takeshi Kitano, Takashi Miike y Johnny To pueden hacer suponer que ésa es una tendencia reciente, pero aquí van cuatro ejemplos que demuestran que la violencia extrema es ya una tradición en el cine oriental.

Los títulos se exhibirán en fílmico.

Sábado 7
El día del Apocalipsis (Sengoku jieitai, Japón, 1979) de Mitsumasa Saito, c/Sonny Chiba, Jun Eto, Tashitaka Ito. 117’.
Un pelotón de soldados armados hasta los dientes va a parar al Japón medieval a causa de una brecha temporal y se involucra en una espantosa batalla entre señores feudales. Esta insólita mezcla de ciencia ficción, cine de samuráis y melodrama gay es considerada una película de culto. El protagonista Sonny Chiba fue rescatado por Tarantino para interpretar a Hattori Hanzo, el fabricante de espadas en Kill Bill.

Sábado 14
El regreso del Dragón (Meng long guojiang, Hong Kong, 1972) de Bruce Lee, c/Bruce Lee, Nora Miao, Chuck Norris. 100’.
Un muchacho chino es enviado a Italia para proteger a una prima que tiene problemas con los gángsters locales. Bruce Lee escribió, dirigió, coprodujo, coreografió y protagonizó este film, que comienza como una comedia y termina con uno de los combates cuerpo a cuerpo (entre Bruce Lee y Chuck Norris) mejor realizados y más influyentes de toda la historia del género.

Sábado 21
La espada del mal (Daibosatsu toge, Japón, 1966) de Kihachi Okamoto, c/Tatsuya Nakadai, Yuzo Kayama, Toshiro Mifune. 121’.
Ryunosuke es un verdadero demente de la katana y mata con entusiasmo a todo lo que se cruza en su camino. Eventualmente, el encuentro con una muchacha de su pasado desata los espectros de sus muchas víctimas y lo sumerge en la demencia. A pesar de ser uno de los films de samuráis más importantes de todos los tiempos, nunca se estrenó comercialmente en Argentina. Por sus audacias formales y su mano para la violencia gráfica, su director, Okamoto, es considerado “el Sam Fuller japonés”.

Sábado 28
El Killer (The Killer / Die xue shuang xiong, Hong Kong, 1989) de John Woo, c/Chow Yun-Fat, Danny Lee, Sally Yeh. 111’.
Un asesino de buen corazón y el policía que lo persigue se hacen amigos tras comprobar que, en realidad, comparten un sentido del honor que los vuelve muy parecidos. Este clásico de John Woo se estrenó en Argentina en versión abreviada y doblada al inglés. La copia que proyectaremos tiene defectos de sonido, pero, para compensar, se trata de la versión completa en cantonés.

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9. Cortometraje Alabanza a la papa, de Ignacio Masllorens (fecha?)
Jueves y domingos a las 13:30
Entrada libre y gratuita

¿Qué tienen en común Víctor Grippo, Evita, un turista estadounidense y el poeta catamarqueño Arturo Basanta? Que todos ellos pasaron alguna vez por la ciudad de Villa Dolores y fueron cautivados por el tubérculo que tiene obsesionados a sus habitantes: el solanum tuberosum, más conocido como “la papa”. Este cortometraje fue producido por la Secretaría de Cultura de la Nación como parte del ciclo Fotograma de una Fiesta.


Ficha técnica
Dirección: Ignacio Masllorens. Investigación y guión: Ignacio Masllorens y Agustín Mendilaharzu. Cámara y montaje: Ignacio Masllorens. Personajes: Emilio Reyes, Jorge “Pájaro” Galaburrí, María Dolores Papa, José María Castellano, Alfredo Bucco, Stella Maris Díaz, Débora Rovetto, Ivana Elverdin y Virginia Sola. Duración: 26’.


Ignacio Masllorens nació en Buenos Aires en 1973. Egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA, creó, junto a varios amigos, El Cineambulante, un proyecto cultural basado en la exhibición gratuita de cine en todo el país. Dirigió los cortometrajes Lucía (1997, codir. Matías Bertilotti), El corto blanco (1998), Transatlántica (codir. Pablo Padula) y 1999 (2003).



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10. Programación día a día

Grilla


Jueves 5
13:30 Alabanza a la papa de Ignacio Masllorens
14:00 Shock Corridor de Samuel Fuller
16:00 República nuestra de Daniele Incalcaterra
18:00 Último estado + Chapare de Daniele Incalcaterra
20:00 Plaza roja de Daniele Incalcaterra
22:00 Alphaville de Jean-Luc Godard

Viernes 6
14:00 El amor a los veinte años de F. Truffaut, R. Rossellini, M. Ophüls, A. Wajda y S. Ishihara.
16:00 Último estado + Chapare de Daniele Incalcaterra
18:00 República nuestra de Daniele Incalcaterra
20:00 Tierra de Avellaneda de Daniele Incalcaterra
22:00 El séptimo sello de Ingmar Bergman
24:00 La noche de los muertos vivientes de George Romero

Sábado 7
14:00 El séptimo sello de Ingmar Bergman
16:00 Plaza roja de Daniele Incalcaterra
18:00 Tierra de Avellaneda de Daniele Incalcaterra
20:00 República nuestra de Daniele Incalcaterra
22:00 Repulsión de Roman Polanski
24:00 El día del Apocalipsis de Mitsumasa Saito

Domingo 8
13:30 Alabanza a la papa de Ignacio Masllorens
14:00 Repulsión de Roman Polanski
16:00 Tierra de Avellaneda de Daniele Incalcaterra
20:00 Contra-Site de Daniele Incalcaterra
22:00 Fasinpat de Daniele Incalcaterra

Jueves 12
13:30 Alabanza a la papa de Ignacio Masllorens
14:00 Design: TGV - Vespa - Jaguar de Heinz Peter Schwerfel
22:00 Contra-Site de Daniele Incalcaterra

Viernes 13
16:00 Design: Lounge Chair - Leica - Swatch de Heinz Peter Schwerfel
18:00 Kounellis (I y II) de Heinz Peter Schwerfel
20:00 Annette Messager + Jürgen Klauke de Heinz Peter Schwerfel
22:00 El amor a los veinte años de F. Truffaut, R. Rossellini, M. Ophüls, A. Wajda y S. Ishihara.
24:00 La noche de los muertos vivientes de George Romero

Sábado 14
14:00 Jeff Koons + Rebecca Horn de Heinz Peter Schwerfel
16:00 Alex Katz + Malstrom de Heinz Peter Schwerfel
18:00 Annette Messager + Jürgen Klauke de Heinz Peter Schwerfel
20:00 El ciudadano de Orson Welles
22:00 La guerra gaucha de Lucas Demare
24:00 El Killer de John Woo

Domingo 15
13:30 Alabanza a la papa de Ignacio Masllorens
14:00 Design: Lounge Chair - Leica - Swatch de Heinz Peter Schwerfel
16:00 Design: TGV - Vespa - Jaguar de Heinz Peter Schwerfel
18:00 Jeff Koons + Rebecca Horn de Heinz Peter Schwerfel
20:00 Contra-Site de Daniele Incalcaterra
22:00 Cuéntame tu vida de Alfred Hitchcock

Jueves 19
13:30 Alabanza a la papa de Ignacio Masllorens
14:00 Design: Braun + Rasender Stillstand de Heinz Peter Schwerfel
16:00 Jeff Koons + Rebecca Horn de Heinz Peter Schwerfel
18:00 Utopía + Jochen Grez de Heinz Peter Schwerfel
20:00 Contra-Site de Daniele Incalcaterra
22:00 El salario del miedo de Henri-Georges Clouzot

Viernes 20
14:00 Utopía + Jochen Grez de Heinz Peter Schwerfel
16:00 Baselitz de Heinz Peter Schwerfel
18:00 Alex Katz + Malstrom de Heinz Peter Schwerfel
20:00 El amor a los veinte años de F. Truffaut, R. Rossellini, M. Ophüls, A. Wajda y S. Ishihara.
22:15 Mamma Roma de Pier Paolo Pasolini
24:00 La noche de los muertos vivientes de George Romero

Sábado 21
14:00 Bruce Naumann - Make Me Think de Heinz Peter Schwerfel
16:00 Design: Braun + Rasender Stillstand de Heinz Peter Schwerfel
18:00 Como les guste de Heinz Peter Schwerfel
20:30 Hermanas diabólicas de Brian De Palma
22:15 Yojimbo de Akira Kurosawa
24:00 La espada del mal de Kihachi Okamoto

Domingo 22
13:30 Alabanza a la papa de Ignacio Masllorens
14:00 Utopía + Jochen Grez de Heinz Peter Schwerfel
16:00 Kounellis (I y II) de Heinz Peter Schwerfel
18:00 Baselitz de Heinz Peter Schwerfel
20:00 Contra-Site de Daniele Incalcaterra
22:00 Amanecer de F. W. Murnau + música en vivo

Jueves 26
13:30 Alabanza a la papa de Ignacio Masllorens
14:00 El soldadito Jean-Luc Godard
16:00 Shock Corridor de Samuel Fuller
18:00 El séptimo sello de Ingmar Bergman
20:00 Contra-Site de Daniele Incalcaterra
22:00 Fasinpat de Daniele Incalcaterra

Viernes 27
14:00 La ley que olvidaron de José A. Ferreyra
16:00 El séptimo sello de Ingmar Bergman
18:00 El ciudadano de Orson Welles
20:15 Mamma Roma de Pier Paolo Pasolini
22.00 Los jóvenes viejos de Rodolfo Kuhn
24:00 La noche de los muertos vivientes de George Romero

Sábado 28
14:00 El amor a los veinte años de F. Truffaut, R. Rossellini, M. Ophüls, A. Wajda y S. Ishihara.
16:00 La guerra gaucha de Lucas Demare
18:00 Gritos y susurros de Ingmar Bergman
22:00 Repulsión de Roman Polanski
24:00 El regreso del Dragón de Bruce Lee

Domingo 29
13:30 Alabanza a la papa de Ignacio Masllorens
14:00 Alphaville de Jean-Luc Godard
16:00 El último perro de Lucas Demare
18:00 Río cuarenta grados de Nelson Pereira Dos Santos
20:00 Contra-Site de Daniele Incalcaterra
22:00 Fasinpat de Daniele Incalcaterra